В сентябре в столице один за другим начинают сезон музыкальные театры и концертные организации: проходят сборы трупп и объявляются репертуарные планы. В это же время в Москве царствует Фестиваль РНО и Михаил Плетнёв. Фестиваль с нетерпением ждут москвичи, ведь каждый год для них готовятся не просто интересные, а порой уникальные программы, и на этот раз московские меломаны не обманулись в своих ожиданиях. Михаил Плетнёв предложил сольные выступления исполнителей на различных инструментах и сам, не только дирижировал, но и, к великой радости слушателей, сел за рояль.

Огромный интерес представил концерт, в котором своим талантом покорили переполненный зрительный зал испанский валторнист Хавьер Боне, приехавший в Москву впервые, и трубач, солист РНО Владислав Лаврик. К тому же программа их выступления была неординарной.

Хавьер Боне

Хавьер Боне известен во всём мире как крупнейший специалист в области исторического исполнительства на натуральной валторне, и в тоже время как солист, в совершенстве владеющий всеми возможностями современного инструмента. Хавьер начал заниматься музыкой со своим отцом, продолжил обучение в классе Мигеля Родриго в консерватории Валенсии, затем завершил образование в Германии у известного валторниста и педагога Германа Баумана. Именно под его руководством он начал осваивать игру на натуральной валторне и вскоре стал первым в Испании музыкантом, играющим на этом инструменте. Он одинаково преуспел в игре как на натуральной, так и на современной валторне, став лауреатом многих престижных конкурсов. С 1987 года Боне - солист Национального оркестра Испании, выступает со многими престижными и оркестрами и камерными составами, участвует в различных фестивалях, записывает компакт-диски, активно занимается педагогической деятельностью. В данный момент ведет класс валторны и натуральной валторны в Высшей школе музыки Каталонии в Барселоне и в Мадридском университете им. Альфонса Х Мудрого. Со своим уникальным ансамблем натуральных валторн Corniloquio Боне выпустил на звукозаписывающей фирме Arsis диски с музыкой французских композиторов, валторнистов-виртуозов XIX столетия Жака Франсуа Галлэ и Луи Франсуа Допра.

Среди последних записей музыканта — Концерт для валторны с оркестром «Человеческая природа», написанный испанским композитором Хуаном Хосе Коломером специально для Боне. Со второй части этого концерта «Пустота» и начал свое выступление в Москве испанский музыкант на валторне, изготовленной ему мастером Engelbert Schmid. Затем Хавьер предложил слушателям Концерт для валторны с оркестром Р. Глиэра, российского композитора, произведения которого сегодня совсем не исполняются на его родине. Концерт был написан Глиэром по просьбе солиста оркестра Большого театра, блистательного валторниста Валерия Полеха. Его премьера состоялась в мае 1951 в Большом зале Ленинградской филармонии. Дирижировал автор, солировал Полех. Успех был огромный, финал Концерта был повторен «на бис», а произведение сразу вошло в репертуар многих советских и зарубежных валторнистов.

Поразило звучание валторны Боне. Наряду с яркостью в исполнении была мягкость, масса разнообразных оттенков, нежнейшее piano, которому могли бы позавидовать и струнники, удивительная пластика фразы, стерильная чистота интонации, что завораживало, хотелось слушать музыку без конца. В небольшой второй части Концерта Глиэра в сопровождении струнных валторнист красиво и выразительно провёл лирико-созерцательную тему, близкую русской народной песне. Слушатели долго не отпусками со сцены Хавьера Боне, и ему пришлось играть «на бис». Прозвучал шедевр мастера — народная каталонская песня «Пение птиц» в аранжировке Enric Casals.

Владислав Лаврик

Трубач Владислав Лаврик — музыкант с мировым именем, выступающий со многими российскими и зарубежными оркестрами, участвующий в фестивалях в России и за границей, увлеченный педагогикой. К тому же он занимается в РАМ им. Гнесиных на кафедре оперно-симфонического дирижирования в классе профессора В. Федосеева и нередко выступает в концертах в качестве дирижёра. Владислав Лаврик исполнил Концерт для трубы с оркестром замечательного армянского композитора Александра Арутюняна (1920-2012). Концерт был создан в 1950г. для трубача Айказа Месиаяна. Большую роль в популяризации этого сочинения сыграл знаменитый трубач Тимофей Докшицер. В своей книге он писал, что «сделал редакцию трубной партии, написал каденцию, одобренную автором, и исполнил этот концерт на разных континентах более 200 раз». И сегодня каденция , созданная Докшицером, является неотъемлемой частью Концерта. Владислав Лаврик сыграл его ярко и виртуозно, получив в награду восторженные аплодисменты слушателей.

