Московский Камерный музыкальный театр им. Б. Покровского

25/09/2014 - 09:47   Классическая музыка   Новости
10, 11, 12 октября в Камерном музыкальном театре имени Б. А. Покровского состоится российская премьера оперы Людвига ван Бетховена «Леонора».

Постановка, которую коллектив готовит под руководством выдающегося дирижера Геннадия Рождественского, обещает стать важным культурным событием, так как представит публике первую редакцию единственной оперы композитора, широко известной во всем мире лишь в позднейших версиях под названием «Фиделио».

Не секрет, что творческий процесс композитора был часто мучительным. Но даже на фоне истории создания других его сочинений судьба «Леоноры» выглядит очень драматичной. Крайне неудачные обстоятельства премьеры оперы на сцене Theater an der Wien в 1805 году и смелость оперного мышления композитора, к которому венская публика оказалась не готова, закрыли оригинальной версии путь на сцену. Лишь благодаря настойчивым уговорам друзей и почитателей, которые не могли смириться с мыслью, что «Леонора» больше не увидит света рампы, Бетховен согласился сделать новую редакцию оперы, озаглавленную «Фиделио» (1806). Ее судьба оказалась не на много завиднее первой. И лишь в третьей редакции, завершенной в 1814 году, опере удалось завоевать успех.

Бетховен добился признания как оперный мастер — признания, которого в то время тайно или явно жаждал каждый композитор. Однако его собственной рукой партитура была «исполосована» купюрами и переделками буквально вдоль и поперек. С одной стороны, опера стала короче, динамичнее, образы — яснее. Но вместе с длиннотами ушли многие красоты, важные смысловые и эстетические моменты, а с ясностью пришла большая однозначность и плакатность — то, за что так любили «Фиделио» в советское время.

В Камерном музыкальном театре опера предстанет в своем первозданном виде — без компромиссов и уступок, которых потребовали от самобытного бетховенского гения условности жанра и сцены той эпохи. Идея постановки «Леоноры» в оригинальной редакции 1805 года принадлежит музыкальному руководителю театра Геннадию Николаевичу Рождественскому, который и выступит в качестве дирижера-постановщика. Это уже третья постановка в 2014 году (после «Лазаря» Шуберта-Денисова и «Мавры» Стравинского), подготовленная Рождественским. Вместе с ним над спектаклем работают режиссер-постановщик и хореограф Михаил Кисляров, дирижер и хормейстер Алексей Верещагин, художник-сценограф Виктор Вольский, художник по костюмам Ольга Ошкало. Вневременные идеи оперы —жестокость ослепленных властью, одержимость мщением, страстная жажда свободы и справедливости и, конечно, спасительная сила любви — в спектакле найдут отражение в образах недавнего прошлого и настоящего. При этом единственным отступлением от оригинального текста партитуры станет отказ от разговорных диалогов, качество которых, впрочем, позволяет без сожаления с ними расстаться.

В преддверии премьеры 4 октября в 18.00 состоится вторая встреча просветительского цикла «Премьера: инструкция по применению. “Леонора”». Ее проведет крупнейший отечественный бетховеновед, автор двухтомной монографии «Бетховен. Жизнь и творчество» (2009), доктор искусствоведения, профессор Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского Лариса Кириллина. Вход на встречу свободный.

23/06/2014 - 08:47   Классическая музыка   Новости
28 и 29 июня Камерный музыкальный театр закрывает сезон премьерой — сценической версией знаменитой кантаты Джованни Баттисты Перголези «Stabat Mater».

«Stabat Mater» наряду с комической оперой «Служанка-госпожа» является самым востребованным произведением композитора и одной из самых исполняемых духовных кантат в мире. Сочинение, над которым Перголези (1710-1736) работал буквально до последних дней жизни, было написано для братства церкви «Пресвятой Девы Марии Семи Скорбей» в Неаполе как альтернатива «Stabat Mater» А. Скарлатти, долгое время исполнявшемуся в этом приходе. Современному слушателю сложно оценить новаторство Перголези, который первым рискнул придать духовному сочинению столь изящную и блестящую концертную форму. Об этом свидетельствует оценка известного музыкального ученого падре Мартини, который говорил, что «”Stabat Mater” Перголези содержит слишком много пассажей, которые скорее могли быть употреблены в какой- нибудь комической опере, чем в песне скорби». Действительно, в этой музыке очень сильна концертная составляющая, а вопрос о сочетании «церковного» и «театрального» стилей остается актуальным до сих пор.

Stabat Mater
Stabat Mater

Режиссер Ольга Иванова уже неоднократно обращалась к шедевру Перголези. В Камерном музыкальном театре она предложила совершенно новый взгляд на хорошо известную музыку. В содружестве с художниками Виктором и Данилом Герасименко она создала сложный мультимедийный проект, благодаря которому на сцене соединяются реальность и виртуальный мир, новое многомерное пространство помогает глубже вовлечь зрителя в происходящее. Однако технические задачи и эффекты не заслоняют высокое духовное и нравственное содержание. Вечная тема «Stabat Mater» — скорбь матери, оплакивающей своего сына и все страдания земного мира, — проецируется на проблемы современной жизни, затрагивает ее самые актуальные и больные темы, самые сложные вопросы. Одним из аллегорических ответов на них становится «Pieta» Микеланджело, как вечный символ очищения через страдания и смерть.

«Stabat Mater» исполняется при участии хора, редакция партитуры сделана музыкальным руководителем постановки Владимиром Агронским и дирижером Айратом Кашаевым. Сольные партии исполнят ведущие молодые артистки труппы, которые уже зарекомендовали себя как прекрасные солисты, обладающие красивым голосом и чувством стиля: Екатерина Ферзба, Татьяна Конинская, Вета Пилипенко и Мария Патрушева.

