Владимир Ойвин

08/02/2014 - 11:27   Classic   Концерты
Весь прошлый 2013 год, год 200-летия со дня рождения Джузеппе Верди, – его «Реквием» исполнялся в Москве неоднократно разным хорами, оркестрами и дирижёрами с разной степенью успеха.

2 февраля 2014 года в Большом зале консерватории он прозвучал ещё и в исполнении Академического Большого хора «Мастера хорового пения», Национального филармонического оркестра России (художественный руководитель и главный дирижёр Владимир Спиваков) и солистов – сопрано Динары Алиевой, меццо-сопрано Агунды Кулаевой, тенора Георгия Васильева и баса Евгения Ставинского. Дирижировал исполнением художественный руководитель и главный дирижёр «Мастеров хорового пения» профессор Лев Конторович.

Это исполнение, безусловно, можно отнести не просто к удачным, а к очень удачным.

При том, что в Москве ещё немало меломанов, которые, как и я, слышали этот «Реквием» в сентябре 1964 года во время гастролей театра Ла Скала на сцене Большого театра с Гербертом фон Караяном за пультом и великими солистами – Леонтиной Прайс, Фьоренцой Коссото, Карло Бергонци и Николаем Гяуровым. Я тогда попал на дневную публичную генеральную репетицию. А стены и сцена Большого зала консерватории помнят, как не в таком уже, кажется, и далёком июне 1974 года, во вторые гастроли Ла Скала, этот «Реквием» здесь исполняли тот же хор и оркестр. За пультом стоял Клаудио Аббадо (пусть земля ему будет пухом!), а справа — солисты (и какие!): Катя Риччарелли, опять Фьоренца Коссото (пела только на дневной публичной репетиции, а кто пел в концерте – не помню), Лючано Паваротти и бессменный Николай Гяуров…

Концерт состоялся в рамках юбилейного фестиваля, посвящённого 85-летию хора. «Мастера хорового пения» в этот раз полностью подтвердили своё (не лишённое претенциозности) сегодняшнее имя.

Хор показал себя со всех лучших сторон. Тут и великолепная ровность голосоведения, чистота интонации, безупречное соотношение групп при разных динамических градациях: от тончайшего шелеста пианиссимо в самом начале до громового фортиссимо в Dies irae. Причём форте ни разу не прозвучало грубо, а было мягкое, как бы округлое.

Нельзя особо не отметить ещё одно очень важное (и сегодня, увы, уникальное) качество «Мастеров хорового пения» – это хорошая дикция, причём на разных языках. 28 января в рамках того же фестиваля хор в Зале им. Чайковского блистательно, с такой же прекрасной дикцией, на церковно-славянском языке исполнил «Всенощное бдение» Сергея Рахманинова. Вспоминается восторженная оценка дикции «Мастеров хорового пения» Хельмутом Риллингом при исполнении под его управлением «Страстей по Иоанну» И.-С. Баха в начале марта 2011 года не просто на немецком, а на старонемецком языке. Значит, действительно мастера!

Прекрасно исполнили свои партии Динара Алиева и Агунда Кулаева. Обе они всё время оставались в рамках стиля этого Реквиема – с одной стороны далеко не сакрального характера, но с другой стороны и не светского, не оперного. Им удалось успешно пройти по границе этих двух подходов к «Реквиему» Верди.

Неплохо исполнил свою партию Евгений Ставинский, заменивший заявленного Аскара Абдразакова (его вызвал в Мариинку В. Гергиев). Наименьшие похвалы заслужил тенор Георгий Васильев – не то что бы он плохо пел, просто партия у него прозвучала слишком по-оперному, выпадая из стиля и ансамблей.

Национальный филармонический оркестр России был весьма хорош. В первую очередь следует отметить отличное звучание медных духовых, особенно труб. Меня не покидало ощущение, что оркестранты играли в этот вечер с особым подъёмом и отдачей.

Лев Конторович прекрасно продирижировал концертом. Несмотря на то, что он дирижёр хоровой, а там мануальная техника заметно отличается от симфонической, Конторович сумел как-то синтезировать обе техники, в результате чего достиг полного взаимопонимания и с хором, и с оркестром, и с солистами. Замечательная атмосфера этого концерта – его заслуга.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»

СПРАВКА

Динара Алиева, сопрано, родилась в Баку (Азербайджан). Музыкальную школу окончила по классу фортепиано. В 1998 году поступила в Бакинскую академию музыки, которую окончила в 2004 году. Карьера певицы начиналась в Бакинском театре оперы и балета, где Динара Алиева была солисткой с 2002 по 2005 гг. и исполняла ведущие партии в ряде спектаклей, среди которых Леонора («Трубадур» Верди), Мими («Богема» Пуччини), Виолетта («Травиата» Верди), Недда («Паяцы» Леонкавалло).

Её оперный репертуар включает главные партии для сопрано в операх западно-европейских и русских композиторов классико-романтической эпохи, постмодернизма и XX столетия, среди которых оперы Верди, Пуччини, Чайковского, Моцарта, Шарпантье, Гуно, Бизе, Римского-Корсакова, Леонкавалло.

Камерный репертуар певицы охватывает разнообразные произведения, среди которых вокальные миниатюры и циклы русских и западноевропейских композиторов: Чайковского, Рахманинова, Шумана, Шуберта, Брамса, Вольфа, Вила-Лобоса, Форе, а также арии из опер и песни Гершвина, сочинения современных азербайджанских авторов.

Певица исполняла главные партии в постановках Михайловского театра в Санкт-Петербурге, Бакинского оперного театра, Штутгартского оперного театра. В марте 2010 г. в Большом театре состоялась премьера оперетты И. Штрауса "Летучая мышь" в которой Динара Алиева исполнила главную партию Розалинды.

Динара Алиева – солистка Большого театра России, где она дебютировала в 2009-м году в партии Лю в «Турандот» Пуччини.

В настоящее время является приглашённой солисткой Венской Штаатсопер и Латвийской национальной оперы.

Певица осуществляет активную концертную деятельность и выступает на сценах ведущих оперных театров и концертных залов в России и за рубежом. Сольные концерты певицы проходили на лучших академических сценах Москвы: в Большом, Малом и Рахманиновском залах Московской консерватории, в Камерном и Светлановском залах Московского международного Дома музыки.

Гастроли Динары Алиевой с успехом проходили в разных странах Европы и в США. Среди зарубежных выступлений певицы участие в гала-концерте фестиваля «Крещендо» в парижском зале «Гаво» (2007 г.), в концерте фестиваля «Музыкальный олимп» в нью-йоркском «Карнеги-холл» (2008 г.). Высокой оценки критиков и публики было удостоено выступление Динары Алиевой с дирижёром Дмитрием Юровским на фестивале «Русские сезоны» в оперном театре Монте-Карло (2009 г.).

Агунда Кулаева, меццо-сопрано, окончила Ростовскую консерваторию им. С. В. Рахманинова по специальности «Дирижёр хора» (2000), «Сольное пение» (2005, класс преп. М. Н. Худовертовой), до 2005 года училась в Центре оперного пения под руководством Г. П. Вишневской. Участвовала в постановке опер «Фауст» Ш. Гуно (Зибель), «Царская невеста» Н.А. Римского-Корсакова (Любаша), «Риголетто» Дж. Верди (Маддалена) и в концертах Центра оперного пения.

В репертуаре певицы партии: Марины Мнишек («Борис Годунов» М. П. Мусоргского), Графини, Полины и Гувернантки («Пиковая дама» П. И. Чайковского), Любаши и Дуняши («Царская невеста» Н.А. Римского-Корсакова), Жени Комельковой («Зори здесь тихие» К. Молчанова), Арзаче («Семирамида» Дж. Россини), Кармен («Кармен» Ж. Бизе), Далилы («Самсон и Далила» К. Сен-Санса); партия меццо-сопрано в Реквие­ме Дж. Верди.

В 2005 году Агунда Кулаева дебютировала в Большом театре в партии Сони («Война и мир» С.С. Прокофьева, дирижёр А.А. Ведерников). Является приглашённой солисткой Новосибирского театра оперы и балета, где участвует в спектаклях «Князь Игорь» (Кончаковна), «Кармен» (Кармен), «Евгений Онегин» (Ольга), «Пиковая дама» (Полина), «Царская невеста» (Любаша). Участвовала в концертных программах и оперных спектаклях во многих городах России и за рубежом, а также в концертных программах в Берлине, Париже, Петербурге, посвященных 60-летию окончания Второй мировой войны.

На фестивале «Варненское лето» — 2012 спела партию Кармен в одноименной опере Ж. Бизе и Эболи в опере «Дон Карлос» Дж. Верди. В том же году исполнила партию Амнерис («Аида» Дж. Верди) в Болгарском национальном театре оперы и балета. 2013 год ознаменовался исполнением Stabat Mater А. Дворжака с Большим симфоническим оркестром п/у В. Федосее­ва, исполнением кантаты «По прочтении псалма» С. И. Танеева с академическим камерным хором п/у В. Минина и Российским национальным оркестром п/у М. Плетнёва; участием в V Международном фестивале им. М. П. Мусоргского (Тверь), IV Международном фестивале «Парад звёзд в оперном» (Красноярск).

С 2005 года в театре «Новая Опера».

Георгий Васильев, тенор, окончил Академию хорового искусства имени В. С. Попова (факультет хорового дирижирования), параллельно обучаясь на вокальном факультете, и в аспирантуре при Академии (класс профессора Д. Ю. Вдовина, 2002).

Выступает на площадках Москвы как солист, дирижёр хора, руководитель и певец вокального ансамбля. В качестве хормейстера сотрудничает со студией Мосфильм.

В театре Новая Опера работает с ноября 2009 года, дебютировав в партии Измаила («Набукко» Дж. Верди).

В марте 2012 состоялся международный дебют певца в партии Эдгардо («Лючия ди Ламмермур» Г. Доницетти) в Опере Палм-Бич (США). В США также исполнил партию Рудольфа («Богема» Дж. Пуччини, Лирическая опера Балтимора, 2012), Альфреда («Травиата» Дж. Верди, Опера Палм-Бич, 2013). Европейский дебют Георгия Васильева состоялся в декабре 2012 в Немецкой опере (Берлин) также в партии Эдгардо. В оперных театрах Меца и Нанси (Франция) певец исполнил партию Водемона («Иоланта» П. И. Чайковского, 2013). В этом же году дебютировал в Оперном театре Лилля (Франция) в опере «Лючия ди Ламмермур» Г. Доницетти, а также участвовал в спектакле «Травиата» в Немецкой опере.

Георгий Васильев выступал в концертах и фестивалях с Национальным филармоническим оркестром России и Государственным камерным оркестром «Виртуозы Москвы» (художественный руководитель В. Спиваков) в Нанси (Франция), Москве, Калининграде, Нижнем Новгороде, Владивостоке и других городах России. Исполнил партию тенора в Te Deum А. Брукнера (Москва) и «Колоколах» С. В. Рахманинова (Сан-Себастьян) с Российским национальным оркестром (дирижёр М. Плетнёв), Реквиеме Дж. Верди (Мехико, дирижёр Я. Латам-Кениг), «Вечном Евангелии» и «Отче наш» Л. Яначека (Утрехт, дирижёр Я. Груша), Девятой симфонии Л.В. Бетховена в концерте ЮНЕСКО (Москва, дирижёр А. Петров), а также в российской премьере оратории «Христос» О. Респиги на сцене Новой Оперы (дирижёр А. Гусь).