Вечер провел со своим оркестром Михаил Плетнев, закончив его исполнением Шестой симфонии ми-бемоль минор Сергея Прокофьева. Написанная сразу после войны (ее премьера состоялась 11 октября 1947г. в Ленинграде) Шестая симфония, наполненная болью, страданиями, осмыслением страшных событий прошедшей войны и раздумий автора о жизни и смерти, сегодня прозвучала ещё жестче и трагичней. Михаил Плетнев, художник чуткий и анализирующий сегодняшнюю взрывоопасную жизнь на современной планете, вместе со своими музыкантами-единомышленниками не смог сыграть её по-другому.

Виктория Муллова, Жоао Луис Ногейра Пинто, Мэтью Барли, Пол Кларвис

Следующий концерт Фестиваля был камерным, но не менее интересным. Программа называлась «Страдивари в Рио», а представляли её наша соотечественница скрипачка Виктория Муллова и ее коллеги зарубежные музыканты: виолончелист Мэтью Барли, ударные — Пол Кларвис (оба из Великобритании) и бразильский гитарист Жоао Луис Ногейра Пинто. Виктория Муллова, победительница двух престижных скрипичных конкурсов им. Сибелиуса в Хельсинки и им. Чайковского в Москве, покинула СССР в 1983 г. Круг музыкальных интересов скрипачки велик, простираясь от аутентичного исполнительства на исторических инструментах до различных направлений современной музыки. Свои последние концертные проекты Муллова представляла в Великобритании, Нью-Йорке, Европе и Латинской Америке. Один из них она привезла в Москву. Это уже называвшаяся программа «Страдивари в Рио», которая состояла из классики популярной бразильской музыки в обработке для скрипки и ансамбля. Виктория вместе с друзьями-музыкантами Мэтью Барли, Полом Кларвисом и Жоао Луисом Ногейра Пинто дарила москвичам замечательные песни бразильских композиторов Антониу Карлоса Жобима, Каэтану Велоза и Клаудио Нуччи.

Всем известна любовь Плетнева к опере. Этим и объясняется включение в фестиваль оперных концертных исполнений. В программу вошли оперы Н. Римского-Корсакова «Кащей Бессмертный» и Россини «Семирамида». Концертное исполнение «Кащея», как и в прошлом году «Майской ночи» Римского-Корсакова осуществил сам Плетнев. Одноактная опера с подзаголовком «Осенняя сказочка» на либретто композитора при участии его дочери по фольклорному сценарию Е. Петровского резко отличается от предыдущих сказочных опер Римского-Корсакова. В ней явно ощущается политический подтекст и атмосфера неспокойного времени в России начала XXвека. В этой опере композитор обращается к иным художественным средствам. Это единственная его опера, в которой в центре образ зла, сложные диссонирующие гармонии и жесткие оркестровые краски, где даже природа оказывается враждебной человеку. Здесь всё сосредоточено на характеристиках Кащеева царства, самого Кащея и Кащеевны. Что же касается положительных героев - Ивана-королевича, его невесты Царевны Ненаглядной Красы и помощника Королевича Бури-богатыря, - то у Римского-Корсакова не нашлось ни красивых и светлых гармоний, ни индивидуальных характеристик. К тому же плотная оркестровка всё время заглушала положительных героев и содержание происходящего на сцене далеко не всегда было понятно...

Михаил Губский - Кащей Бессмертный

Надо отдать должное Михаилу Плетневу — оркестр в его сольных фрагментах звучал отлично, создавая мрачное и жестокое Кащеево царство с его символикой хаоса и разрушения. Но долго слушать мрачную и тяжёлую музыку, которая не трогает сердце и душу, было тяжко. Из исполнителей выделялись тенор Михаил Губский - Кащей и баритон Борис Дьяков – Иван-королевич. М. Губский нашел точную краску — противный скрипучий голос , выражающий сущность Кащея Бессмертного, который не смотря на всю свою изворотливость всё-таки умирает, а вместе с ним гибнет и его царство. Борис Дьяков красивым кантиленным баритоном умело расцвечивал свою роль, чем и привлек внимание зрителя. Анастасия Москвина была очень скучной Царевной, к тому же Колыбельную спела невыразительно и не всегда интонационно чисто. К сожалению, не получилась роль Кащеевны у солистки «Геликон-оперы» Ксении Вязниковой, голос звучал тускло, а иногда его просто не было слышно. Она даже не смогла достойно исполнить знаменитую арию своей героини.

Несмотря на все старания исполнителей, «Кащей Бессмертный» подтвердил приговор истории — опера не принадлежит к лучшим созданиям композитора, и прежде всего по музыкальному материалу. Недаром же её не ставят в России, а если и знают о ней, то только по самой яркой и эмоциональной арии Кащеевны. Что уж говорить о ее концертных исполнениях. Правда, сам Римский-Корсаков видел оперу только на сцене. Известны его режиссёрские пометки. Музыка «Кащея» мало драматургична, но когда к опере прикасается талантливая режиссёрская рука, то опера оживает. Вспоминается удачный спектакль «Кащей Бессмертный» в постановке Дмитрия Бертмана в «Геликон-опере».