«Stabat Mater» исполняется в один вечер одноактной монооперой Ф. Пуленка «Человеческий голос».

Премьерные спектакли пройдут 28 и 29 июня, начало в 18.00.

19/06/2014 - 01:08   Классическая музыка   Концерты
В это трудно поверить, но в начале июня Михаилу Кислярову исполнилось 60!

Он – конечно, мастер, превосходно владеет своим искусством и не обделён талантом. Но в его живых и увлекательных спектаклях всегда столько выдумки и какого-то едва уловимого обаяния непосредственности, молодости и задора, что в эту цифру, свидетельствующую о зрелости и внушительности пройденного пути, поверить никак невозможно. Тем не менее, факт, как говорится, налицо, и родной Камерный музыкальный театр имени Бориса Покровского, главным режиссёром которого c 2010 года является Кисляров, устроил по случаю круглой даты целый фестиваль. А повод – самый значительный, тем более, что юбилей двойной – из 60-ти прожитых лет 40 Кисляров занимается любимым делом.

Торжества начались в середине апреля двумя показами превосходного спектакля из недавних кисляровских работ – новой оперы Владимира Кобекина «Холстомер». Этот «золотомасочный» номинант этого года получил премию только за музыку (и вполне по заслугам, ибо партитура Кобекина – гениальна!), что, конечно же, совершенно несправедливо – достоинства у спектакля огромные, не только музыкальные (помимо самого материала ещё и поют прекрасно), но и постановочные.

Продолжили гурманскими раритетами – «Идоменеем» Моцарта – Штрауса и «Тремя Пинто» Вебера – Малера: это был выбор Геннадия Николаевича Рождественского, известного любителя музыкального эксклюзива, и с этими трудными операми (каждой по-своему) Кисляров справился блестяще.

Не обошлось, конечно, и без иных жемчужин репертуара покровцев, «виновник торжества» которых он же – нынешний юбиляр, стало быть, «виновник торжества дважды». Пронзительный спектакль по Шостаковичу «Век DSCH» соседствует с забавным пастиччо из Перголези и Стравинского («Контракт для Пульчинеллы…»), метафоричный и глубокомысленный «Альтист Данилов» Александра Чайковского с превосходным спектаклем-концертом-коллажем «Диалоги с Покровским», подготовленным два года назад к столетнему юбилею великого режиссёра – основателя театра.

Центрами же фестивальных торжеств стали две премьеры, одна из которых – возобновление спектакля одиннадцатилетней давности в новой редакции, а вторая – абсолютно новый спектакль.

«Четыре самодура» в театре им. Покровского
«Четыре самодура» в театре им. Покровского

Первая – это комическая опера Эрманно Вольфа-Феррари «Четыре самодура» (или «Четыре грубияна», «Четыре деспота» - перевод может быть разным, а последний вариант – именно тот, под которым опера впервые появилась в России – в Свердловске в 1928-м и в московском Большом театре в 1933-м годах), поставленная Кисляровом на сцене КМТ в 2003 году на итальянском языке. В этот раз Екатерина Поспелова сделала русский перевод, и раритетная опера пошла в Москве на языке, родном для публики, что, несомненно, добавило «интерактива» в театральное событие – смех и прочие проявления бурной реакции зала (исключительно позитивной) случались по ходу премьерного показа не раз.

Музыкальный язык композитора эклектичен – этим он сразил российскую публику, до того не имевшую о его творчестве ни малейшего представления, ещё в 2003-м, причём эта эклектика – высокого порядка, утончённая игра с разными стилями и музыкальными пластами. Гибкость прозрачной, истинно итальянской мелодики сочетается с заковыристыми немецкими речитативами, тут же находится и место позднеромантическим эмоциональным всплескам и даже веристскому надрыву (поданному, правда, исключительно в ироничном ключе). Но в целом об этой музыке можно сказать, что хороша, но не безмерно талантлива. Хотя здесь есть поразительные в музыкальном отношении сцены – например, трио Лунардо, Симона и Кансьяна о коварстве и ветрености женщин, поражающее блистательной музыкальной формой и тонкой нюансировкой, выразительностью и театральностью – это в целом не та опера, которую можно только слушать, закрыв глаза и наслаждаясь музыкой: эта опера интересна прежде всего как театр, тем более, что в её основе – искромётная пьеса К. Гольдони. И потому именно театральное решение здесь выходит на первый план и определяет – будет ли опера скучна, или будет пользоваться успехом у публики.

Кислярову и покровцам удалось сделать из неё настоящую конфетку. Режиссёр проявил исключительную фантазию, обыгрывая каждое слово, каждый изгиб причудливого, весьма запутанного сюжета. Его гэги – чудаковаты, но по-доброму уморительны – оттого и смеется публика весь спектакль напропалую. Неоценимую помощь ему оказывает и симпатичная сценография С. Бархина – «желтушное» «царство самодуров», где властвует скука, стремление к комфорту и главное, чтобы был порядок и ничего не происходило, расцвечивают своей живостью и симпатичными нарядами дамы-героини оперы. Рукомойник, ездящие по стене стулья, натянутые жалюзи, позволяющие героям мгновенно появляться и исчезать, порхающие синие мотыльки – символы свободы, любви, беспечности, молодости – всё сделано занимательно и со вкусом.

«Четыре самодура» в театре им. Покровского
«Четыре самодура» в театре им. Покровского

Вокально в спектакле больше достоинств, чем неудач. Несовершенства вокальной выучки Натальи Сивцевич (Лючетта), чей голос частенько находится не в позиции, искупает добротное пение Марии Патрушевой (Маргарита) и Александры Мартыновой (Марина) и практически звёздный вокал Ирины Курмановой (Феличе), чья партия по-настоящему сложна, включая эффектную примадонскую арию.