Евгений Ставинский, бас, в 2003 году окончил Академию хорового искусства им. В. С. Попова. В 2004–2005 г. стажировался в театре Maggio Musicale Fiorentino (Италия), где исполнил партии лорда Сиднея («Путешествие в Реймс» Дж. Россини), Дона Базилио («Севильский цирюльник» Дж. Россини), Дон Жуана («Дон Жуан» В. А. Моцарта), Суперинтенданта («Альберт Херринг» Б. Бриттена). С 2005 года — дирижёр Дубненского симфонического оркестра.

В театре Новая Опера с 2007 года.

Лев Конторович, дирижёр хора, родился в г. Москве. В 1964 г. окончил Московское государственное хоровое училище им. А. В. Свешникова, в 1969 г. – Московскую консерваторию (класс хорового дирижирования К. Б. Птицы, класс оперно-симфонического дирижирования Л. М. Гинзбурга, класс инструментовки А. Г. Шнитке).

В 1969–1999 гг. преподавал в Московском государственном хоровом училище (с 1991 г. – Академия хорового искусства) им. А. В. Свешникова специальные дисциплины, был дирижёром хора мальчиков. В 1989–1990 гг. принимал участие в создании мужского хора выпускников училища (ныне Мужской хор Академии хорового искусства), получившего две I премии на Международном конкурсе хоров в Карлштайне (Германия).

В 1992–1999 гг. заведовал кафедрой хорового дирижирования и руководил студенческим хором Академии хорового искусства. В разные годы работал также в Московском государственном педагогическом институте им. В. И. Ленина (1976–1979, класс хорового дирижирования) и в Государственном институте театрального искусства им. А. В. Луначарского (РАТИ ГИТИС) (1989–1990, старший преподаватель вокала). С 1996 г. доцент Московской консерватории, с 1999 г. – профессор кафедры хорового дирижирования, руководитель курсового хора.

Активно работает над подготовкой концертных программ, включающих духовную музыку Д. Бортнянского, М. Березовского, П. Чеснокова, произведения М. Глинки, М. Балакирева, П. Чайковского, С. Рахманинова, Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Свешникова, композиторов-выпускников Московского хорового училища Вл. Агафонникова, А. Бойко, В. Кикты, Р. Щедрина и других. Конторович, участвовал в международных фестивалях музыки И. С. Баха в Германии, Международных фестивалях хоров мальчиков в Грассе (Франция), в Познани (Польша), Европейском фестивале Православной музыки, посвящённой 1000-летию христианства на Руси (Москва, Германия, Франция, Люксембург).

С сентября 1996 г. по июнь 2001 г. художественный руководитель и дирижёр детского хора «Московские соловушки» (Детская школа искусств № 11 г. Москвы). В репертуаре хора русская и зарубежная классическая музыка, русские народные песни. Летом 1997 г. хор «Московские соловушки» с огромным успехом гастролировал в Южно-Африканской Республике. В 1998 г. состоялись гастроли хора в Германию. Значительным событием явилось создание в августе 1997 г. Камерного хора Московского государственного института музыки им. А. Г. Шнитке «Духовное возрождение».

Хоровой коллектив активно участвует в ежегодном Международном фестивале современной музыки «Московская осень».

С сентября 1999 г. Конторович является также художественным руководителем вокально-хоровой студии «Волшебство музыки» Российского национального оркестра. Этот детский коллектив постоянно с большим успехом выступает в различных концертных залах г. Москвы, таких как Государственный центральный музей музыкальной культуры им. М. И. Глинки, музей им. А. С. Пушкина, Государственная Третьяковская галерея. В 2002 г. состоялись успешные гастроли коллектива в Финляндию. Летом 2003 г. хор принимал участие в первом фестивале культур народов Греции и России в г. Александрополисе (Греция). В 2005 г. также состоялись гастроли коллектива в Греции.

В августе 2005 г. Конторович назначен художественным руководителем Академического Большого хора Российского Государственного музыкального телерадиоцентра. В мае 2004 г. Конторовичем были подготовлены и проведены два концерта в рамках технологического форума компании «Danieli». За последние годы Конторовичем подготовлен ряд крупных сочинений, таких как И.-С. Бах «Месса си минор», «Страсти по Иоанну», М. А. Шарпантье «Messe de minuit», А. Вивальди «Глория», В. А. Моцарт «Реквием», «Месса до мажор»; «Vesperae solennes de confessore», Л. ван Бетховен «Торжественная месса», Симфония № 9, Дж. Верди «Реквием» и др.

04/02/2014 - 08:23   Classic   Концерты
Фортепианный дуэт «iDuo» в составе Вадим Холоденко и Андрей Гугнин дал два концерта в Москве.

Фортепианный дуэт «iDuo» в составе Вадим Холоденко и Андрей Гугнин выступил с концертом 19 января 2014 года в Концертном зале Российской академии музыки имени Гнесиных. А 21 января почти с той же программой (Дебюсси был заменен «Испанской рапсодией» М. Равеля) дуэт играл на сцене Малого зала консерватории. Я был только на первом концерте (а видео записано на втором).

Фортепианный дуэт «iDuo» в этом составе был создан еще в 2007 году, в студенческие годы обоих пианистов, но я в этом качестве услышал их впервые. Впечатления от этого знакомства самые благоприятные.

Во-первых, это действительно ансамбль, в котором участники хорошо чувствуют и слышат друг друга. Семь лет совместного музицирования не прошли даром.

А во-вторых, интересна была сама программа, первое отделение которой составлено из редко исполняемых произведений.

Четырёхручные пьесы исполнялись на рояле Steinway — к сожалению, находящемся не в лучшем состоянии. Рояль требует не просто настройки, а регулировки, особенно в верхнем регистре, который на форте «подзванивал». Слышнее это было у В. Холоденко в Шести пьесах, где он играл в верхнем регистре, а А. Гугнин – в басовом.

Интересно прозвучала шестая пьеса «Слава». Она народного плана, и особенно ярко звучит в хоровом виде у Мусоргского в «Хованщине» в сцене убийства Хованского.

Для исполнения Дебюсси пианисты поменялись местами. Здесь мягкое туше Гугнина в верхнем регистре было очень к месту. Красиво и певуче звучал у Холоденко нижний голос. «Маленькая сюита» была исполнена дуэтом очень тонко и изысканно, с множеством пианистических красок. Это звуковое богатство, конечно, заложено в самой музыке, но пианисты сумели блестяще реализовать его. В этом была особая заслуга Андрея Гугнина, который вёл верхний голос очень точно.

Программа:
С. Рахманинов – Шесть пьес в четыре руки, ор. 11. Баркарола, Скерцо, Русская песня, Вальс, Романс, Слава); Сюита № 1 для двух ф-но, (Фантазия) соль минор, ор. 5 (Баркарола, И ночь, и любовь, Слезы, Светлый праздник); К. Дебюсси – Маленькая сюита. В четыре руки (В лодке; Шествие, Менуэт, Балет); И. Стравинский – «Весна священная» музыка балета (авторское переложение для двух фортепиано)

Так же интересно прозвучала Сюита № 1 Рахманинова. Молодые пианисты поняли и сумели передать особенности гармонического языка Рахманинова, которые проявляются уже в этом раннем его сочинении.

Во втором отделении прозвучало авторское переложение для двух фортепиано музыки балета Игоря Стравинского «Весна священная». Исполнение было блестящим, очень красочным. Музыка изобилует форте, но и у Холоденко, и у Гугнина оно не было плоским и грубым. Нельзя не отметить ещё одно важное положительное качество этого дуэта – симфоничность их музыкального мышления. Это особенно важно именно для фортепианного дуэта, поскольку в их репертуаре много транскрипций симфонических произведений.



Однако при всём мастерстве пианистов и их колористических возможностях – сама по себе транскрипция несравнима по красочности с оркестровым оригиналом. Теряется ритмическое разнообразие партитуры, её прихотливые гармонические изыски: рояль всё же не в состоянии передать все богатства оркестровой музыки, которая на слуху у меломанов, особенно после юбилейного года премьеры балета (1913), когда она звучала неисчислимое число раз. (То же и с обратным вариантом: оркестровая равелевская версия «Картинок с выставки» уступает фортепианному оригиналу Мусоргского.) Так что претензий к Холоденко и Гугнину быть не может. Полагаю, что они выжали из этой транскрипции максимум возможного.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»
Видео: Анатолий ЛЬВОВИЧ

СПРАВКА

Фортепианный дуэт iDuo создан Вадимом Холоденко и Андреем Гугниным в 2007 году, когда они были студентами Московской консерватории в классе Веры Горностаевой. В 2008 году их дуэт стал обладателем II премии на одном из наиболее престижных конкурсов фортепианных ансамблей в Сан-Марино. В 2010 году дуэтом записан диск на фирме Delos.

27/01/2014 - 14:03   Classic   Концерты
Динара Алиева спела в БЗК программу из 19 самых исполняемых романсов русских композиторов.

Динара Алиева довольно быстро воплотила в жизнь пожелание, изложенное в моей рецензии на её сольный концерт 4 мая 2013 года: «Хотелось бы пожелать Динаре Алиевой уделять больше внимание камерному пению – у неё это получается лучше, чем у большинства оперных певцов и певиц». 21 января 2014 года она дала сольный концерт в Большом зале консерватории с программой «Шедевры русской классики», в которую вошли 19 наиболее часто исполняемых романсов Н. А. Римского-Корсакова, П. И. Чайковского и С. В. Рахманинова.

Динара Алиева
Динара Алиева

Концерт получился великолепный! Певица в полной мере показала, что стихия камерного музицирования ей не менее близка, чем оперного, и её успешные выступения в этом жанре не случайны, а вполне закономерны. Можно сделать вывод, что в лице Динары Алиевой, кроме оперной певицы, сегодня мы имеем равновеликую ей певицу камерную. В российском исполнительстве это весьма редкое явление.

Исполнение романсов и Чайковского, и Рахманинова – это для любого вокалиста экзамен на наличие вкуса. В них легко переборщить во внешней эмоциональности, к чему подталкивает сама музыка, злоупотребить форте... Динара Алиева этот экзамен сдала на отлично.

Вокал её в этот вечер был безупречно камерным, компактным. Ни одной ноты она не спела в свой полный оперный голос, чем грешит большинство оперных певцов, когда они берутся за камерный репертуар. Динамический диапазон концерта располагался, в основном, между piano и mezzo voce. Верха звучали органично и красиво, нигде не переходя на визг. А низы звучали практически безупречно.

Динара Алиева
А низы звучали практически безупречно

Но самое главное – пение Динары Алиевой было осмысленно. Большинство романсов представляли собой драматические или лирические миниатюры. Это и "Кабы знала я...", который прозвучал как русское lamento, и "Я ли в поле да не травушка была", и некоторые другие. Всё было в рамках хорошего вкуса.