Опера Римского-Корсакова одноактная, поэтому очень логично было исполнить во втором отделении Сюиту из музыки балета И. Стравинского «Жар-птица». Многое роднит эти два произведения. Оба написаны в близкое друг от друга время: «Кащей» в 1902, «Жар-птица» в 1910 и оба на сюжет русских народных сказок. К тому же по своим музыкальных средствам «Кащей» предвосхитил творчество русских композиторов ХХ века, в том числе и Стравинского. Слушая «Кащея» и «Жар-птицу» одновременно, находишь некоторые переклички, но каждый раз в авторском преломлении. Премьера балета в рамках «Русских сезонов» Дягилева триумфально прошла в Париже в «Театре Елисейских полей». Пресса и публика отмечали яркость, красочность и самобытность стиля молодого автора. Именно «Жар-птица» принесла до того мало кому известному композитору мировую славу. Стравинский очень трепетно относился к своей «Жар-птице». Он уже в 1911 г. составил оркестровую сюиту из музыки балета, заботясь прежде всего о более совершенном звучании в условиях концертного зала. В 1919 г. появилась вторая, а в 1945 — третья, более полная редакция. РНО п\у Михаила Плетнева удалось донести до слушателей красочность и многослойность партитуры и каждый выразительно написанный Стравинским образ: от Жар-птицы, Ивана–царевича до Поганого пляса и Финального гимна.

Первой оперой Россини на Фестивале РНО была «Золушка», которой дирижировал Михаил Плетнёв. Её нельзя было назвать удачей ни дирижера, ни оркестра, ни солистов. На прошлом Фестивале давали оперу Россини «Танкред», для которой был приглашён легендарный дирижёр и исследователь Россини Альберто Дзедда. Это уже была частичная победа. Дзедде не всегда удавалось справляться с оркестром, который так и не смог полностью войти в россиниевскую стилистику. Ныне представляли «Семирамиду» опять же с музыкальным руководителем и дирижёром Альберто Дзеддой — наконец-то свершилась долгожданная победа всех участников концертного исполнения оперы.

Семирамида —реально существовавшая историческая фигура. Знаменитая царица единолично правила Ассирией в конце IX века до н. э. и была известна не только красотой, но и завоевательными войнами. О ней существуют разные легенды. По одной из них Семирамида убила своего мужа царя Нина, чтобы завладеть престолом. Эту легенда французский писатель Вольтер положил в основу своей одноименной трагедии, которая послужила в свою очередь Г. Росси основой либретто для оперы Россини. Недовольная мужем царём Нина Семирамида велит своему фавориту Ассуру отравить его. Затем она пятнадцать лет правит Вавилоном, и вдруг ее начинает мучить совесть. Вот тут и происходит наворот самых неожиданных событий. Царица решает избавиться от Ассура, и с одобрения явившегося ей призрака Нина выходит замуж за молодого военачальника Арзаче, оказавшегося её сыном Ниниасом, которого все считали погибшим. Ниниас случайно в полной темноте закалывает свою мать. Семирамида перед смертью прощает сына и благословляет его на царство.

«Семирамида» — последняя опера-серия Россини и является одним из лучших образцов в своём жанре. Все вокальные партии в опере виртуозны, а партия Арзаче в духе времени предназначена для женского голоса. Важная роль отводится большим ансамблям и хорам, велика роль и оркестра, особенно в массовых сценах, которые порой достигают огромных масштабов. Точно выстроена дирижёром музыкальная драматургия оперы, идеально соблюдены темпо-ритм и баланс звучания между оркестром, хором и солистами. Никто никого не заглушает, слышен каждый солист в сложнейших больших ансамблях, которые так любил Россини. Какое гармоничное звучание хора и оркестра!

В концертном исполнении оперы участвовал Хор Академии хорового искусства им. В. Попова п\у Алексея Петрова. Кого бы ни пели артисты жрецов, воинов царской гвардии, жителей Вавилона, чужеземцев, рабов, всегда это было стилистически и эмоционально точно. Покоряет пластичность вокальной линии и чистота интонации, умение гармонично существовать с оркестром и певцами.