Мужские партии скорее ставят актёрские задачи, чем чисто вокальные. Царит признанный премьер театра Герман Юкавский (Лунардо): его низкий, чуть глуховатый, но очень выразительный бас – прекрасное дополнение к актёрской харизме, ведь поклонникам Театра Покровского давно и хорошо известно, какой это яркий артист. Хороший ансамбль с ним составляют прочие «самодуры», обладатели низких мужских голосов – Сергей Байков (Маурицио), Алексей Морозов (Симон) и Александр Маркеев (Кансьян). Всё убедительно на этот раз и с тенорами – Захар Ковалёв (Филипетто) и Павел Паремузов (Риккардо) поют красивыми яркими голосами, справляются с тесситурой и в целом радуют слух.

Владимиру Агронскому удалось создать комфортную музыкальную среду для вокалистов: оркестр звучит выразительно и ярко, но не громыхает (даже в экспрессивных местах), поддерживает певцов. Сольные высказывания инструментального коллектива притягательны романтической приподнятостью и вниманием к мелодическим красотам партитуры.

Вторая премьера – это «Мавра» Стравинского. Её показали аккурат в день юбилея, 3 июня, вместе с другой недавнишней также весьма удачной кисляровской работой – «Блудным сыном» Бриттена, представленной московской публике осенью минувшего года по случаю столетия великого английского композитора.

Эта опера Бриттена входит в триптих вместе с «Рекой Керлью» и «Пещным действом», хотя первоначально намерения создать именно триаду у композитора не было. Она необычна даже для творчества самого мастера. С одной стороны, совершенно логично, что она появилась, ибо Бриттен всегда тяготел к камерному формату оперного театра – наряду с большими оперными полотнами типа «Питера Граймса», «Билли Бадда» или «Сна в летнюю ночь», основное место всё-таки принадлежит именно малым оперным формам. С другой стороны, даже среди камерных опер самого Бриттена «Блудный сын» смотрится очень необычно – он настолько поражает новизной, нетрадиционностью, необычностью, что воспринимается как новое слово, своего рода поставангард даже сегодня, спустя почти полвека после написания партитуры.

Это музыка не для удовольствия. Это музыка для размышления, для скрупулёзного, внимательного вслушивания, это произведение – очередной диалог с самим собой, со своей совестью. Сверхактуальный библейский сюжет – он абсолютно про нас, забывающих настоящие ценности бытия и поддающихся соблазну сиюминутного. Эта опера о любви, о милосердии, о прощении – не о чувственности, не о любовной страсти-лихорадке, а о высшей любви – о прощении и понимании. Её музыкальный язык скуп и не цветист, строг и даже где-то монотонен, в нем совсем нет «оперных красивостей», что привлекали меломанов в театр во все времена. Не случайно Бриттен планировал исполнять весь триптих в храме – театральные условия казались ему слишком неподходящими для таких сильных, больших мыслей.

Создатели спектакля уловили эту особенность блестяще. Режиссер и хореограф Михаил Кисляров, художник Ася Мухина и художник по свету Владимир Ивакин создают минималистичную визуальную оболочку звучащего слова – омузыкаленной притчи: три чёрных планшета, ограничивающих сценическое пространство, почти полное отсутствие реквизита и прочих декораций заставляют концентрироваться на омузыкаленном слове и на взаимоотношениях главных героев. Яркими, словно не из этого спектакля, вкраплениями смотрятся явления блудниц в блёстках и с гигантскими коньячными фужерами – вот уж лучшая, действенная визуализация грехопадения, столь понятная современной аудитории. Поют по-английски, а субтитров нет – словно в немом кино лишь некоторые ключевые фразы даются по-русски – они выплывают как анимационные элементы из глубин сцены и оттого воспринимаются выпукло, значимо, весомо…

Непростую партитуру Камерный музыкальный театр воплощает блестяще, не побоюсь этого весьма обязывающего слова: молодой Айрат Кашаев, ученик Рождественского, талантливый маэстро, ведет инструментальный коллектив и солистов уверенно непростыми бриттеновскими тропами. Не каждому дирижёру под силу искусство Бриттена, а уж кто может справиться с колоссальными трудностями «Блудного сына» - тот заслуживает особых суперлативов. Необыкновенно радуют певцы – все как один замечательно освоились в непростом бриттеновском мире. Их пение – стилистически выверенное, энергетически насыщенное.

Как и Бриттен, Стравинский – совсем не чужой в Театре Покровского: когда-то, в 1970-х, именно здесь состоялась российская премьера его «Похождений повесы» - замечательного спектакля, недавно возобновлённого, здесь же шли в 1980-е «История солдата» и «Байка» (последние две, кстати, работы только начинавшего путь в режиссуре молодого Кислярова). «Мавра» - опера, словно созданная для Камерного театра: любимое детище композитора, опера-шутка смотрится очень естественно в малоформатном зале и удивительно, что на этой сцене она столь долго не появлялась.

Пародийный пушкинский сюжет обыграли со всех сторон. Художник Ася Мухина придумала сюрреалистическую бутафорию (далианскую кровать с крепящейся к её изголовью кухонной утварью) и вульгарно-кричащие костюмы, а режиссёр Кисляров вводит разговорную роль Автора, в обличии которого к публике обращается сам Александр Сергеевич Пушкин с всклокоченными негритянскими локонами, делающими его слегка похожим на Чебурашку. Обострённый гротеск, который организуют создатели спектакля, не лубочный «а ля рюс», а сознательно вызывающий китч абсолютно естественно «монтируется» с насмешливой музыкой Стравинского. В итоге получается очень музыкальный спектакль, в котором замысел композитора воплощён во всём блеске – озорная пародия предстаёт во всей красе, начинаясь и заканчиваясь футуристическим, мозаичным портретом солнца русской поэзии во весь задник сцены, который, как известно, и сам был большой озорник.