ПРОГРАММА:
Н. А. Римский-Корсаков: «Не ветер, вея с высоты», (ст. А. К. Толстого); «Редеет облаков летучая гряда» (ст. А. С. Пушкина); «Пленившись розой, соловей» (ст. А. В. Кольцова). П. Чайковский: «То было раннею весной» (ст. А. К. Толстого); «Колыбельная песня» (ст. А. Н. Майкова); «Кабы знала я…» (ст. А. К. Толстого); «Забыть так скоро» (ст. А. Н. Апухтина); Я ли в поле да не травушка была» (ст. И. З. Сурикова); «Кукушка» (ст. А. Плещеева из Геллерта); «День ли царит» (ст. А. Н. Апухтина).
С. Рахманинов: «Здесь хорошо» (ст. Г. Галиной); «Ночью в саду у меня» (ст. А.А. Блока, из А. Исаакяна); Ночь печальна (ст. И. А. Бунина), «Маргаритки» (ст. И. Северянина); «Не пой, красавица, при мне» (ст. А. С. Пушкина); «Ау!» (ст. К. Д. Бальмонта); «Сон» (ст. Ф. Сологуба); «Крысолов» (ст. В. Я. Брюсова); «Весенние воды» (ст. Ф. И. Тютчева).

БИСЫ: А. Дворжак «Песня матери»; Дж. Гершвин «Колыбельная» из оперы «Порги и Бесс».
Партия фортепиано – Любовь Венжик

Некоторые романсы были исполнены медленнее, чем обычно принято. (Для исполнителя это дополнительные трудности. Известно, что когда вокалист чувствует какие-то проблемы и трудности, он начинает увеличивать темп.) Так, "Колыбельная песня" Чайковского прозвучала по темпу именно как колыбельная, а не как концертный номер.

На бис певица прекрасно исполнила "Песню матери" А. Дворжака и колыбельную "Summertime" из оперы Дж. Гершвина "Порги и Бесс".

Для Динары Алиевой этот концерт во многом рубежный. Она доказала, что свободно ориентируется в русской камерной музыке, в стихии романса. Следующий шаг – это расширение репертуара за счёт реже исполняемых авторов и романсов.

Было бы интересно послушать её и в кантатно-ораториальном жанре. С её высокой культурой камерного музицирования, пониманием особенностей этого жанра, Д. Алиева хорошо бы вписалась в сотрудничество с такими высокопрофессиональными колективами, как Камерный хор Московской консерватории, Хоровой ансамбль "Intrada". Успешное освоение этого жанра значительно расширило бы возможности певицы, её репертуар – и, как следствие, востребованность и в России, и в мире.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»

Динара Алиева
Динара Алиева

Динара Алиева
Динара Алиева
25/01/2014 - 11:56   Classic   Концерты
В этот новогодний сезон московские меломаны имели удовольствие слышать пианиста Алексея Володина дважды.

24 декабря 2013 года он выступил в Большом зале Московской консерватории с монографической шопеновской программой, а 5 января 2014 года – с камерной программой в Концертном зале им. Чайковского в ансамбле с четырьмя духовиками из оркестра «Консертгебау».

Сегодня Алексей Володин - нечастый гость на московских музыкальных подмостках, тем более с сольной программой, – поскольку живёт и работает в Испании. Выбранная им программа для 24 декабря не из лёгких, но не размером и не технической сложностью. Последней, если иметь в виду точность текста и скорость его воспроизведения, сейчас мало кого удивишь: сегодня в репертуар учеников специальных музыкальных школ входят пьесы, ещё на памяти моего поколения входившие в реальный репертуар солистов-виртуозов. А вот музыкально прочесть программу, игранную и записанную десятками прекрасных пианистов, и показаться «лица не общим выраженьем» – всегда непросто. Этим концертом Алексей Володин убедительно показал, что о нем так сказать можно.

Алексей Володин
Алексей Володин

В первом отделении концерта в БЗК Володин исполнил 24 прелюдии ор. 28. Три года назад 11 ноября 2010 года он уже исполнял целиком этот шопеновский цикл в Камерном зале Московского дома музыки, но не в рамках монографической программы, а после двух поздних сонат Бетховена №№ 30 и 31. Безусловно, само формирование программы накладывает отпечаток на интерпретацию её отдельных компонентов. Да и три года достаточно заметный срок для молодого исполнителя.

Кроме того, нельзя забывать о влиянии самого зала, где происходит концерт.

Во-первых, разница в акустике, которая сама диктует многие детали интерпретации, особенно для пианиста с хорошими ушами. Хорошая акустика – штука коварная! Она как увеличительное стекло подчёркивает всё хорошее в звучании, но делает заметнее и все промахи, как, например, «жирность» педали, которую уже не спишешь на гулкость зала.

А во-вторых, харизма БЗК, на эстраде которого просто не протолкнуться среди теней великих музыкантов, выступавших на ней. Так что от сравнений воздержусь.

Весь цикл 24 прелюдий был исполнен Алексеем Володиным не как набор отдельных пьес и эпизодов, а как единое целое, имеющее свою внутреннюю логику построения и единую музыкальную драматургию. Замечательно (я бы даже сказал, безупречно в стилевом и динамическом отношении) прозвучали у него все медленные прелюдии. Точно выверены все темпы и динамические оттенки и градации. Вообще в прелюдиях Алексей предстал в первую очередь мастером piano и pianissimo. Они у него изобиловали массой оттенков и градаций. Местами рояль звучал просто волшебно! Очень интересно звучали у А. Володина ферматы на последней ноте прелюдий – они длились около четырех-пяти секунд каждая. Струны затихали без демпфера, звук иссякал, истаивал...

Кульминацией цикла для меня стала прелюдия № 15 Des-dur. А вот к быстрым прелюдиям есть некоторые претензии по чрезмерным темпам. В результате в них некоторые пассажи были недостаточно хорошо артикулированы. Хотя можно предположить, что снижение артикуляции было не следствием высоких темпов, а сознательное. Чёткая артикуляция (за редким исключением) несколько «подсушивает» фактуру, снижает градус романтизма и вступает в некое противоречие с ним. Возможно, здесь Алексей Володин делает выбор в пользу романтизма – за счёт снижения чёткости артикуляции, что чисто субъективно воспринимается как некая романтическая порывистость. Это наиболее ярко проявилось в прелюдиях: № 3 G-dur, № 5 D-dur, № 8 Fis-moll, № 11 B-dur, № 14

Второе отделение открылось Балладой № 1, в исполнении которой А. Володин не сразу собрался после антракта. Впрочем, как и слушатели, производившие немало посторонних шумов, заметно мешавших пианисту. В результате и здесь был некоторый перебор в темпах, сопровождавшийся ещё и избыточной педалью. Но это был единственный номер программы, который дал повод для критики с точки зрения использования педали. Вся остальная программа продемонстрировала превосходное владение педалью со множеством её приемов и эффектов. Она была поразительно прозрачной и максимально тактичной. В сочетании с прекрасным туше, которым пианист владеет в совершенстве и которым сегодня мало кто владеет так, как Володин, всё это произвело фантастическое впечатление звукового пира.

Программа второго отделения была исполнена великолепно. Это и два ноктюрна: H-dur, op. 9 № 3 и посмертный cis-moll, исполненные на полутонах, и Скерцо № 3 cis-moll, op. 39, прозвучавшее очень ярко. Но даже на этом фоне исполнение Andante spianato и Большого блестящего полонеза Es-dur, ор. 22 (авторская версия для фортепиано соло) произвело ошеломляющее впечатление богатством пианистических красок, мастерством владения педалью, прекрасной мелкой техникой.

Если Andante звучало изящно и изысканно, то полонез был торжественен, остранён и аристократичен. При строгом общем ритмическом рисунке у Володина были многочисленные rubati, не выходившие за пределы хорошего вкуса и придававшие полонезу живое дыхание. Финал клавирабенда стал его кульминацией.

На бис Алексей Володин исполнил три пьесы: Мазурку f-moll, op. 7 № 3, Вальс № 7 cis-moll, op. 64 № 2 и Полонез № 6 As-dur, op. 53. В их исполнении, мне показалась, слышна была некоторая усталость пианиста, выразившаяся во всё более излишнем темпе быстрых эпизодов, исполненных уж слишком неартикулированно. Особенно это было заметно в Полонезе As-dur. В бисах мне не хватило наполненности.

Вынося за скобки отдельные критические замечания, я считаю, что клавирабенд Алексея Володина стал не только более чем достойным завершением пианистической панорамы первой половины сезона 2013/14 гг., но, как мне кажется, ещё и этапным явлением в его собственном музыкальном развитии.

В Зале им. Чайковского 5 января Алексей Володин выступил в камерной программе с музыкантами из духовой группы оркестра «Консертгебау»: гобоистом Алексеем Огринчуком, кларнетистом Оливье Патейей (Франция), фаготистом Густаво Нуньесом (Испания) и валторнистом Лауренсом Вауденбергом (Нидерланды).

Программа состояла из сочинений трёх венских классиков – Трио для гобоя, фагота и фортепиано, соль мажор, Hob. XV:15 Йозефа Гайдна; двух квинтетов для фортепиано, гобоя, кларнета, фагота и валторны – ми-бемоль мажор, ор.16 Людвига ван Бетховена и ми-бемоль мажор, К. 452 Вольфганга Амадея Моцарта.

Трио Гайдна было просто хрестоматийно классическим, в лучшем смысле этого слова, уравновешенным, спокойным и по музыке, и по исполнению. Любое сочинение Гайдна заставляет восхищаться его изобретательностью. Не стало исключением и это трио. Что касается техники, здесь были некоторые шероховатости у фаготиста.

Квинтет Бетховена был исполнен несколько живее и даже страстно. Здесь очень выигрышно прозвучала валторна. У неё не было чисто сольных мест, но в тех эпизодах, где она доминировала, валторна у Ваутенберга звучала великолепно.

Безусловной вершиной концерта стал квинтет Моцарта, исполненный безукоризненно. Здесь в наибольшей степени сложился у его участников ансамбль. Особо необходимо отметить Оливье Патейю, кларнет которого звучал прямо-таки волшебно. Звучание отдельных инструментов было идеально сбалансировано с общим ансамблем.

Алексей Володин все три фортепианные партии отыграл великолепно. Будучи неформальным лидером, он оставался в рамках ансамбля. Во втором отделении идеально, практически без педали, Алексей артикулированно исполнил все очаровательные, прозрачные моцартовские пассажи. Это подтвердило догадку о том, что снижение чёткости артикуляции в пассажах шопеновской программы было намеренным.

На бис повторили вторую часть (Largetto) из Квинтета Моцарта. Исполненное отдельно Largetto показалось ещё изящнее и очаровательнее, чем в программе, что было вознаграждено бурными аплодисментами и многочисленными восклицаниями «браво».

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»

СПРАВКА:

АЛЕКСЕЙ ВОЛОДИН – один из самых талантливых представителей молодого поколения русской фортепианной школы, обладающий ярко выраженной индивидуальностью, оригинальным исполнительским почерком. Является эксклюзивным артистом фирмы Steinway & Sons. Алексей родился в 1977 году в Ленинграде, где в 9 лет начал заниматься музыкой. Переехав в 1987 году в Москву, учился у И. А. Чаклиной, Т. А. Зеликман (в МССШ им. Гнесиных) и профессора Э. К. Вирсаладзе, по классу которой с отличием окончил Московскую консерваторию и аспирантуру. В 2001–2002 годах стажировался в Международной фортепианной академии (Комо, Италия).