Саломе Джикия — Семирамида и Вардуи Абрамян — Арзаче

Замечательно были подобраны исполнители центральных и небольших партий. В общем, ни к кому из них не было претензий. Главными же были две певицы: грузинка Саломе Джикия — Семирамида и армянка Вардуи Абрамян — Арзаче. Известность Саломе Джикии в Европе только еще начинается. Она успешно выступила на нескольких международных конкурсах, в том числе и на конкурсе им. Ф. Виньяса в Барселоне. Прошёл ее дебют в Италии, где она спела главную партию в опере Моцарта «Мнимая простушка» в постановке Оперно-концертной ассоциации (Аs.Li.Co). В 2016 она исполнит партию Донны Анны в Дворцовом театре Дроттнингхольме в Швеции. Имя Вардуи Абрамян уже хорошо известно в ведущих оперных домах и на престижных фестивалях Европы. И репертуаре певицы самый разнообразный от барочной музыки и русских опер до Верди, Бизе, Дворжака. У обеих певиц большие оперные голоса, виртуозные и лиричные, умелое владение техникой и стилем Россини, и что очень важно, красиво сливались сопрано Саломе и меццо-сопрано Вардуи, погружая слушателей в запредельные высоты виртуозной стихии оперы. Меня просто потрясла своим актёрским и вокальным перевоплощением Вардуи Абрамян. В начале сентября я слушала в ее исполнении партию Кармен на Исторической сцене Большого театра. Вардуи не просто отлично спела героиню. Она вдохнула жизнь в безлико-занудную постановку режиссёра Алексея Бородина оперы Бизе. С появлением на сцене Кармен-Абрамян по-другому зазвучал оркестр п\у Т. Сохиева, другим стал и партнёр Олег Долгов-Хозе. Уже не обращалось внимание на нелепые мизансцены режиссёра и бутафорские декорации художника Станислава Бенедиктова. Передо мной проходили жизнь, любовь и поединок цыганки Кармен и деревенского парня солдата Хозе, абсолютно соответствующие гениальной музыке Бизе. Хозе навахой убивал свою возлюбленную, но победительницей была она, Кармен и их любовь!

Когда Абрамян появилась в партии Арзаче, я невольно стала искать в ее облике и голосе «похожесть» на Кармен и не нашла. В Зале им. Чайковского тоже произошло полное погружение в оперу Россини «Семирамида», и к огромному счастью, не только армянской певицы, а всех исполнителей во главе с Альбертом Дзеддой. Поэтому такие яркие впечатления от концертного исполнения «Семирамиды» Россини и восторженные аплодисменты всего зрительного зала.

Фестиваль завершился двумя симфоническими концертами. В первый вечер звучала музыка А. Скрябина: «Мечты» для оркестра, Концерт для фортепиано с оркестром фа-диез минор ( редакция М. Плетнева) и Симфония № 2 до-минор, во второй — музыка С. Рахманинова: Концерт для фортепиано с оркестром до минор и «Симфонические танцы». Дирижер Хобарт Эрл (США). Солист — Михаил Плетнев.

Михаил Плетнев

Елизавета ДЮКИНА, «Новости музыки NEWSmuz.com»

Первой была опера «Так поступают все женщины, или «Школа влюблённых» («Cosi fan tutte»). Теперь в афише появилась «Свадьба Фигаро».

Если постановочная группа «Cosi» была почти целиком зарубежной, за исключением главного хормейстера Валерия Борисова: музыкальный руководитель и дирижер Стефано Монтанари, режиссёр Флорис Виссер, сценограф Гидеон Дейви, художники по костюмам Девеке ван Рей и по свету Алекс Брок, то «Свадьбу Фигаро» делала в основном отечественная команда. Приглашенным был только дирижёр Уильям Лейси из Великобритании. Режиссёр Евгений Писарев, сценограф Зиновий Марголин, художник по костюмам Виктория Севрюкова, художник по свету Дамир Исмагилов, хореограф Альберт Альбертс, хормейстер Валерий Борисов. Для драматического режиссёра Евгения Писарева это второй оперный спектакль —первой была «Итальянка в Алжире» Россини в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича. Оперный дебют Писарева прошёл более чем успешно. Он сразу заявил о себе как режиссёр с уважением относящийся композиторскому тексту, или как он сам говорит, что бороться с музыкой не намерен.

Граф Альмавива — Константин Шушаков, Керубино — Юлия Мазурова

Вот в соответствии с партитурой Моцарта и поставлена «Свадьба Фигаро». Она состоит из двух частей: арий, дуэтов, ансамблей и речитативов, которые являются двигателем действия.

Чувствуется, что с певцами была проведена тщательная проработка речитативов. Этим, помимо исполнителя партии на хаммерклавире Артёма Гришаева (кстати, отличная работа музыканта), занимались режиссёр Писарев и хореограф Альберт Альбертс. Затем, когда были выучены вокальные партии, что для певцов более привычное занятие, и подготовлены речитативы, их объединили. Получилась роскошная музыкально-игровая партитура спектакля, на фоне которой и был разыгран «Безумный день женитьбы Фигаро» Бомарше.

Действие оперы перенесено в середину прошлого века. Оно развивается в доме богатого и публичного человека Графа, владельца крупной компании, в которой масса сотрудников. Сценограф Зиновий Марголин предложил оригинальное полифоническое оформление. Дом в разрезе, что дает возможность подсматривать всем и везде. Сначала дом упакованный, графичный, дизайнерский, но постепенно его растаскивают на отдельные комнаты по всей территории участка, что позволяет быстро менять место действия, и наблюдать сразу за несколькими персонажами в разных ситуациях. Оформление помогает созданию комического спектакля и четкому проведению игрового начала. Здесь все играют, все влюблены и изменяют друг другу не тяжело и мучительно, а вдохновенно.