Актёры Камерного театра существуют в этой среде абсолютно естественно. Воркующее сопрано Александры Мартыновой идеально для жаждущей любовных утех Параши. Зычный тенор Борислава Молчанова отлично подходит для образа лихого гусара Василия. Две кумы – Мать и Соседка в исполнении Ирины Кокориновой и Ольги Березанской – органично дополняют ансамбль. Над всем этим царит Геннадий Рождественский, для которого музыка Стравинского – самая родная и естественная территория: он мастерски управляется с полифоничной и полистилистичной тканью оперы-шутки, отчего задорная миниатюра сияет всеми красками живого, яркого театра.

Праздничный вечер, состоявший из дилогии одноактных опер, завершили коротким, но ёмким капустником, пробежавшись по вехам творческой биографии Михаила Кислярова и пожелав ему здоровья (в одной из реприз удачно зарифмовав фамилию юбиляра «Кисляров – будь здоров!»), процветания и ещё многих и многих свершений в музыкальном театре.

Александр МАТУСЕВИЧ, «Новости музыки NEWSmuz.com»

09/01/2014 - 02:31   Классическая музыка   Концерты
С тех пор, как в Камерный музыкальный театр им. Б. Покровского пришёл Геннадий Рождественский в качестве музыкального руководителя, его творческая жизнь заметно оживилась.

Он постепенно, но уверенно встаёт на тот путь, которым плодотворно вёл свой коллектив Покровский: постановки современных авторов и знакомство москвичей с мало или совсем неизвестными зарубежными операми. Репертуар театр пополнился сочинениями ведущих российских композиторов — «Альтист Данилов» Александра Чайковского и «Холстомер» Владимира Кобекина. Их мировые премьеры прошли с большим успехом, а «Холстомер» выдвинули на «Золотую Маску». Геннадий Рождественский вместе с главным режиссёром Михаилом Кисляровым осуществил две российские премьеры: весёлой комической оперы Вебера-Малера «Три Пинто», остроумно поставленной режиссёром в духе Марселя Марсо, и глубокой философской оперы Б. Бриттена «Блудный сын», приуроченной к 100-летию со дня рождения композитора. Завершила череду премьер 2013г. режиссёр Ольга Иванова, выбрав для российской премьеры неизвестную у нас оперу «Лунный мир» Йозефа Гайдна.

Имя Гайдна в России ассоциируется прежде всего с жанром симфоний и квартетов, а ведь его перу принадлежит почти 30 произведений для музыкального театра. Среди них - «Лунный мир». Опера была написана в 1777 году, когда композитор служил при дворе князя Николауса Эстергази. Опера предназначалась для церемонии бракосочетания второго сына князя, Николая Эстергази, и графини Марии Анны Вайссенвольф. Премьера состоялась 3 августа 1777г., дирижировал сам автор.

Опера написана на либретто известнейшего итальянского комедиографа Карло Гольдони. Луна во все века была романтическим образом для многих влюблённых и поэтов. Но оказывается, в те далёкие времена людей интересовали загадочность лунного мира и многие из них страстно мечтали побывать на Луне. Вот об этой истории «путешествия» на Луну и рассказывает опера Гайдна «Лунный мир». Мнимый астролог Экклитико якобы создал подзорную трубу, с помощью которой он может разглядеть жизнь обитателей Луны. На самом деле он пошёл на обман, чтобы жениться на дочке богача Буонафеде Клариче и получить богатое приданое. О подзорной трубе узнаёт Буонафеде и признаётся Экклитико в том, что его давно занимает Луна, и ему страстно хочется проникнуть в Лунный мир. Ловкий молодой человек показывает ему «картины лунной жизни». Богач в восторге. Но Экклитико оказывается не единым претендентом на богатство Буонафеде. Эрнесто влюблён в его вторую дочь Фламинию, а его слуга Чекко хочет жениться на служанке Лизетте. Отец же не желает расставаться с дочерьми и делить свои деньги между зятьями, а сам не прочь жениться на Лизетте. Молодые люди решают разыграть скрягу Буонафеде и устроить три свадьбы.

Экклитико приходит прощаться с Буонафеде. Он при помощи «волшебного напитка» отправляется на Луну. Буонафеде умоляет взять его с собой. Юноша охотно делится с ним волшебным зельем, которое есть ничто иное как снотворное. Приняв его, Буонафеде погружается в сон и видит, как вместе с астрологом летит к заветной Луне. Вскоре все собираются около заснувшего Буонафеде. Эрнесто вытаскивает завещание, которое Буонафеде взял с собой, и каждый правит его по своему усмотрению. Пока богач спит, распределяются роли. Чекко становится Лунным императором, а Эрнесто — его слугой. Все покидают спящего. Наконец он просыпается и, оглядев «лунный мир», остаётся разочарованным. Но появляется Лунный император со слугой, и окружающий мир снова преображается для него, а сам он становится добрее и соглашается на три свадьбы. Он верит в волшебную силу Луны и следует на её зов, оставляя на Земле три счастливые пары.

Гайдн, сочиняя оперу по пьесе Гольдони, обогатил её содержание, выведя за рамки традиционной комедии дель арто. В его музыке гармонично уживается комическое и лирическое, бытовое и возвышенное, фантастика и реальность. В опере есть арии, сочетающие в себе виртуозность и пленительную итальянскую кантилену, увлекательные дуэты и изящные ансамбли, изобретательная оркестровка и яркие характеристики действующих лиц.