Алексей Володин — лауреат ряда престижных международных конкурсов: Паломы О’Ши (Сантандер, Испания, 1998); в Сиднее (Австралия, 2000); имени Эннио Поррино (Кальяри, Италия, 2001, I премия). Международная карьера музыканта начала стремительно развиваться после блестящей победы на Международном конкурсе пианистов им. Гезы Анды в Цюрихе (Швейцария) в 2003 году. С тех пор он с огромным успехом выступает в самых известных концертных залах мира: Concertgebouw (Амстердам), Tonhalle (Цюрих), Lincoln Centre (Нью-Йорк), Theatre des Champs-Elysees (Париж), Philharmonie (Берлин), Alte Oper (Франкфурт), Herculessaal (Мюнхен), Konzerthaus (Вена), La Scala (Милан), Sydney Opera House (Сидней), Suntory Hall (Токио), а также в залах Мадрида, Рима, Лиона, Тулузы, Люксембурга, Брюсселя, Лиссабона, Баку и многих других городов. Музыкант – первый участник популярной программы «Артист месяца» в Концертном зале Мариинского театра (2007). С сезона 2006/07 — постоянный приглашённый солист в г. Монпелье (Франция).

Восторженные отзывы критиков вызвало выступление А. Володина в престижной серии сольных концертов International Piano Series в лондонском Royal Festival Hall (2011/12). На следующий сезон запланированы сольные концерты в брюссельском зале BOZAR, лондонском Wigmore Hall, мадридском Auditorio Nacional, парижском Pleyel, римском театре Olimpico.

Музыкант участвует в международных фестивалях в России (Московский Пасхальный, «Звёзды белых ночей» в Санкт-Петербурге), Франции (фестиваль в Ла Рок д’Антероне, La Folle Journee в Нанте, Фестиваль Французского радио в Монпелье), Германии (в Руре, в Бад-Киссингене), Швейцарии (в Вербье, в Люцерне), Италии, Латвии, Чехии, Португалии, Нидерландах и других странах.

Алексей Володин сотрудничает с такими прославленными оркестрами, как Государственный академический симфонический оркестр России имени Е. Ф. Светланова, Большой симфонический оркестр имени П. И. Чайковского, Российский национальный оркестр, оркестр Мариинского театра, Лондонский симфонический, оркестры Берлинской оперы и Берлинского радио, Дрезденский филармонический, оркестр Gewandhaus (Лейпциг), Венский симфонический и камерный оркестры, Национальный оркестр Франции и оркестр Капитолия Тулузы, Цюрихский Tonhalle, Оркестр Романдской Швейцарии, Филармонический оркестр Ла Скала, «Солисты Венеции», Нидерландский и Варшавский филармонические, Испанский Национальный, Нью-Йоркский филармонический, Симфонический оркестр Японского радио и телевидения (NHK), Сиднейский симфонический и другими коллективами. Яркими событиями последнего времени стали концерты с Бамбергским симфоническим оркестром, оркестрами Штутгартского и Баварского радио. Пианист выступал с ведущими дирижёрами современности, среди которых Валерий Гергиев, Михаил Плетнёв, Василий Синайский, Владимир Федосеев, Семён Бычков, Георг Альбрехт, Лорин Маазель, Мюнг-Вун Чунг, Жан Бернар Помье, Карло Рицци, Лоуренс Фостер, Рафаэль Фрюбек де Бургос, Кристофер Хогвуд, Дэвид Цинман, Риккардо Шайи, Яков Крейцберг, Марек Яновский. В текущем сезоне 2013/14 пианист дебютировал с коллективами под управлением Валерия Гергиева: Роттердамским филармоническим оркестром и оркестром Мариинского театра – на Фестивале Балтийского моря. Среди других событий сезона – выступления с Датским национальным симфоническим оркестром, Оркестром Шведского радио, Симфоническим оркестром Би-би-си, Симфоническим оркестром Итальянского радио в Турине, оркестром Musikkollegium города Винтертура (Швейцария). В обширном репертуаре пианиста значительное место занимают произведения Баха, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Чайковского, Рахманинова, Стравинского, Прокофьева. Он исполняет более 50 фортепианных концертов. Артист выпустил несколько компакт-дисков на фирмах Intersoft Media (Россия), Live Classics (Германия), ABC Classics (Австралия) и Challenge Classics (Нидерланды) с произведениями Бетховена, Шумана, Чайковского, Рахманинова, Равеля, Стравинского, Прокофьева, Скрябина. Диск с музыкой Фридерика Шопена был удостоен пяти звезд журнала Diapason. Алексей Володин преподавал в Московской консерватории (был ассистентом профессора Э. К. Вирсаладзе). В настоящее время живёт и работает в Испании.

21/01/2014 - 10:03   Classic   Концерты
2014 год объявлен в России годом культуры, и его открытие в Московской области состоялось 17 января в Доме культуры подмосковного города Красногорска.

«Год культуры 2014» открыл концерт Симфонического оркестра Москвы «Русская филармония» под управлением своего художественного руководителя и главного дирижера Дмитрия Юровского. Торжественная церемония, посвящённая этому событию, состоялась на открытии музыкального фестиваля «Времена года в Подмосковье». 

Перед началом концерта несколько слов сказал губернатор Московской области Андрей Воробьев, который поздравил всех присутствующих, а это главы и чиновники всех районных администраций Московской области, с открытием Года культуры.

Глава региона заявил о необходимости поддерживать культурное наследие, которым богато Подмосковье: «Мы с вами знаем, что принято решение уделить особое внимание культуре в этом году. Очень много культурного, духовного живет в наших городах и посёлках благодаря великим, выдающимся людям, которые прославили нашу Россию. Их творчество осталось на века среди нас, оно признано во всём мире. Что можем мы? С одной стороны помнить обо всех достижениях, о том наследии, которое нам досталось, дорожить им, с другой стороны – открывать новые таланты. В России живёт много одарённых людей и наша задача дать этим талантам реализоваться».

Концерт открылся Первой сюитой из балета Сергея Прокофьева «Золушка», очень ярко и образно исполненной оркестром и дирижером. Дм. Юровский мастерски использовал разнообразные оркестровые краски для всех шести эпизодов сюиты.

Великолепно исполнил Александр Гиндин в сопровождении оркестра Третий фортепианный концерт до мажор, ор. 26 С. Прокофьева. Его игра была масштабной и несуетливой. Какой-то если можно так сказать «основательной». Темпы умеренные и убедительные. Педаль экономна и позволяла пианисту показать четкость артикуляции в стремительных пассажах. Под пальцами Гиндина рояль звучал полноценно, ровно во всех регистрах и красиво, что сегодня случается далеко не всегда. Например, о какой красоте звука можно говорить, если недавно после выступления некоего пианиста Steinwey, на котором он играл, пришлось капитально ремонтировать. К чести ДК Красногорска, концертный Steinway на его сцене находится в хорошем состоянии и соответствует самым строгим требованиям. На бис Александр Гиндин замечательно исполнил № 6 «Капулетти» из 10 пьес для фортепиано из балета «Ромео и Джульетта».

Во втором отделении была исполнена Вторая симфония Сергея Рахманинова, входящая в постоянный репертуар оркестра «Русская филармония». Как всегда, Дм. Юровский хорошо справился с собиранием этой симфонии по форме, что сама по себе задача непростая. Из-за акустических качеств зала ДК концерт шел с микрофонной подзвучкой и в первой части симфонии у звукорежиссера были некоторые проблемы с низким регистром, но в остальных частях с этой проблемой он справился намного лучше.

На бис оркестр блестяще исполнил «Поганый пляс Кощеева царства» из балета Игоря Стравинского «Жар-птица».

С этой программой и с Александром Гиндиным оркестр «Русская филармония» под управлением Дмитрия Юровского выступит 21 января на сцене одного из самых престижных концертных залов Лондона Royal Festival Hall на 2500 мест. К этим гастролям мужской состав оркестра экипировали новыми модными концертными костюмами с воротником-стойкой, весьма стильными серебристо-серыми жилетами и галстуками. Весь оркестр отправится в Лондон в фирменных куртках оркестра.

Владимир ОЙВИН, Новости музыки NEWSmuz.com

17/01/2014 - 05:03   Classic   Концерты
Два концерта с чрезвычайно интересными программами дал в Малом зале консерватории Камерный хор Московской консерватории (КХ МК) – художественный руководитель Александр Соловьев.

Первый из них состоялся 16 ноября 2013 года в рамках XXXV международного фестиваля современной музыки «Московская осень 2013» и был посвящен хоровым премьерам фестиваля. Второй – 23 декабря 2013 года и был посвящен Рождественской встрече друзей профессора Бориса Тевлина – основателя этого коллектива.

Продолжая замечательную традицию Б. Тевлина, Камерный хор Московской консерватории уделяет большое внимание исполнению хоровой музыки современных авторов. Так случилось и в этих двух концертах. Продолжается и ещё одна традиция КХ МК– многие авторы, как и раньше, посвящают свои сочинения хору и Борису Тевлину, а теперь и новому худруку хора Александру Соловьеву.

Программа концерта 16 ноября с самого начала формировалась как вечер премьер, поскольку проходил в рамках «Московской осени». В концерте прошли 11 мировых премьеры: Ефрема Подгайца на стихи Николая Рубцова (Посвящение Б.Г. Тевлину), два из пяти номеров цикла Дмитрия Горбатова на стихи Владислава Ходасевича, «Концерт памяти Б.Г. Тевлина» для скрипки и хора a cappella» Кузьмы Бодрова, «Что над морем глубоким» Татьяны Чудовой (Посвящения Камерному хору Московской консерватории), хор Данияра Дианова «Размышление» на стихи Фёдора Тютчева, Три поэмы Толибхона Шахиди на стихи Дж. Байрона и Дж. Руми, «Вокализ» Ирины Дубковой (Посвящения А. Соловьеву), «Сапгир-симфония» Юрия Евграфова, один номер из триптиха «Страшнi cловi» Андрея Гордейчева, «Три стихотворения Семёна Росина» Романа Леденёва, «В минуту музыки», «Ave Maria» Сергея Мовчана. Прозвучали хор Юрия Буцко, финал оперы Родиона Щедрина «Левша», часть из «Реквиема» Сергея Слонимского и Концерт для хора «Откровение» Юрия Воронцова.

В концерте выступили великолепные солисты: Никита Борисоглебский (скрипка), солисты оперных театров: Алексей Татаринцев (тенор, «Новая опера»), Лариса Костюк (меццо-сопрано) и Михаил Давыдов (баритон, оба – «Геликон-опера»). Очень удачно выступил Ансамбль солистов «Студия новой музыки» – художественный руководитель Владимир Тарнопольский. Собрать в одном концерте столько хороших солистов непросто! Их участие говорит о доверии этому коллективу.

Очень важно, что в концерте, кроме А. Соловьева дирижировали выпускники кафедры Современного хорового исполнительского искусства Московской консерватории, созданной Борисом Тевлиным: Алла Куликова, Мария Челмакина и Тарас Ясенков.

В концерте прозвучало много хорошей музыки. Особо хочу отметить сочинения Щедрина, Слонимского, Шахиди, Буцко.

В программу концерта 23 декабря вошли пять сочинений из концерта 16 ноября из общего количества 23 сочинений. Это свидетельство огромной работы хора и его дирижёров-дипломников кафедры Современного хорового исполнительского искусства Московской консерватории, руководимой профессором Львом Конторовича, число которых составило девять человек. Это ли не свидетельство продуктивности работы кафедры.