Спектакль не бытовой, красивый и радостный. Одевала артистов художник по костюмам Виктория Севрюкова. Она умело играет разными цветами. Сначала все одеты в чёрное и желтое, потом появляются оттенки синего, а свадьба получается бело-красной. Все костюмы элегантны и изящны, подчеркивающие у женщин фигуры и их сексуальность. Все дамы на высоких тонких каблуках. Много непривычных в обыденной жизни предметов из другой жизни: шляпки, перчатки, сумочки. Всё вместе взятое создаёт атмосферу карнавальности, яркой праздничности финальной свадьбы.

Сюзанна — Ольга Кульчинская, Марселина — Лолитта Семенина, Бартоло — Максим Кузьмин-Караваев, Фигаро — Александр Виноградов

Было подготовлено два состава исполнителей. Увлечённые непривычными задачами, поставленными перед ними режиссёром Писаревым, хореографом Альбертсом и художниками Марголиным и Севрюковой, певцы в основном - это артисты Молодёжной программы и её выпускники, уже солисты театра, обладатели молодых красивых голосов, с радостью окунулись в стихию карнавальности и влюблённости. К ним присоединились певцы старшего поколения Большого театра, играющие возрастные роли, артисты хора и миманса. Все великолепно двигаются, легко выполняют порой сложнейшие мизансцены. Получился яркий, живой спектакль. Это был действительно «Безумный день женитьбы Фигаро».

Бартоло — Олег Цыбулько, Сюзанна — Анна Аглатова, Фигаро — Александр Виноградов, Марселина — Ирина Рубцова

Конечно, главный центр — Фигаро. Великолепен в этой партии Александр Виноградов. Она словно создана для его высокого баса, ровно звучащего на всем диапазоне. Изумительна фразировка как в речитативах, так и в ариях и ансамблях. Его речитативы стремительны и выразительны, а арии покоряют красотой тембра и виртуозностью исполнения. Под стать Фигаро-Виноградову его невеста Сюзанна-Анна Аглатова. В прошлом году Анна впервые спела Розину в «Севильском цирюльнике» Россини. Её героиня была очаровательной плутовкой, всегда готовой на любые проделки, только бы выбраться из-под опеки старого доктора Бартоло, мечтающего жениться на молоденькой девушке. Какие-то черты Розины певица взяла для своей Сюзанны: решительность, умение выходить из любой сложной ситуации. И, конечно же, настоящую влюбленность в своего избранника Фигаро.. Её яркий вокал отлично сочетался с басом Виноградова. Они были весёлой и гармоничной парой, захватившей весь зрительный зал своей изобретательной борьбой за личное счастье. Вторая Сюзанна в исполнении Ольги Кульчинской - другая. Она более спокойная и уверенная в счастливом конце. Её Сюзанна обольстительна в сценах с Графом, и в тоже время как бы со стороны смотрит на его ухаживания, мечтая, чтобы рядом поскорее был любимый Фигаро, а не уверенный в себе ловелас Граф.

Две Графини тоже разные. Графиня Розина Екатерины Морозовой, обладательницы роскошного сопрано, более взрослая и более страдающая от охлаждения своего супруга, что и изливает в ариях, покоряя искренностью. Она снисходительна к влюбленности в неё пажа Керубино и искренне прощает Графа, каждый раз надеясь на возвращение его любви. Анна Крайникова представляет свою героиню изысканной и томной, которая радостно принимает знаки внимания любвиобильного Керубино, постепенно проявляя активность в розыгрыше своего мужа. Хороши обе исполнительницы партии Керубино Юлия Мазурова и Александра Кадурина, играющие юного стилягу, в котором просыпается мужское начало и начинается период влюблённости во всех молодых женщин сразу. Их меццо-сопрано отлично ложится на партию Керубино и запоминается яркостью и выразительностью, а сами певицы органичностью актёрского существования.

Андрей Жилиховский играет Графа настоящим мужчиной, в которого влюблены все сотрудницы компании, и который, как все неверные мужья, все время подозревает жену в изменах. А когда раскрывается беспочвенность его претензий, он искренне просит прощение у Розины, чтобы снова заняться охотой за молоденькими женщинами, недаром его любимое занятие — охота. Граф у Константина Шушакова более мягкий и интеллигентный, что не мешает ему постоянно быть влюблённым в очередную красотку. Очень достойно спели и сыграли небольшую партию Барбарины Руслана Коваль и Анна Налбандянц.

Необходимо отметить и певцов, исполняющих возрастные роли. У всех отличные вокальные и актёрские работы: Ирина Рубцова и Лолитта Семенина — Марселина, Олег Цыбулько и Максим Кузьмин-Караваев — Бартоло, Станислав Мостовой и Марат Гали — Базилио, Валерий Гильманов и Александр Науменко — Антонио, садовник.