Всё это вокальное богатство хорошо прочувствовала режиссёр Ольга Иванова, подчеркнув лирическую суть оперы, вслед за Гайдном значительно углубив содержание «Лунного мира». Да, у неё есть и смешные комические мизансцены, связанные с Буонафеде и мнимым астрологом Экклитико. Спектакль занятный весёлый. Но прежде всего, Иванова хотела создать спектакль-мечту, в котором герои открыли бы мир внутри себя, стали добрее и подумали бы об окружающих их людях. Тогда можно и на Луну слетать, а в нашей сегодняшней жизни это возможно, и на Земле почувствовать себя счастливыми. И это ей удалось. Она много работала с солистами, которые смогли донести до зрителей её идеи.

Очень помогли режиссёру сценограф и художник по костюмам Виктор Герасименко и художник по свету Сергей Скорнецкий. Сцена не загружена лишними предметами, вверху, на «небе» масса планет, таинственных знаков, а в глубине сцене огромный глаз, прикрытый красивым веком с ресницами. Это жилище Луны. Когда надо веко открывается, и вместо зрачка появляется Луна. А как преображается небо (театр приобрёл новое оборудование) в сцене «прилёта» на Луну. Оно становится огромным, с множеством светящихся звёзд. Как сумели художники маленькое пространство сцены превратить в огромное, почти космическое, им одним известно. Вот оно настоящее чудо театра! Костюмы забавные, фантазийные, соответствующие и фантастическому сюжету, и музыке Гайдна.

К сожалению, великому сожалению, ничего доброго не могу сказать о музыкальной стороне спектакля. Оркестр под управлением главного дирижёра Владимира Агронского звучал громко, грубо, без нюансов и оттенков, а главное, - вне стиля Гайдна. Партии с певцами в основном не проработаны дирижёром. Поют почти все громко. Герман Юкавский, некогда хороший певец, совсем перестал петь, партии только проговаривает. Так было и в «Лунном мире». В партии богача Буонафеде Юкавский разговаривал очень громко, но однообразно, даже в речитативах был не музыкален. Жаль, сценический образ своего героя он представил великолепно, но вокальный… во всяком случае его «разговор» не имел никакого отношения к Гайдну.

Очень старались петь стильно и выразительно Алексей Сулимов - Экклитико, Татьяна Конинская – Клариче, Александр Полковников – Эрнесто, но у них далеко не всегда получилось, слишком гремел оркестр. Хуже всех была исполнительница партии Фламинии Екатерина Ферзба, которая не только кричала, но ещё и фальшивила. Представляете фальшь на forte! Единственно, кто радовал своим вокалом, это Вета Пилипенко в роли служанки Лизетты. Красивый выразительный голос, полное понимание стиля оперы. Правдива в каждой интонации, никакой форсировки. Интересно, что рядом с ней и партнёры пели значительно лучше.

Вообще в последнее время в большинстве спектаклей Камерного театра громкая игра оркестра и громкое, а порой, и фальшивое пение солистов стало нормой. Конечно, этого нет в спектаклях Геннадия Рождественского, во всяком случае, когда он дирижирует. Пора был главному дирижёру и концертмейстерам обратить внимание на эту неприятную особенность ряда постановок, тем более, что хороших молодых голосов в театре немало.

Елизавета ДЮКИНА, «Новости музыки NEWSmuz.com»
Фото - Иван МУРЗИН

04/09/2013 - 05:19   Классическая музыка   Концерты
Премьеру возобновления комической оперы Вольфганга Амадея Моцарта «Директор театра» представил 28 августа 2013 года Московский государственный академический Камерный музыкальный театр им. Б. А. Покровского.

Перед началом спектакля состоялась пресс-конференция, в которой приняли участие: режиссёр восстановления оперы Валерий Федоренко, главный дирижёр театра Владимир Агронский, главный режиссёр Михаил Кисляров, новый дирижёр театра Айрат Кашаев, директор Камерного музыкального театра Олег Михайлов.

Вела пресс-конференцию руководитель литературно-драматической части театра Наталия Сурнина. Она рассказала историю создания оперы и ее постановки Борисом Александровичем Покровским. Известно, что опера «Директор театра» была написана Моцартом по заказу кайзера Иосифа II для состязания с оперой Антонио Сальери «Сначала музыка, потом слово». Публике надо было выбрать: чьё сочинение на сюжет из жизни оперного закулисья лучше – итальянское или немецкое? Тогдашние слушатели выбрали победителем состязания Сальери.

Опера «Директор театра» была поставлена в Камерном музыкальном театре в 1975 году и продержалась на его сцене почти 30 лет. С 1992 года она шла в паре с сальериевской «Сначала музыка, потом слово». Режиссёр восстановления Валерий Федоренко сказал, что поставил целью освободить спектакль от наслоений, накопившихся по разным обстоятельствам за столь долгий срок его жизни.

Главный дирижёр театра Владимир Агронский отметил, что Камерный театр восстановил и будет далее восстанавливать постановки, сделанные в разные годы Борисом Александровичем Покровским. Относительно восстановления «Директора театра» Агронский пояснил: так как изначально в той постановке были задействованы выдающиеся исполнители, то восстановить его в том виде, в котором он создан, невозможно. Покровский обладал удивительным даром индивидуальной работы с артистами. Новые исполнители молоды, и школу Покровского они не прошли. С ними надо аккуратно обращаться. С одной стороны, необходимо добиваться, чтобы они выполняли тот рисунок роли, который создал Покровский, а с другой стороны они другие! Ведь в театре произошла полная смена поколений. На вопрос, не собирается ли театр возобновить и оперу Сальери, Агронский ответил, что не собирается – т.к. музыка Сальери, хоть и хороша, но, безусловно, уступает музыке Моцарта. «Не лежит у меня душа к этому!» – закончил Владимир Агронский.

Айрат Кашаев, дебютирующий в Камерном театре как оперный дирижёр, сказал, что счастлив здесь работать.