В программу Рождественской встречи друзей Бориса Тевлина вошли не только хоровые, но и инструментальные произведения. В частности весьма интересно и оригинально прозвучал Гавот из Оркестровой сюиты № 3 ре минор, BWV 1068 в переложении для ансамбля Кузьмы Бодрова в исполнении ансамбля солистов «Студии современной музыки», который открыл концерт. В его программе выступили Светлана Абзалова (сопрано), Михаил Бурлаков (баян), Денис Голубев (гобой), Иван Мовчан (кларнет), Евгения Кривицкая (орган), Станислав Малышев (скрипка).

Прозвучали сочинения не только российских композиторов, но и зарубежных, в том числе Астора Пьяццоллы и Исаака Альбениса, оригинальные обработки народных песен.

Оба концерта получились очень насыщенными и, несмотря на их длительность, время пролетело незаметно. Они свидетельствуют о том, что созданная Борисом Тевлиным кафедра Современного хорового исполнительского искусства успешно работает в направлениях, заложенных её создателем, оправдывает свое название и находится в авангарде хорового музицирования. То же можно сказать и о Камерном хоре Московской консерватории, который, следуя традициям Б. Тевлина, не замыкается в накатанном репертуаре, а интенсивно ищет новые пути и расширяет свой репертуар, не забывая и о шлифовке исполнительского мастерства.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSMuz.com»

14/01/2014 - 02:53   Classic   Концерты
Концерт Государственного симфонического оркестра республики Татарстан под управлением его художественного руководителя и главного дирижёра Александра Сладковского и пианиста Александра Гаврилюка прошел в Концертном зале им. П. И. Чайковского.

Концерт пришелся на 40-й день авиакатастрофы в Казани и был посвящен памяти жертв этой трагедии. Этим объясняются замены в программе концерта, в которую вошли: Симфоническая картина «Остров мёртвых» и «Рапсодия на тему Паганини» Сергея Рахманинова, а так же Симфония № 6 («Патетическая») Петра Чайковского.

Рецензировать я буду только исполнение «Рапсодии на тему Паганини». И вот почему: по ряду обстоятельств я не мог быть в зале на концерте и посему пришёл 26 декабря на репетицию Гаврилюка с оркестром.

Я уже несколько лет внимательно слежу за его творчеством, считаю его одним из самых интересных пианистов ярко романтического направления наших дней — и не только среди молодых.

Александр Гаврилюк
Александр Гаврилюк

Поначалу я не предполагал писать рецензию только по репетиции, не побывав на концерте, но благодаря сегодняшней замечательной возможности слушать и смотреть видеозапись трансляции, всё же решил написать – настолько сильное впечатление на меня произвела игра Гаврилюка. Казалось бы, за почти четыре года, что я слушаю Александра, пора бы понять, что каждое его выступление — это не только шаг вверх по лестнице технического мастерства, и так уже совершенного, но и в глубины музыкальности и артистизма.

Любопытно было сравнить игру Гаврилюка на репетиции и в концерте. Он уже на репетиции был поразительно эмоционален. Ещё до её начала, когда он минут за пятнадцать до выхода дирижёра отыгрывал громоподобные пассажи и октавы, его энергетика выплёскивалась. Эмоциональный накал на репетиции практически не уступал высокому градусу концерта. Гаврилюк владеет способностью открывать что-то новое в казалось бы уже «заигранных» сочинениях. Вот и «Рапсодия на тему Паганини» заиграна — вдоль и поперёк! Но «талант – единственная новость, которая всегда нова», и он позволил пианисту дать новое в интерпретации «Рапсодии». Она прозвучала у него неожиданно свежо. И эта свежесть получилась у Гаврилюка за счёт «microrubato» в пределах одного такта, выдерживая в целом точный размер и ритм. Это «microrubato» очень украшает и расцвечивает интерпретацию. При этом такое rubato не создаёт никаких трудностей для дирижёра, не искажая в целом ритмическую сетку.

Очень интересно особое слышание Гаврилюком аккордов, преобразующее характерные для Рахманинова гармонии в нечто близкое к характерной русской церковной полифонии a'capella. Это родственно с качествами Рахманинова-пианиста, но ни в коем случае не копирование его. Также не совсем обычно, но очень убедительно звучание у Гаврилюка пассажей, которые как бы расслаиваются у него на отдельные линии. Гаврилюк демонстрирует особо тонкие качества его музыкального слуха, которым он очень чутко слышит специфические рахманиновские гармонические находки и детали.

На piano звучание рояля у Гаврилюка завораживает, на forte и fortissimo поражает «округлостью» и полным отсутствием стука. Сегодня такая культура forte — чрезвычайно редкий гость на концертной эстраде не только в России, но и в мире. Причём forte извлекается не за счёт физической силы (Гаврилюк по своей физической конституции отнюдь не Геркулес), а исключительно техническими средствами, за счёт превосходного пианизма. Forte Гаврилюка без труда прорезало forte оркестра.

Следует отметить, что, несмотря на некоторую жёсткость звучания, Госоркестр республики Татарстан в аккомпанементе произвёл гораздо лучшее впечатление, чем на репетиции, где он поначалу звучал на forte не только жёстко, но даже агрессивно. Если на репетиции было ощущение, что оркестр «висел» на солисте и что Гаврилюк тащит его за собой, то на концерте оркестр и дирижёр весьма неплохо аккомпанировали Гаврилюку; можно даже говорить об ансамбле и взаимопонимании.

«Рапсодия на тему Паганини» прозвучала у Гаврилюка весьма инфернально, как и задумано Рахманиновым, который ввел в её партитуру тему «Со святыми упокой». Эта тема прозвучала у Гаврилюка устрашающе. Никакие лирическо-романтические фрагменты, блестяще пропетые им, не заглушили трагедийного звучания Рапсодии, той тоски по России, которая не покидала Рахманинова весь период его вынужденного эмигрантского бытия.

Бис, исполненный Гаврилюком, резко контрастировал с «Рапсодией…». Он великолепно сыграл пьесу «Грёзы» из цикла Роберта Шумана «Детские пьесы» ор. 15 № 7. Лиричные, с лёгким налётом грусти «Грезы» на фоне инфернальной «Рапсодии» слушались волшебно. Здесь Гаврилюк продемонстрировал своё феноменальное туше, выпевая каждую ноту.

В целом это исполнение Александром Гаврилюком «Рапсодии на тему Паганини» Рахманинова было потрясающим и стало, думаю, самым интересным, которое мне довелось слышать в живом исполнении (с коррекцией на трансляцию).

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»

СПРАВКА

Александр Гаврилюк родился в 1984 году в Харькове на Украине, начал учиться игре на фортепиано в возрасте 7 лет. В 9 лет впервые выступил на сцене. В 1996 году он стал лауреатом конкурса пианистов в Сенигалии (Италия), а годом позже получил вторую премию на II Международном конкурсе пианистов им. В. Горовица в Киеве. На следующем, III конкурсе им. В. Горовица (1999) пианист завоевал первую премию и золотую медаль.

После победы в 2000 году на IV Международном конкурсе пианистов в Хамамацу, японская критика назвала Александра Гаврилюка «лучшим 16-летним пианистом конца XX века» (в конкурсе участвовали музыканты в возрасте от 16 до 32 лет, и Александр стал самым юным лауреатом этого состязания). C тех пор пианист регулярно выступает в японских концертных залах — Suntory Hall и Tokyo Opera City Hall, а также записал в Японии первые два компакт-диска. Концерты А. Гаврилюка проходили также в амстердамском Concertgebouw, нью-йоркском Линкольн-центре и многих других крупнейших залах мира. В 2007 году по приглашению Николая Петрова Александр Гаврилюк выступил с сольными концертами в Большом зале Московской консерватории и Оружейной палате Кремля, в последующие годы неоднократно выступал в Москве и других городах России.

В 2005 году список побед музыканта пополнился первой премией, золотой медалью и специальным призом «за лучшее исполнение классического концерта» на X Международном конкурсе им. Артура Рубинштейна в Тель-Авиве. С 1998 по 2006 год Александр Гаврилюк жил в Сиднее (Австралия). В 2003 году он стал артистом фирмы Steinway.

Александр Гаврилюк сотрудничал с Государственным академическим симфоническим оркестром России им. Е. Ф. Светланова, Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии, Российским национальным оркестром, Национальным филармоническим оркестром России, филармоническими оркестрами Роттердама, Осаки, Сеула, Варшавы, Израиля и др. Партнёрами пианиста были такие дирижёры, как В. Ашкенази, Ю. Симонов, В. Федосеев, М. Горенштейн, А. Лазарев, В. Спиваков, Д. Райскин, Т. Зандерлинг, Д. Тови, Х. Бломстедт и др. Пианист регулярно участвует в крупных музыкальных фестивалях во всем мире, включая фестивали в Лугано (Швейцария), Кольмаре (Франция), Руре (Германия), Майами, Шатокуа, Колорадо (США).

После своего ошеломляющего дебюта в рамках Master Pianists Series в зале Concertgebouw в Амстердаме в феврале 2009 года А. Гаврилюк получил приглашение вновь выступить с сольным концертом в рамках той же серии в сезоне 2010–2011.

В ноябре 2009 года Александр исполнил и записал все фортепианные концерты Прокофьева с Сиднейским симфоническим оркестром под управлением Владимира Ашкенази.

В 2010 году Александр Гаврилюк трижды играл в Концертном зале им. П.И. Чайковского В мае 2013 года Александр дебютирует с оркестром романдской Швейцарии под управлением Неэме Ярви. В программе — все концерты для фортепиано с оркестром и Рапсодия на тему Паганини Рахманинова

По материалам сайта Московской филармонии

06/01/2014 - 14:59   Classic   Концерты
Великолепный филармонический концерт дали Московский камерный оркестр «Musica Viva» (художественный руководитель Александр Рудин) и Вокальный ансамбль «Intrada» (художественный руководитель Екатерина Антоненко) в Зале им. Чайковского.

Солистами были: Лора Бинон (сопрано, Бельгия), Анастасия Кикоть (сопрано, Большой театр), Виктория Яровая (альт, «Новая опера» ), Артём Сафронов (тенор, МАМТ им Станиславского и Немировича-Данченко), Константин Шушаков (баритон, Большой театр).

Звучали: «Magnificat» ре минор, BWV 243 Иоганна Себастьяна Баха и Симфония-кантата «Хвалебная песнь» (симфония № 2) си-бемоль мажор, ор. 52 Феликса Мендельсона-Бартольди.

Оба сочинения, особенно симфония Мендельсона, редко звучат на московских концертных площадках. «Madnificat» был включён в программу концерта по предложению ансамбля «Intrada». «Magnificat anima mea Dominum» («Величит душа моя Господа») – это слова пресвятой девы Марии в ответ на приветствие её родственницы праведной Елизаветы, у которой при приближении Богородицы ребёнок взыграл во чреве, и она воскликнула: «Благословенна ты между женами и благословен плод чрева Твоего!» Мальчик, которого родила Елизавета, стал Иоанном Предтечей, крестителем Иисуса. (Евангелие от Луки гл. 1, стихи 39–80).