Что же касается второго исполнителя партии Фигаро Александра Миминошвили, то проведя репетиции, он заболел к премьерному циклу спектаклей, и пел только в последний вечер. Это его выступление было не лучшим. То ли он не совсем поправился, а скорей всего его баритон оказался не подходящим для партии Фигаро. Певца было очень плохо слышно, особенно в первой части спектакля, а все его речитативы были невыразительны настолько, что спектакль потерял свою энергетику. На сцене и в зале поселилась скука, которую без Фигаро-Мимоношвили разгоняли все остальные прекрасные исполнители. Вот таким был последний показ «Свадьбы Фигаро» в отсутствии главного героя. Но будем считать это кратким временным явлением.

Сцена из спектакля

Серьезные же претензии у меня только к одному представителю успешной в целом постановочной группы — к музыкальному руководителю и дирижёру Уильяму Лейсли. Известно, что он часто дирижирует операми Моцарта. В данном случае Лейсли оказался не моцартовским дирижёром. Оркестр играл тяжело, в полном отсутствии легкости, нюансов и подтекстов, которыми переполнена «Свадьба Фигаро». Несбалансированность звучания оркестра с певцами и хором приводила к нарушению ансамблей. К тому же дирижёр менял темпы, и только музыкальность и хорошая вокальная школы позволяла певцам успешно справляться со всеми дирижёрскими просчетами. Очень хочется надеяться, что следующий цикл спектаклей в июне проведёт дирижёр Большого театра Александр Соловьёв, и тогда «Свадьба Фигаро» в полную силу засверкает моцартовскими красками на фоне замечательной работы постановщиков и исполнителей.

Елизавета ДЮКИНА, «Новости музыки NEWSmuz.com»
Фото - Дамир Юсупов, Большой театр

Выбранные им для фестиваля спектакли, как оперные, так и балетные, каждый раз вызывают интерес москвичей и говорят о возросшем уровне театра, расширении его репертуара и постижении оперной и балетной труппами театра новых стилей, и современных режиссёрских и хореографических решений.

В этой статье речь пойдёт об оперной труппе театра, которая порадовала на предыдущих фестивалях неизвестной в России оперой Россини «Граф Ори» и современным прочтением шедевра Мусоргского «Борис Годунов». В этом году театр привёз оперу Вагнера «Летучий голландец», премьера которой стала настоящим событием в музыкальной жизни Екатеринбурга, ознаменовавшим возвращение Вагнера в уральскую столицу после более чем 75-летнего перерыва.

Впервые в Екатеринбурге Вагнер появился 23 января 1895 года — это был «Тангейзер», представленный участниками городского музыкального кружка. В 1912г. эту же оперу поставили на сцене оперного театра, а уже после революции к ней обращались дважды в 1923 и 1925г. В конце 1925г. театр осуществил постановку «Лоэнгрина». В 1927 афишу украсила «Валькирия», в 1934г. снова вернулись к «Лоэнгрину». Опера продержалась в репертуаре три сезона и была показана 34 раза. Затем наступил длительный перерыв … вплоть до 2013 года. 21 сентября состоялся дебют оперы Вагнера «Летучий голландец» на екатеринбургской сцене. Экспертный совет «Золотой маски» назвал новую работу театра номинантом «Золотой маски» Для постановки пригласили трёх зарубежных мастеров: немецкого дирижёра Михаэля Гюттлера, шотландского режиссёра Пола Каррена и художника из Лондона Гэри Макканна.

Михаэль Гюттлер отлично знает не только творчество Вагнера, но и оперные театры России. С 2002 он числился постоянно приглашенным дирижёром Мариинского театра, где принимал участие в подготовке премьеры тетралогии Вагнера «Кольцо нибелунга», а также дирижировал операми «Тристан и Изольда», «Лоэнгрин», «Летучий голландец», «Парсифаль». В сезоне 2006-2007 был музыкальным руководителем Екатеринбургского оперного театра.

Народная легенда о моряке скитальце заинтересовала Генриха Гейне в 1826, а спустя 10 лет он напечатал в своём журнале «Салон», который он издавал в Париже, историю о Летучем голландце, носящемся по морям на своём корабле-призраке. Тяготеющее над ним проклятие может снять только лишь верная, беззаветная любовь женщины. Этот журнал попал в руки Вагнера, которого увлекла история несчастного Летучего голландца. Вагнер написал либретто, используя и народную легенду, и новеллу Г. Гейне, а затем и музыку. Сначала это был одноактный вариант, потом окончательный — трёхактный. Если Гейне создал свою новеллу в присущей ему иронической манере, то Вагнер очень серьёзно отнёсся к страданиям главных героев «Летучего голландца». Он наполнил свою оперу идеями немецкого романтического искусства 19 века. Темы странствий, скитаний, искупительной любви и трагического разрыва между реальной действительностью и мечтой оказываются определяющими в его новой опере. Она открывает список новаторских сочинений композитора, о чём говорят наличие лейтмотивов и создание больших драматических сцен. Премьера состоялась 2 января 1843 года в Дрездене под управлением самого автора. Успеха опера не имела, но постепенно завоевала признание, став одной из самых популярных во всём мире.