В восстановлении «Директора театра» в качестве ассистентов режиссёра работали исполнители первой постановки оперы в музыкальном Камерном театре: сопрано Нина Яковлева, колоратурное сопрано Людмила Соколенко, тенор Борис Тархов и баритон Ярослав Радивоник.

Сцена из спектакля
Сцена из спектакля

Сам восстановленный спектакль «Директор театра» слушается легко и на едином дыхании. Это в первую очередь заслуга молодого дирижёра Айрата Кашаева. Он родился в 1984 году в Казани. С отличием окончил Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского по двум специальностям: хоровое дирижирование» (класс профессора Л. З. Конторовича) и «оперно-симфоническое дирижирование» (класс профессора Г. Н. Рождественского) и был удостоен звания «Лучший выпускник года – 2012». В 2009 году получил I премию на II Всероссийском конкурсе хоровых дирижёров. С 2008 года Айрат Кашаев – главный дирижёр театра Колледжа музыкально-театрального искусства им. Г. Вишневской, с 2011 года – художественный руководитель Академического хора Колледжа Российской академии музыки имени Гнесиных, лауреат Пятого международного хорового фестиваля «Пою Богу моему дондеже есмь». С февраля 2013 года А. Кашаев – ведущий дирижёр Московского камерного оркестра Центра Павла Слободкина. С апреля 2013 года – дирижёр Камерного музыкального театра им. Б. А. Покровского.

Мадемуазель Зильберкланг — Олеся Старухина, директор театра — Василий Гафнер, мадам Херц — Екатерина Ферзба
Мадемуазель Зильберкланг — Олеся Старухина, директор театра — Василий Гафнер, мадам Херц — Екатерина Ферзба

В опере «Директор театра» всего четверо персонажей. В премьерном спектакле участвовали: директор оперного театра – тенор Василий Гафнер, комик-буфф – баритон Роман Шевчук, и две потенциальные примадонны – сопрано, каждая с претензией на первенство в труппе. Первой на сцене появляется мадам Херц – «певица с сердцем» (в сегодняшних понятиях – лирическое сопрано). Её партию исполнила Екатерина Ферзба. За ней приходит мадемуазель Зильберкланг (серебряный колокольчик) – колоратурное сопрано Олеся Старухина. Речитативы и разговорные диалоги звучали на русском языке, четыре арии исполнялись на немецком.

Обе дамы весьма достоверно живописали атмосферу в оперных труппах, как говорится, «от Ромула до наших дней». Так было при Моцарте, так бывало и в прошедшем веке, бывает и сегодня. Достаточно вспомнить соперничество Марии Каллас и Ренаты Тебальди в середине ХХ века. (В ситуацию в нынешних оперных труппах вдаваться не будем.)

Мадам Херц — Екатерина Ферзба
Мадам Херц — Екатерина Ферзба

Мужские партии были исполнены на хорошем и вокальном, и драматическом уровне. Неплохо прозвучали речитативы и ансамбли. А вот в первой арии у Екатерины Ферзбы поначалу были проблемы вокального характера, особенно на верхних нотах, но к середине арии она с ними справилась. Олеся Старухина выступила ровнее, хотя и у неё в верхнем регистре голос порой звучал резковато. В целом, делая скидку на премьерное волнение, общее впечатление вполне положительное.

Комик-буфф — Роман Шевчук, директор театра — Василий Гафнер
Комик-буфф — Роман Шевчук, директор театра — Василий Гафнер

Пару «Директору театра» составила тоже одноактная опера Георга Филиппа Телемана «Пимпиноне, или неравный брак». В задачу этой рецензии анализ этого репертуарного произведения не входит. Другое дело, что «Пимпиноне», по моему мнению, не самым удачным образом корреспондирует с моцартовским «Директором театра». Сюда просится очаровательная опера молодого Моцарта «Бастьен и Бастьена», тоже когда-то украшавшая афишу Камерного музыкального театра. Вот бы восстановить и её! Получился бы стилистически идеальный спектакль.

Пока же Камерный музыкальный театра имени Бориса Покровского можно поздравить с двумя в целом очень удачными весёлыми премьерами – музыкальными комедиями «Три Пинто» Вебера-Малера и «Директор театра» Моцарта.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»
Фото - Иван МУРЗИН

16/08/2013 - 04:35   Классическая музыка   Анонсы
42-й сезон Камерный музыкальный театр им. Б.А. Покровского начинает со сбора труппы, который состоится 20 августа.

Сезон откроется 22 августа комической оперой К.М. фон Вебера – Г. Малера «Три Пинто». Российской премьерой этого уникального произведения, осуществленной под руководством Геннадия Рождественского, театр в июне закрыл 41-й сезон. Но уже в конце лета у всех, не попавших на премьерные показы, будет возможность увидеть этот европейский раритет, который уже заслужил высокие оценки российской музыкальной общественности.

28 и 29 августа театр представит одноактную комическую оперу В.А. Моцарта «Директор театра». Эта изящная миниатюра для четырех солистов была поставлена Б.А. Покровским в 1975 году и шла с неизменным успехом почти 30 лет. В сезоне 2013-2014 театр решил возобновить оперу, в которой ранее блистало не одно поколение певцов. Над восстановлением работают режиссер Валерий Федоренко, дирижер-постановщик — Владимир Агронский, дирижер —выпускник Московской консерватории Айрат Кашаев, художник — Ольга Ошкало.

22 и 23 ноября театр присоединится к празднованию 100-летия великого английского композитора Бенджамина Бриттена, которое в 2013 г. отмечает мировое музыкальное сообщество, и представит премьеру оперы-притчи «Блудный сын». Вместе с «Рекой Керлью» и «Пещным действом» она входит в триптих, созданный Бриттеном в 1960-е годы и предназначенный для исполнения в церкви. Эти маленькие шедевры хотя и не значатся в числе популярных сочинений английского классика, но на Западе давно по достоинству оценены.