Эти евангельские стихи входят в богослужение всех христианских деноминаций: католиков, православных, протестантов – И. С. Бах был, как известно, лютеранином. Лучшие добаховские «Magnificat» сочинили католики: Гийом Дюфаи, Жоскен Депре, Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Орландо ди Лассо, Генрих Шютц, Клаудио Монтеверди, Антонио Вивальди. В послебаховские времена на этот текст сочиняли Вольфганг Амадей Моцарт, Феликс Мендельсон, Ральф Воан-Вильямс, а также наши современники Кшиштоф Пендерецкий, Арво Пярт, Владимир Мартынов.

Протестанты ведут богослужения на родных языках, и Бах большинство своих духовных кантат и ораторий (Страстей) писал на немецком. На латыни им написаны мессы, в том числе и гениальная Месса си минор, первые две части которой Бах сочинил уже будучи кантором Томанер-кирхи (церкви св. Фомы) в Лейпциге, претендуя ещё и на звание придворного музыканта курфюрста Саксонского Августа III, который был католиком.

По традиции в Рождество это песнопение и у лютеран звучит на латыни. К евангельскому тексту добавляются слова: «Слава Отцу, и Сыну, и Святому духу!», которые являются своего рода финальной «Gloria», построенной на основе темы первой части, но с большим количеством украшений-юбиляций. Возникает как бы арка, соединяющая всё сочинение по форме в единое целое.

Лора Бинон
Лора Бинон

Исполнение баховского «Magnificat» получилось по всем статьям. Редкий случай: была подобрана ровная команда солистов, причём они были хороши как в сольных номерах, так и дуэтах и терцете. Лора Бинон кроме вокального образования получила ещё и инструментальное (даже побеждала на международных скрипичных конкурсах). Это дисциплинирует музыкальное мышление и воспитывает вкус. Её манера исполнения стала как бы камертоном, по которому настраивались российские солисты, у которых за плечами только оперный опыт, с другой методой подачи голоса. Можно констатировать, что в этом концерте им в значительной степени удалось совладать со своими голосами и звучать более-менее камерно.

Вокальный ансамбль «Intrada» ещё раз подтвердил своё вокальное мастерство в исполнении барочной музыки, безошибочность стиля и хороший вкус. Прекрасно звучал оркестр «Musica Viva».

Симфонию-кантату № 2 «Хвалебная песнь» объединяет с «Magnificat» общее состояние восторга и праздника. Она была написана Мендельсоном спустя 117 лет после «Magnificat» по заказу для празднования в Лейпциге 400-летия изобретения Иоганном Гуттенбергом печатной машины. Поскольку в первую очередь эти машины были предназначены для печатания лютеровского перевода Библии на немецкий язык, то не удивительно, что Мендельсон сам отобрал для текста фрагменты этого перевода, в частности из ветхозаветной Книги Исайи, некоторых псалмов и новозаветного Послания к римлянам Апостола Павла. Более того, премьера Второй симфонии Мендельсона состоялась в той же Томанер-кирхе, где много лет служил кантором Бах и впервые прозвучал его «Magnificat».

Эту симфонию Мендельсона я слушал впервые, и она понравилась мне более, чем я ожидал. Это интересная музыка, в которой меньше сентиментальности, чем мы привыкли слышать в его сочинениях. Радостная по сути, она более строга по форме.

Нельзя не отметить прекрасное исполнение этой симфонии. Здесь ярко проявился музыкальный (и в частности, дирижёрский) дар Александра Рудина. Он сумел собрать воедино солистов (Л. Бино, В. Яровую и А. Сафронова), хор и оркестр. Ансамбль получился практически безукоризненный.

И снова не могу не восхититься ансамблем «Intrada», прозвучавшим стилистически совершенно по-иному, чем в «Magnificat». И это, безусловно, заслуга его художественного руководителя Екатерины Антоненко. В лице этого ансамбля мы располагаем хоровым коллективом высочайшего класса, точного понимания стиля и вкуса. Для меня этот концерт стал одним из ярчайших впечатлений первой половины сезона 2013/2014 г.г. среди отечественных исполнителей.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»

СПРАВКИ:

Лора Бинон (сопрано, Бельгия) начала музыкальное образование как скрипачка. Она окончила Королевскую консерваторию в Брюсселе и стала лауреатом нескольких исполнительских конкурсов. Во время учебы в консерватории начала заниматься вокалом в классе Беатрис Дево, и по окончании консерватории за большие успехи была удостоена премии "Cardon". В 2008-2009 годах Лора Бинон училась в Высшей школе музыки в Барселоне (педагог — Маргарита Кодина де Нативидаде), а в 2011 году получила степень магистра в Амстердамской консерватории (педагог — Валери Гийорит).

Певица постоянно сотрудничает с ансамблями Il Fondamento, Collegium Vocale (Гент), Ictus, Spectra, с кем записала несколько альбомов и совершила гастрольные турне. Бинон выступала под управлением таких дирижёров, как Филипп Херревеге, Эрве Нике, Бо Холтен, Поль Домбрехт, Жоэль Леви и многими другими.

Среди её ангажементов — партия Барбарины в опере «Свадьба Фигаро» Моцарта с Фрайбургским барочным оркестром (дирижер Рене Якобс), участие в исполнении сочинения Drumming Стива Райха с ансамблем Ictus в европейских городах; участие в исполнении «Страстей по Матфею» Баха с оркестром Амстердамского Консертгебау и хором Нидердандского Баховского общества (дирижёр Йос ван Вельдховен) в городах Нидерландов. Л. Бинон также исполняет сольные партии в оратории «Семь последних слов Спасителя на кресте» Гайдна, Реквиеме Форе, «Песни любви» и «Новые песни любви» Брамса.

В сезоне 2013/2014 г.г. певица выступила на фестивалях в Страсбурге (Франция) и на острове Хирмонниког (Нидерланды), где участвовала в исполнении произведений «Дидона и Эней» Пёрселла (Белинда), «Лунный Пьеро» Шёнберга и «Сирены» Л. Франческони (с Брюссельским филармоническим оркестром, дирижёр М. Табачник). 

Значительное место в творческой деятельности певицы занимает камерная музыка. В 2011 году она выступила с сольной программой из песен Шуберта на Оксфордском песенном фестивале, в мае 2013 года — дала несколько сольных концертов в Англии. Кроме того, Лора Бинон является одним из основателей ансамбля "Revue Blanche" (арфа, флейта, скрипка и голос), с которым исполняет самые неординарные программы.

Анастасия Кикоть (сопрано) родилась в 1988 г. в Хабаровске в семье музыкантов. После окончания Хабаровского Государственного краевого колледжа искусств (педагог Э. Ким) поступила в Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Н. А. Римского-Корсакова (класс профессора И. П. Богачёвой). Участвовала в оперных постановках консерваторского Театра оперы и балета, спев партии Татьяны в опере «Евгений Онегин» и Иоланты в одноимённой опере Чайковского. Принимала участие в мастер-классах Владимира Чернова, Елены Образцовой, Любови Орфеновой, Ричарда Бадо, Семена Скигина, Евгения Нестеренко, Ленор Розенберг, Дианы Зола и многих других педагогов.

А. Кикоть — дипломант Всероссийского конкурса «Новые имена» в Ханты-Мансийске (2004) и Международного конкурса молодых исполнителей во Владивостоке (2005), лауреат Международного конкурса «Три века классического романса» в Санкт-Петербурге (II премия, 2010) и IV Международного конкурса молодых оперных артистов Г. Вишневской в Москве (II премия, 2012), дипломант международного конкурса Competizione dell`Opera в Минске (2012). В 2011-2013 годах Анастасия Кикоть — артистка Молодёжной оперной программы Большого театра России (художественный руководитель — профессор Дмитрий Вдовин).

На сцене Большого она дебютировала в 2012 году в партии Поли в опере П. И. Чайковского «Чародейка» (дирижёр Александр Лазарев, режиссёр - Александр Титель). В 2012 и 2013 годах А. Кикоть принимала участие в концертном исполнении опер «Друг Фриц» П. Масканьи (дирижёр Антонио Фольяни), «Соловей» И. Стравинского (дирижёр Мариус Стравинский) и «Свадьба Фигаро» В. А. Моцарта (дирижёр Василий Синайский) на сцене Концертного зала имени П. И. Чайковского в Москве.

С 2013 года Анастасия Кикоть — солистка Государственного академического Большого театра России.

Виктория Яровая (меццо-сопрано) окончила Музыкальное училище при Московской государственной консерватории имени Чайковского. В 2007–2008 гг. обучалась в Центре оперного пения Галины Вишневской. Участвовала в мастер-классах Риккардо Мути, Мауро Тромбетты, Мими Курци, Ирины Богачёвой.

В 2009 году стажировалась в Академии Россини (г. Пезаро, Италия), где участвовала в постановках опер Дж. Россини «Путешествие в Реймс» (Маркиза Мелибея) и «Севильский цирюльник» (Розина) под руководством маэстро Альберто Дзедды. При поддержке Фонда «Перголези — Спонтини» исполнила партию Розины в различных оперных театрах Италии. В 2009 году Виктория Яровая дебютировала на сцене Московского музыкального театра «Новая Опера» имени Е. Колобова в партии Дуняши («Царская невеста» Н. Римского-Корсакова). В настоящее время является солисткой «Новой оперы».

Виктория Яровая — участница престижных оперных фестивалей имени Россини в Италии и Глайндборнского в Великобритании; обладательница специальной премии Мерседес Виньянс 50-го юбилейного Международного вокального конкурса имени Франсиско Виньяса (Барселона, 2013).Певица работала с такими дирижёрами, как Джампаоло Бизанти, Джеймс Гаффиган, Альберто Дзедда, сэр Эндрю Дэвис, Энрике Маццола, Трисдее На Паталунг, Кирилл Петренко, Коррадо Роварис, Геннадий Рождественский, Василий Синайский. Гастролировала в Австрии, Великобритании, Италии.

Артём Сафронов (тенор) родился в 1987 году в Риге. В 2009 году окончил Российскую академию музыки имени Гнесиных (класс профессора К. П. Лисовского). В настоящий момент — аспирант Московской государственной консерватории имени Чайковского в классе профессора Зураба Соткилавы. С февраля 2011 года — солист-стажёр Московского академического Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко. Пел партию Ленского в спектакле Оперной студии РАМ имени Гнесиных. В 2004 году завоевал Гран-При на конкурсе «Русская культура в Латвии» в номинации «вокал». В 2009 году стал лауреатом молодёжного Фестиваля камерной вокальной музыки имени Надежды Юреневой (Москва).

Константин Шушаков (баритон) родился в 1984 году в Удмуртской Республике. В 2002 году поступил в Ижевское музыкальное училище по классу академического вокала. После двух курсов училища в 2004 году поступил в РАТИ (ГИТИС) на факультет музыкального театра в класс Г. П. Ансимова (класс вокала Ю. С. Удалова). Закончил академию в 2009 году.

С октября 2009 года по июль 2011 года — артист Молодёжной оперной программы Большого театра. Здесь дебютировал в партии Шонара («Богема» Пуччини) под управлением Антонелло Аллеманди. Вместе с другими участниками Молодёжной программы выступал с концертами в Вашингтоне в 2010 г. 