Постановщики создали в Екатеринбургском театре традиционный спектакль, решив рассказать содержание оперы Вагнера, не перенося её в современный мир. Для них было важно создать атмосферу народных легенд и немецкого романтического искусства 19 века, которые нашли блистательное воплощение в партитуре оперы.

В этом ключе и была создана сценография Гэри Макканном. На сцене два крупных сооружения, которые легко передвигаются по сцене, определяя место действия. Там есть большие ворота и маленькие двери, высокие лестницы. Отличная работа художника по свету Евгения Виноградова помогает и актёрам, и зрителям увидеть корабль и бухту, куда прибывает норвежское судно после шторма, оказаться внутри и снаружи этих сооружений, побывать в комнате капитана судна Даланда. Вновь очутиться на берегу гавани и увидеть на скале оставшуюся верной моряку-скитальцу Сенту, бросившуюся в бушующее море ради его спасения. Ощутить жизнь моряков на судне и дома, и мистику существования Голландца и его корабля-призрака.

Было отрадно слушать оперу и видеть соответствующее ей сценическое воплощение, не разгадывать режиссёрские ребусы, а наслаждаться музыкой Вагнера. Оркестру п\у М. Гюттлера удалось раскрыть новаторскую партитуру Вагнера: сложнейшую увертюру с эпиграфом композитора «В ночи и в нужде… через тернии к звёздам», которую все называют симфонической поэмой композитора, и картины бури, и массовые сцены, дуэты Сенты с женихом Эриком и Голландцем. Необходимо отметить работу хормейстера Эльвиры Гайфуллиной, стилистически и эмоционально точно сделавшей хоры норвежских матросов с корабля Даланда, весёлый хор девушек, за работой ожидающих возвращения из плавания своих родных, и страшное пение и дьявольский хохот просыпающихся матросов-призраков, доносящиеся с корабля Голландца.

Но … не бывает розы без шипов. Шипами здесь оказались немецкий язык и большинство певцов. Почти у всех солистов было плохое немецкое произношение, особенно у Гарри Агаджаняна и Николая Любимова, исполнителей партий Даланда и Рулевого. На плохое знание немецкого языка у Николая Любимова наложился местный акцент и неприятный тембр тенора. Певец очень старался произвести хорошее впечатление, пел громко и развязно. В результате симпатичная и трогательная песня о скорой встрече с возлюбленной превратилась в серьёзное испытание для слушателей. Уверена, что весь зал с нетерпением ждал окончания этой вокальной пытки. Странно, что музыкальный руководитель постановки, носитель немецкого Михаэль Гюттлер не помог певцам справиться с языковой проблемой и позволил привести в Москву певца, находящегося в такой плохой вокальной форме.

Неинтересной по вокалу и актёрскому наполнению, однообразно кричащей, одержимой одной идеей спасти моряка-скитальца представила свою Сенту Ирина Риндзунер. Каким-то безликим получился у Ильгама Валиева охотник Эрик, влюблённый в Сенту. В общем по большому счёту не справились местные солисты с Вагнером.

Спасал положение, пожалуй, один Александр Краснов-Голландец. Красивый и выразительный баритон помог певцу создать запоминающийся образ несчастного страдальца. Его герой был и призраком, и живым человеком, переживающим массу противоречивых чувств от надежды на избавление от тяготеющего над ним проклятия до полной обречённости на вечное скитание. Появляясь на сцене, его Голландец сразу привлекал к себе внимание богатым нюансами голосом и актёрской харизмой, сострадая ему во всех бедах. К большому сожалению, «Летучий голландец» Екатеринбургского театра на этот раз оказался далеко неоднозначным.

Елизавета ДЮКИНА «Новости музыки NEWSmuz.com»

История доктора Фауста относится к вечным сюжетам. С ним Берлиоз познакомился после появления во Франции первой части «Фауста» — грандиозного философского труда немецкого поэта и мыслителя Иоганна Вольфганга Гёте. Произведение не просто заинтересовало, а, буквально, потрясло 24-летнего французского композитора. Он тогда же написал музыку к нескольким эпизодам, задумав создать симфонию «Фауст», но замысел не был осуществлён. К этой теме Берлиоз вернулся, уже, будучи автором таких крупных сочинений, как «Фантастическая симфония» и «Гарольд в Италии». Премьера драматической легенды «Осуждение Фауста» состоялась 6 декабря 1846 в Комической опере Парижа. Дирижировал автор. Но слушатели не оценили новаторства Берлиоза. Его «Фауст» провалился. Спустя 30 лет, когда пришло время этого грандиозного сочинения, начались его регулярные исполнения в Европе. В России впервые его сыграли в 1890 году в Мариинском театре в концертной версии.