Бриттен посвятил «Блудного сына» Дмитрию Шостаковичу, но в нашей стране опера никогда не ставилась. Камерный театр им. Б.А. Покровского представит российскую премьеру этого необычного по форме и жанру произведения. Над созданием спектакля работают музыкальный руководитель театра Геннадий Рождественский, главный режиссер театра Михаил Кисляров и художник Ася Мухина.

Последней новой постановкой 2013 года станет еще одна российская премьера — комическая опера Йозефа Гайдна «Лунный мир». Она написана на либретто блестящего итальянского комедиографа Карло Гольдони, которое тот создал на основе собственной пьесы.

«Лунный мир» — удивительная и веселая история о том, как героям пришлось разыграть на Земле жизнь обитателей Луны во главе с лунным императором, чтобы добиться брака со своими возлюбленными. Классическую комедию характеров и положений с фальсификациями, неожиданными поворотами сюжета и счастливым финалом Гайдн переложил на музыку изящно и изобретательно. Премьера оперы в постановке режиссера Ольги Ивановой, дирижера Владимира Агронского и художника Виктора Герасименко состоится 21 и 22 декабря.

На вторую половину сезона запланировано еще две масштабных премьеры, каждая из которых должна привлечь внимание как любителей, так и профессионалов театра.

Это «Воскрешение Лазаря» — неоконченная опера немецкого романтика Франца Шуберта, которая была дописана Эдисоном Денисовым, одним из наиболее ярких представителей русского музыкального авангарда второй половины ХХ века. Она продолжит цикл произведений «с двойной тягой» — так, по меткому выражению музыкального руководителя театра Геннадия Рождественского, можно обозначить оперы с двойным авторством. В предыдущих сезонах под управлением выдающегося дирижера уже были поставлены оперы «Идоменей» В.А. Моцарта– Р. Штрауса и «Три Пинто» К.М. фон Вебера–Г. Малера. В этом цикле «Воскрешение Лазаря» Шуберта–Денисова станет, пожалуй, самым радикальным примером в смысле эстетического и музыкального диалога эпох и стилей. Премьера оперы в постановке дирижера Геннадия Рождественского и режиссера Игоря Меркулова намечена на Лазареву субботу — 12 апреля.

Завершит сезон 2013-2014 еще одна российская премьера — «Леонора» Людвига ван Бетховена. Она известна как первая редакция «Фиделио», единственной завершенной оперы великого симфониста. После неудачной премьеры в 1805 году и переработки материала, эта многострадальная бетховенская партитура считалась потерянной для истории музыкального театра. Однако в начале ХХ века она была возвращена к жизни.

Очередной европейский раритет в Россию привез Геннадий Рождественский. Под его руководством театр будет доказывать самодостаточность и уникальность «Леоноры», которая так же, как и «Фиделио», имеет право на собственное место в мировом оперном репертуаре. Режиссер-постановщик — Михаил Кисляров, художник-постановщик — Виктор Вольский.

Кроме того, в планах театра возобновление оперы Э. Вольфа-Феррари «Четыре самодура» (режиссер — Михаил Кисляров, художники — Сергей и Татьяна Бархины), постановка «Мавры» И. Стравинского, участие в «Декабрьских вечерах» в ГМИИ им. А.С. Пушкина и гастрольные поездки. 8 сентября в Кишиневе в рамках Международного фестиваля им. Марии Биешу будет показана опера «Три Пинто». А в конце сентября театр примет участие в престижном европейском фестивале Brucknerfest в австрийском городе Линц. Там коллектив представит сразу четыре спектакля: «Нос» Шостаковича, «Царь и плотник» Лортцинга, «Век DSCH» по произведениям Шостаковича и «Ростовское действо» митрополита Димитрия Ростовского.

02/07/2013 - 02:42   Классическая музыка   Концерты
В Московском Камерном музыкальном театре им. Б. Покровского — значительное событие, его репертуар пополнился ярким и неожиданным спектаклем.
Виновником появления в России нового названия стал дирижёр Геннадий Рождественский. Геннадий Николаевич известен своим любопытством к музыкальным раритетам. Он не только их разыскивает, но и исполняет на радость российским слушателям. На этот раз его внимание привлекла уникальная партитура оперы «Три Пинто» — обладательница двух авторов, да каких! Карла Марии Вебера и Густава Малера. Вебер — создатель немецкой романтической оперы, Густав Малер — великий немецкий симфонист.

После окончания «Вольного стрелка», масштабного оперного полотна с большим оркестром, Вебер решил обратиться к комической опере. Его друг Теодор Хелль, поэт и либреттист, принес композитору в 1820 г. текст, за основу которого взял опубликованную в дрезденской газете новеллу Карла Зейделя «Битва за невесту». Сюжет давал много возможностей для создания комической оперы. Вебер заменил название текста на «Три Пинто» и с энтузиазмом взялся за работу, было даже определено, что премьера состоится в Дрезденском оперном театре. Но... все время что-то важное отвлекало его от «Пинто». В результате партитура осталась незаконченной.

После смерти композитора в 1826 году его вдова Каролина решила найти композитора, который бы согласился завершить оперу. Она единственная в оперном наследии Вебера оказалась непоставленной. Но выяснилось, что материала очень мало: из трех актов Вебер вчерне закончил только первый, написав семь номеров из предполагаемых семнадцати. Да и те были лишь контурно намечены и разобрать их было трудно. Многие композиторы, среди которых были Брамс, Шпор, Липиньский, смотрели рукопись, но все отказались. В 1886 г. праздновалось 100-летие со дня рождения Вебера. В Лейпцигском театре под руководством знаменитого дирижёра Артура Никиша и его молодого коллеги Густава Малера были исполнены все оперы Вебера. Вот тогда-то внук композитора Карл Вебер-младший обратился к Густаву Малеру с просьбой закончить оперу «Три Пинто». Композитор, впоследствии автор 10 великих симфоний, в молодые годы думал об опере и даже начал работать над двумя оперными замыслами. Посмотрев наброски Вебера, Густав согласился, тем более что Вебер-младший подготовил новое либретто, так как вариант Хелля не нравился самому Веберу.