В 2010 году К. Шушаков принял участие в концертных исполнениях опер Ш. Гуно «Ромео и Джульетта» и Ж. Оффенбаха «Сказки Гофмана» на сцене Концертного зала им. Чайковского. В сентябре принял участие в III Левитановском музыкальном фестивале в Плёсе (художественный руководитель – Алексей Гориболь); в декабре того же года участвовал в исполнении Большой мессы до минор Моцарта с оркестром «Musica Viva» п/у А. Рудина в Московском международном Доме музыки. 

В 2011 года исполнил партию Данкайра в опере «Кармен» Жоржа Бизе на сцене Большого театра, принял участие в концерте Российского национального оркестра под управлением Михаила Плетнёва, исполнив соло в Немецком реквиеме Йоганнеса Брамса, а также сольную партию в «Stabat Mater» Йозефа Гайдна с оркестром «Musica Viva» под управлением А. Рудина.  К. Шушаков стажировался в Молодёжной программе в Вашингтонской Национальной опере. В 2011 году Константин стал лауреатом V премии и Приза муниципалитета Брюсселя на Международном конкурсе королевы Елизаветы в Брюсселе и принял участие в концертах лауреатов в различных городах Бельгии; лауреатом II премии Международного конкурса вокалистов Operalia, прошедшем в Москве по инициативе Пласидо Доминго.

В сезоне 2011/12 Константин дебютировал в Большом театре России в партиях Папагено («Волшебная флейта» Моцарта, дирижёр Кристофер Мулдс), Щелкалова («Борис Годунов» Мусоргского, дирижёр Василий Синайский) и Панталона («Любовь к трём апельсинам» Прокофьева, дирижёр Алан Бурибаев). В мае 2012 года впервые спел в Большом театре партию Елецкого в спектакле «Пиковая дама» Чайковского под управлением Василия Синайского. В том же году К. Шушаков исполнил партию баритона в Реквиеме Форе с Государственным академическим симфоническим оркестром России им. Светланова под управлением Яна Паскаля Тортелье. С сентября 2012 года Константин Шушаков – солист Большого театра России.

По материалам сайта Московской филармонии

Быстрый поиск:
26/12/2013 - 11:56   Classic   Концерты
Концерт, посвященный тридцатипятилетию творческой деятельности Пааты Бурчуладзе – одного из самых известных и востребованных басов в мире, состоялся 19 декабря 2013 года в Большом зале Московской консерватории.

Концерт был организован «Современным театром антрепризы».

Отсчёт своей творческой деятельности Паата Бурчуладзе ведёт от первого выступления на сцене Тбилисского театре оперы и балета им. Захария Палиашвили в 1978 году в опере Отара Тактакишвили «Похищение Луны».

Паата Бурчуладзе
Паата Бурчуладзе

В БЗК 19 декабря Паатой Бурчуладзе была исполнена труднейшая камерная программа, состоявшая из романсов Сергея Рахманинова и вокального цикла Модеста Мусоргского «Песни и пляски смерти». Партию фортепиано исполняла Людмила Ильинична Иванова, выступающая с певцом 32 года. Около 20 лет в Москве не слышали П. Бурчуладзе в камерном репертуаре. `Месяцем ранее, 20 ноября, этот юбилей Бурчуладзе отметил концертом на исторической сцене Большого театра, в котором спел оперную программу.

В первом отделении концерта в БЗК прозвучали тринадцать романсов, исполненных подряд, без отдыха. Программа была сформирована очень интересно. Тут были пять очень известных романсов: «Христос воскрес! Поют во храме», «Судьба», «Отрывок из Мюссе», «В молчаньи ночи тайной» и «О нет, молю, не уходи!». Остальные восемь известны мало и исполняются крайне редко: «Проходит всё», «Всё отнял у меня казнящий Бог!», «У врат обители святой», «Утро», «Над свежей могилой», «Пора», «Я не пророк», а романс «Икалось ли тебе, Наташа» на слова П. Вяземского я вообще услышал впервые.

Романсы Рахманинова – очень коварны. Они провоцируют певцов на открытые эмоции, на злоупотребление forte – для крупного оперного голоса это сильнейшее искушение! Бурчуладзе с его огромным голосом это искушение преодолел безупречно. Его forte было наполненным, но при этом очень красивым и мягким. Певец мастерски владеет формой. Он держит внимание и в длинных романсах, например, в «Судьбе» на слова А. Апухтина, и великолепен в психологичной и философской миниатюре на стихи Ф. Тютчева «Всё отнял у меня казнящий Бог!», где в четырёх стихотворных строках отражает всю бездну человеческого отчаяния и одновременно глубину веры – квинтэссенцию ветхозаветной книги Иова. В мрачных тонах прозвучали романсы на стихи С. Надсона «Над свежей могилой» и «Пора».

А в романсе на стихи П. Вяземского «Икалось ли тебе, Наташа» певец был тонко ироничен и игрив. Он смог быть и остро сатиричным в исполненных на бис романсе «Козёл» на собственные стихи Мусоргского и в его же хрестоматийной «Блохе» (на стихи Гёте из «Фауста», переложении Струговщиковым песенки Мефистофеля), ставшей колоритной точкой всего концерта.

Если в первом отделении при большом желании ещё можно было выискать у певца кое-какие мелкие вокальные «блохи» на piano, то «Песни и пляски смерти» Модеста Мусоргского на стихи Александра Голенищева-Кутузова безоговорочно покорили всех! Это был высший класс и вокала, и смысла, и драматизма. Бурчуладзе целенаправленно вёл цикл к его кульминации в «Полководце» – вероятно, самом ярком, блистательном и убедительном в истории музыки антимилитаристском и даже пацифистском сочинении.

В обрамлении двух сатир Паата Бурчуладзе на бис исполнил сцену смерти царя Бориса из оперы Мусоргского «Борис Годунов». И вокально, и драматически эта сцена стала второй кульминацией концерта наряду с «Полководцем». Певец явил нам трагедийную сцену шекспировского масштаба и размаха. Он создал грандиозный многоплановый образ. С одной стороны – Борис даже на пороге смерти остаётся царём, пекущимся о благе государства, пытающимся передать наследнику сыну основы государственной политики. С другой – он кающийся грешник, готовый принять схиму, осознающий всю тяжесть греха, под знаком которого прошло его царствование, и всё же надеющийся на милосердие Божие. Эта сцена незабываема!

Особо надо сказать о Людмиле Ильиничне Ивановой – концертмейстере П. Бурчуладзе. Буду прям: она произвела на меня не менее сильное впечатление, чем сам певец, да не обидится он на меня за такие слова. За свой многодесятилетний опыт слушания музыки я крайне редко встречал концертмейстеров такого потрясающего уровня. Роль Людмилы Ильиничны и в успехе этого концерта, и в судьбе и успехах Бурчуладзе невозможно переоценить. Для любого, самого талантливого певца (да и инструменталиста тоже) иметь такого концертмейстера – великое счастье. И Паата это понимает. Он отзывается о своём концертмейстере с огромным уважением и пиететом. Л. Иванова аккомпанировала с необыкновенным тактом, потрясающим туше и фразировкой. Ни разу, ни единой нотой, даже в проигрышах, она не «тянула одеяло на себя»! Всё было подчинено одной общей задаче: созданию музыкального образа. И удалось ей это блестяще. Низкий вам поклон, Людмила Ильинична!

С болью наблюдал я в зале зияющее отсутствие представителей музыкальной прессы. Воистину, нет пророка в своём отечестве. Можно подумать, что в Москве переизбыток басов такого уровня мировой известности и такого качества, как Паата Бурчуладзе.

Но нам – тем, кто имел счастье быть в БЗК и слушать этот концерт, он запомнится навсегда.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»

СПРАВКА

Паата Бурчуладзе – один из самых известных и востребованных басов последней четверти ХХ – начала XXI века – родился в Тбилиси в 1955 году в семье учительницы английского языка и профессора политехнического института. По окончании школы поступил одновременно в Тбилисскую консерваторию (класс Олимпия Хелашвили) и в Политехнический институт. В ходе обучения сделал окончательный выбор в пользу музыки.

По окончании Тбилисской консерватории Паата стажировался в Одесской консерватории, где его учителем был Евгений Иванов, воспитавший огромную плеяду певцов – лауреатов международных конкурсов. Стажировался также в школе усовершенствования при театре «Ла Скала» у Эдоардо Мюллера и Джульетты Симионато.

В 1981 году победил на международном конкурсе вокалистов в Буссето, на родине Дж. Верди. В 1982 году получил золотую медаль на VII Международном конкурсе имени П. И. Чайковского в Москве. В 1985 г. стал победителем Международного конкурса Лучано Паваротти. 

На оперной сцене дебютировал в 1978 году в Тбилисском театре оперы и балета им. З. Палиашвили в опере О. Тактакишвили «Похищение Луны». За границей Бурчуладзе дебютировал в 1984 году в Ковент Гарден в партии Рамфиса («Аида» Дж. Верди, дирижёр Зубин Мета, среди партнёров – Катя Ричарелли и Лучано Паваротти).

В 1987 г. по приглашению Герберта фон Караяна спел партию Командора («Дон Жуан» В. А. Моцарта) на Зальцбургском фестивале. Под управлением Герберта фон Караяна также участвовал в исполнении Реквиемов Верди и Моцарта.

Пел на сценах крупнейших театров мира, среди которых Ла Скала, Венская штаатс-опера, Гамбургская государственная опера, Парижская национальная опера, Опера Сан-Франциско, Вашингтонская национальная опера, Метрополитен-опера, Ковент Гарден, Немецкая опера в Берлине, Опера Монте-Карло, Опера Цюриха, Новый национальный театр Токио. В 2012 г. П. Бурчуладзе исполнил партию Бориса Годунова в Большом театре России. В 2013 г. принял участие в постановке оперы «Князь Игорь» А. Бородина, исполнив партию Кончака (дирижер Василий Синайский, режиссёр Юрий Любимов).

Бурчуладзе известен также как камерный певец. Выступал на таких площадках, как Ла Скала, Музикферайн и Концертхаус (Вена), Ковент Гарден, Немецкая опера в Берлине, Баварская государственная опера, Штутгартская опера, Тонхалле (Цюрих), Ла Моннэ, Опера Бастилия, концертный зал Гаво (Париж), Дворец музыки в Барселоне,

В 1998 г. Паата Бурчуладзе был удостоен звания каммерзингера Штутгартской оперы. Президент Италии наградил его званием Commendatore. Является послом доброй воли ООН и ЮНИСЕФ. 

В Грузии Паата Бурчуладзе организовал благотворительный фонд помощи детям-сиротам. Сейчас практически каждый месяц бывает на родине. Разговаривает на английском, русском, грузинском, итальянском и немецком языках, но относит себя к русской вокальной школе, к русской классической музыке.

У певца есть три сына. Жена Пааты Бурчуладзе – Анжела, медик по образованию, всегда сопровождает мужа и поддерживает на концертах.

Справка составлена по материалам сайтов Большого театра России, Радио «Орфей» и «Современная опера».

23/12/2013 - 14:32   Classic   Концерты
С разрывом менее двух недель дал два сольных концерта в Москве молодой пианист (род. 1987 г.) Андрей Гугнин. Первый состоялся в Большом зале консерватории 3 декабря, а второй – 14 декабря 2013 г. в Камерном зале Московской филармонии.