«Осуждение Фауста»

Сегодня «Осуждение Фауста» - частый гость на мировых концертных площадках и оперных сценах. Это вершина творчества Берлиоза, требующая высокопрофессиональных сильных оркестровых и хоровых коллективов и соответствующего уровня солистов. Руководители РНО для дебютного исполнения «Осуждения Фауста» пригласили экс-музыкального руководителя и главного дирижёра Большого театра Василия Синайского и один из лучших хоровых коллективов Москвы Хор Академии хорового искусства им. В. С. Попова (худрук Алексей Петров). Солистов, кроме баса из «Геликон-оперы» Дмитрия Скорикова — Брандер, позвали из других стран: меццо-сопрано Оксану Волкову (Республика Беларусь) — Маргарита, тенора Павла Черноха (Чехия) — Фауст и бас-баритона Эндрю Фостер-Уильямса (Великобритания) — Мефистофель.

Василий Синайский провел тщательную работу с оркестром и хором, что дало прекрасные плоды. Идеально выстроена дирижёром музыкальная драматургия Легенды, найден верный баланс звучания оркестра, хора и солистов. Мы услышали яркую, эмоционально насыщенную интерпретацию «Фауста» Берлиоза и все богатство партитуры: драматические, лирические, фантастические и бытовых эпизоды. Масса тембральных оттенков струнных и чистота интонации духовых и медных инструментов, в том числе и на forte. Бесконечно радовал Хор и своим звуковедением, и точно стилистикой звучания каждой сцены, будь военный марш, или пьяный разгул в таверне «Погреб Ауербаха», нежное пение танцующих гномов и сильфов и пение солдат и студентов.

К сожалению, не все солисты отвечали высокому уровню музицирования оркестра и Хора. Чех Павел Чернох заменил неприехавшего американского тенора, охотно дав согласие на дебют в Москве. Он уже пел Фауста в Легенде Берлиоза, начав сезон 2011-2012 года с исполнения этой партии в постановке в Штутгарте. Казалось, что Чернох органично войдет в московское исполнение Легенды, но не получилось. Голос певца не отличался ни особой красотой тембра, ни звучностью. Кроме того, у него отсутствовала актерская харизма. Он профессиональный певец и честно спел Фауста, не проявив ни любви к прекрасной Маргарите, ни волнения за её судьбу. Пел скучно и однообразно, не зажигаясь страстью, которой наполнена партия его героя.

Что же касается бас-баритона Эндрю Фостера-Уильямса, то он выступает в России с 2007 г. Тогда певец дебютировал в Москве в партии Алидоро в концертном исполнении«Золушки» Россини п\у Теодора Курентзиса, а в 2013 г. спел с Российским Национальным оркестром Голо в концертной версии оперы К. Дебюсси «Пеллеас» и Мелизанда». Теперь он встретился с Мефистофелем, который ему не покорился. Небольшой некрасивого тембра характерный баритон не соответствовал масштабу партии, не хватало силы и мощи звучания голоса, страдала фразировка, и тогда технически сложные эпизоды превращались в бессвязные речитативы. Мефистофель Фостер-Уильямса напоминал скорее мелкого пакостного беса, чем страшную дьявольскую силу.

Намного интереснее своих партнёров была Оксана Волкова, обладательница красивого чувственного меццо-сопрано. Оксана хорошо известна москвичам и любима ими. Солистка Белорусского оперного театра она один год занималась в Молодёжной оперной программе Большого театра, часто появлялась в концертах, была замечательной Кармен на сцене Большого театра. Прошлой осенью участвовала в Большом фестивале РНО, исполнив Ганну в «Майской ночи» Римского-Корсакова. Партия Маргариты как нельзя лучше подошла её голосу и темпераменту. Героиня Волковой появляется только в двух частях второй половины Легенды, но по эмоциональной насыщенности эти части стоят настоящей монооперы. Сначала Маргарита поет песню «Король Фулы», затем околдованная Мефистофелем, признается Фаусту в страстной любви, и в конце, покинутая возлюбленным, страдает от безысходности. Оксана не спела, а прожила три состояния: мечту о любви, верной до гроба, страсть , переполнившую сердце Маргариты, тоску и одиночество после потери любимого. Особенно она была хороша в дуэте с Фаустом, и потом в трио с Мефистофелем, «играя» своим трепетным и богатым обертонами меццо-сопрано страсть за троих.

«Осуждение Фауста» заканчивается одной из самых ярких драматических сцен — «Скачка в бездну» Фауста и Мефистофеля на адских конях. Здесь было все: неумолимый ритм скачки, скорбная тема гобоя, старинная литания молящихся женщин, испуганные возгласы, внезапно обрывающиеся и вновь возникающие звучности. Торжество демонов — Фауст и Мефистофель проваливаются в ад. И Эпилог , где хор поёт об ужасах ада и блаженстве рая, сообщая, что Фауст осуждён, а Маргарита прощена. И надо было видеть лицо и глаза Маргариты-Волковой оставшейся на сцене до финала Легенды, пережившей трагический конец Фауста и своё спасение.

Елизавета ДЮКИНА, «Новости музыки NEWSmuz.com»
Фото - Евгений ДОБРОВ