Малер работал очень тщательно, уважая каждую ноту мастера и развивая его музыкальные мысли в авторском русле. Премьера «Трёх Пинтов» состоялась 20 января 1888 г. в Государственном театре Лейпцига. За пультом стоял сам Малер. Современники отметили, что Малеру удалось не просто завершить оперу своего великого предшественника, но и уловить, и передать стиль и дух музыки Вебера. Они сразу оценили художественную и музыкальную значимость нового сочинении. «Три Пинто» принесли начинающему Малеру первое международное признание как композитора и дирижёра, а опера осталась в богатейшем наследии Малера его единственным оперным опусом.

После смерти Малера в 1911 году «Три Пинто» постепенно исчезли из репертуара европейских театров. Интерес к опере возник во второй половине прошлого века, а в последние 10-15 лет опера стала появляться в европейских оперных домах и на музыкальных фестивалях. Теперь благодаря Геннадию Рождественскому она прозвучала и в России.

Содержание оперы несложно, хотя и кажется весьма запутанным. Но так и должно быть в истинно комической опере. Действие происходит в Испании. На руку дочери богатого мадридского дворянина Дона Панталеоне, красавицы Клариссы претендуют трое: дворянин Дон Гомес, возлюбленный Клариссы, бывший студент из Саламанки, кутила и весельчак Дон Гастон и Дон Пинто де Фонсека, дворянин из провинции. Но у него значительное преимущество перед двумя другими молодыми людьми. Он везёт с собой письмо отца к Дону Панталеоне. Старший Фонсека когда-то оказал значительную услугу своему другу, и теперь тот отдаёт в жены сыну благодетеля свою дочь Клариссу. В силу смешных случайностей письмо побывало в руках всех трёх молодых дворян, а так как Дон Панталеоне ни одного из них никогда не видел, то, естественно, беспрестанно возникали самые невероятные ситуации, которые в результате закончились весёлой свадьбой влюблённых Клариссы и Гомеса.

Сцена из спектакля «Три Пинто»
Сцена из спектакля «Три Пинто»

Над спектаклем работала дружная команда под руководством Геннадия Рождественского. Режиссёр Михаил Кисляров, он же хореограф, сценограф Сергей Бархин, художник по костюмам Светлана Лехт и хормейстер Алексей Верещагин за основу сценического решения оперы взяли творчество незабываемого французского актёра-мима Марселя Марсо. Спектакль получился очень французским, хотя и с некоторой долей испанского авантюризма. Кисляров нашёл верное пластическое решение каждого образа и стилистически выстроил не только соло, дуэты и ансамбли главных исполнителей, но массовые сцены, а хор в этом спектакле большой. Режиссёр сумел его так разместить на сцене, что никто никому не мешает, при том, что это спектакль постоянного движения, органичного и красивого. Светлана Лехт придумала великолепные костюмы, приближенные к костюмам Марселя Марсо, но они сделаны применительно к данной комической опере, к данным персонажам с учётом индивидуальности каждого артиста. Как замечательно смотрятся маленькие разноцветные шляпки–котелки на каждом участнике действия, и всё это точно вписываются в эстетику постановки.

Дон Панталеоне - засл. арт. России Герман Юкавский
Дон Панталеоне - засл. арт. России Герман Юкавский

В спектакле явно чувствуется увлеченность исполнителей и замечательной музыкой, и постановкой. Солисты и артисты хора прекрасно поют, двигаются. Многие выразительны и в вокале, и в пластике. Хороши в сольных ариях, дуэтах и ансамблях, особенно в финальных и хоровых сценах. Хочется выделить Германа Юкавского — Дон Панталеоне, Ирину Алексеенко — Лаура, служанка Клариссы, Алексея Сулимова — Дон Гастон, Анатолия Захарова — Дон Пинто, Алексея Мочалова — трактирщик и мажордом. Они очень заразительны в своём существовании в постановке, и каждое их появление на сцене вызывает восторг зрителей. Татьяне Конинской, исполнительнице роли Клариссы, пока не хватает обаяния и в вокале, и в актёрском поведении, а Михаилу Яненко-Гомесу, возлюбленному Клариссы, индивидуальности персонажа и ярких красок в голосе. Но это же был только первый спектакль. Постепенно и они войдут в оперу на равных с другими исполнителями.

Амброзио - Алексей Морозов, дон Гастон- Алексей Сулимов, дон Пинто - Анатолий Захаров
Амброзио - Алексей Морозов, дон Гастон- Алексей Сулимов, дон Пинто - Анатолий Захаров

Постановщики сделали абсолютно правильно, решившись на эксперимент. Опера идёт на немецком языке, а все диалоги, а их очень много, на русском. Именно в них раскрывается содержание происходящего на сцене. Так что зрителям не приходится следить за титрами, отвлекаясь от сцены. в результате получается гармоничное восприятие спектакля.

Очень влюбленно дирижировал оперой Геннадий Рождественский. Действительно она прекрасна: лирические арии и дуэты, сочные и красочные комедийные сцены и великолепное качество симфонической партитуры. Правда, сначала казались, что слишком замедлен темпоритм. Но со второго акта и особенно в третьем действии темпоритм выровнялся, и спектакль в целом прошёл на одном дыхании, восторженно принятый слушателями.

Елизавета ДЮКИНА, «Новости музыки NEWSmuz.com»
Фото - Иван МУРЗИН

Страницы