В программе концерта в БЗК, который назвали «Великие фортепианные сонаты», были четыре самые популярные сонаты Бетховена: № 8 «Патетическая», № 21 «Аврора», № 14 «Лунная» и № 23 «Appassionata» (в порядке исполнения).

Чтобы заявить такую программу, надо обладать или большой смелостью, или некоторой долей безрассудства, но безрассудства молодости. Можно предположить, что в случае с Гугниным это последний вариант.

Андрей Гугнин
Андрей Гугнин

Получив вторую премию на бетховенском конкурсе в Вене, Гугнин решился идти ва-банк: или триумф, или провал. Такая программа априори гарантировала аншлаг, что сегодня в БЗК не так уж часто случается. И одновременно она могла вызвать неприятие у многих критиков, большинство из которых имеет свои, устоявшиеся взгляды на интерпретацию этих, назовем вещи своими именами, классических шлягеров.

В целом надежды оправдались – триумф был несомненный, несмотря на ряд замечаний, вызванных его интерпретациями.

Первые аккорды «Патетической» прозвучали несколько тяжеловато и неуверенно – скорее всего, это было вызвано вполне естественным волнением перед прославленной сценой. Причём это не то волнение, что волнение конкурсное, даже на этой сцене. Сейчас от тебя ждут художественного результата, а не способа пройти на следующий тур конкурса. Тут уже идёт так называемый гамбургский счёт!

Позже сам Андрей подтвердил, что в начале концерта действительно очень волновался. Между аккордами повисали неоправданные по длине паузы, рояль звучал как-то вяло, бесцветно. На протяжении всей первой части «Патетической» пианист просто собирал себя, как говорится, по частям.

Но неуместные аплодисменты после первой части не сбили настрой, как это часто бывает в таких случаях, а наоборот — взбодрили молодого пианиста и помогли мобилизоваться. Уже вторая и третья части «Патетической» прозвучали интересно, в убедительных темпах. (Хотя убедительность – вещь весьма субъективная. Один и тот же темп может показаться убедительным у одного музыканта, и совершенно неоправданным у другого. Рационально объяснить эту разницу в восприятии я не берусь. Это уже будет попыткой пересказать музыку, что в принципе невозможно.)

В «Авроре» для меня слишком «загнанной» показалась третья часть Rondo. Allegretto moderato, хотя в ней и указан темп prestissimo.

Многие современные молодые и даже вполне зрелые пианисты не совсем понимают, что обозначения темпов в начале XIX века имели иное наполнение, чем сегодня. Насколько мне известно, presto или prestissimo звучали примерно как сегодняшнее allegro vivace. Понимаю, что темпы современной жизни существенно выше, чем в начале XIX века, и залы нынче поболе, но и понятия стиля и вкуса ещё никто не отменял. И олимпийские игры с их лозунгом «дальше, выше, быстрее» не стоит брать примером для музыки и культивировать принципы «быстрее, громче, помпезнее», которые, к сожалению, востребованы большинством современной полуобразованной публики, аплодирующей в паузах между частями произведений.

Примерно такая же ситуация, что и в «Авроре», случилась у Гугнина в «Лунной»: две первых части были исполнены замечательно, в нормальных темпах и динамике, но в третьей части Presto agitato он сразу погнал с огромной скоростью. Контраст с первыми частями уж слишком резкий. Хотя я знаю и отнюдь не современное исполнение этой сонаты Вальтером Гизекингом, записанным на виниле, в котором контраст примерно такой же: замечательно исполнены Adagio sostenuto и Allegretto и запредельно быстро Presto agitato. Такой сверхстремительный финал и в трактовке В. Гизекинга, и в интерпретации Гугнина снизили общее впечатление от «Лунной» сонаты.

Наиболее гармоничным, на мой взгляд, получилось у Гугнина исполнение сонаты «Appassionata». Действительно страстное, но в рамках хорошего вкуса. И все темпы меня устроили.

Зал принял исполнение Андреем Гугниным бетховенских сонат очень тепло – овации после «Appassionata» были громовыми и долгими. На бис пианист исполнил первую прелюдию до мажор из первого тома «Хорошо темперированного клавира» И. С. Баха, BWV 846.

Несмотря на высказанные темповые претензии, концерт Андрея Гугнина с четырьмя самыми популярными бетховенскими сонатами можно назвать большой удачей молодого пианиста. Ему удалось стереть с них хрестоматийный гламурный глянец и исполнить их необыкновенно свежо, без претензий на излишнее мудрствование – он не стремился показаться взрослее, чем он есть. Такая непосредственность дорогого стоит.

Андрей Гугнин
Андрей Гугнин

Концерт Андрея Гугнина в Камерном зале Московской филармонии 14 декабря подтвердил, что в его лице мы имеем весьма незаурядного музыканта. Концерт прошёл в рамках филармонического абонемента №144: «Взгляд в будущее. Великие композиторы XVIII–XX вв».

Первое отделение было составлено из произведений Мориса Равеля. В него вошли Сонатина и фортепианный цикл «Отражения». Их исполнение А. Гугниным я иначе как почти безупречным назвать не могу. Прекрасное мягкое туше, красивый звук, тонкие оттенки, чувство меры в педали. Хотя хотелось бы услышать немного большее разнообразие красок в «Отражениях».

Второе отделение началось со знакомства с сочинениями никому доселе у нас не известного хорватского композитора греческого происхождения Бориса Папандопуло (1906–1991). А. Гугнин исполнил восемь этюдов этого автора. С его творчеством пианист познакомился в Загребе, после получения второй премии на конкурсе. Из кипы нот, которые ему подарили, Андрей выбрал эти этюды. Музыка их неплоха, но, на мой взгляд, довольно вторична. При этом она позволяет солисту продемонстрировать свои виртуозные и силовые данные. Если в Равеле Гугнин не выходил за рамки mezzo-forte, то в этюдах Папандопуло Гугнин показал, что его арсенале есть звучное и красивое форте.

Интересен оказался переход от этюдов Папандопуло к Седьмой сонате Прокофьева. В последнем этюде я услышал очевидные, хоть и отдалённые, реминисценции с первой темой сонаты. Если не напрямую, то с прокофьевской фортепианной интонацией… Не знаю, был ли Папандопуло знаком непосредственно с Седьмой сонатой Прокофьева (хотя по возрасту вполне мог), и была ли эта ассоциация сознательна – или это проявление общей атмосферы того времени. Но то, что этот этюд прозвучал непосредственно перед Седьмой сонатой, вряд ли было случайностью.

Сама соната прозвучала у Гугнина нестандартно. Он ушёл от тотальной, жёсткой токкатности крайних частей, сохранив их общий характер. Механистический ритм внутреннего метронома обрёл некое живое дыхание с присущими ему небольшими ритмическими сбоями. Этот нестандартный подход, тем не менее, был для меня весьма убедителен. В конечном счёте, именно убедительность интерпретации является конечной целью любого исполнения.

На бис А. Гугнин исполнил прелюдию № 6 фа минор Сергея Рахманинова из ор. 32. (Отмечу в скобках одну деталь. Гугнин – один из первых пианистов, сыгравших на новом прекрасном рояле Steinway, наконец-то установленном на сцене Камерного зала Московской филармонии. Естественно, рояль ещё не «обыгран», что представляет для пианистов проблемы из-за некоторой жёсткости клавиатуры. Этот недостаток преходящ. А вот для более ровного звучания инструмента необходима не просто его настройка, а регулировка клавиатуры. У данного инструмента регулировку требуют верхние регистры. Мало кто мог бы это сделать лучше, чем легендарный Евгений Артамонов. Я был свидетелем рукотворного чуда, которое он совершил со Steinway Большого зала Санкт-Петербургской филармонии при подготовке рояля для клавирабенда великого пианиста Григория Соколова, и именно в верхнем регистре. В первый день репетиций рояль на верхах звучал не лучшим образом. Расслышал это даже я, не говоря уже о Соколове, для которого качество инструмента, его настройка и регулировка играют колоссальную роль. Готовить рояль для единственного ежегодного клавирабенда Григория Соколова в Питер приезжает Евгений Артамонов. Он несколько часов поколдовал над инструментом – и рояль как будто подменили. К приходу Григория Липмановича он зазвучал великолепно, удовлетворяя всем требованиям маэстро.)

По моему мнению, оба клавирабенда Андрея Гугнина стали яркими и запоминающимися событиями сезона 2013–2014 гг. даже на фоне блестящей плеяды молодых пианистов, выступающих в этом сезоне на концертных площадках столицы.

Владимир ОЙВИН, «Новости музыки NEWSmuz.com»

СПРАВКА

Андрей Гугнин родился 5 марта 1987 года. Окончил Московскую консерваторию по классу профессора В. В. Горностаевой, у которой затем прошёл стажировку в аспирантуре. В разное время его педагогами также были: Н. Б. Смирнова, О. Е. Мечетина, профессора В. В. Кастельский, Л. Н. Наумов, А. З. Бондурянский.

В юные годы Андрей неоднократно завоевывал награды на различных конкурсах и смотрах. В период с 1997 по 2000 год он стал лауреатом телевизионного конкурса «Юные музыканты Москвы», Международного детского конкурса-фестиваля «Олимпиада Муз», V Московского международного фестиваля юных солистов, победителем Московского международного Фестиваля молодых пианистов имени Г. Г. Нейгауза, I Всероссийского открытого конкурса юных музыкантов «Новые имена» и I Губернаторского международного конкурса пианистов в Саратове. В дальнейшем к его наградам добавились призы международных конкурсов пианистов: Allegro vivo в Сан-Марино (Италия, 2008), Citta di Cantu (Италия, 2009, Первая премия), имени Светислава Станчича в Загребе (Хорватия, 2011, Вторая премия и два специальных приза), имени Л. ван Бетховена в Вене (Австрия, 2013, Вторая премия). В 2012 году Андрей Гугнин номинировался на German Piano Award.

В 2003-2010 годах он был стипендиатом Международного Фонда культурного обмена Константина Орбеляна и Наума Гузика. С Государственным академическим камерным оркестром России под управлением К. Орбеляна он неоднократно выступал, а также записал компакт-диск с двумя фортепианными концертами Шостаковича (Delos International, 2007). Его выступления были записаны также на телевидении и радио России, Нидерландов, Хорватии, Австрии и Швейцарии. Концерты Андрея Гугнина проходили в России, Германии, Англии, Шотландии, на Бермудах, в Италии, Таиланде, Японии, Франции, Австрии, Сан-Марино, Швейцарии, Израиле, Хорватии, Сербии, Македонии, Нидерландах и США, на таких престижных площадках, как Концертный зал имени Чайковского, Московский международный Дом музыки, зал Лувра (Париж), Театр им. Верди (Триест, Италия), Оперный театр Загреба, Зал В. Лисинского (Загреб), Золотой зал Музикферайна (Вена), Тайский культурный центр (Таиланд) и другие.

Он выступал с Государственным академическим симфоническим оркестром России имени Е. Ф. Светланова, оркестром Государственной академической капеллы Санкт-Петербурга, Голландским национальным оркестром, Зальцбургской камератой, Хорватским оркестром радио и телевидения, симфоническим оркестром Бангкока (Таиланд), симфоническим оркестром Воеводины (Сербия), оркестром Раанана симфониетта (Израиль), Московским государственным академическим симфоническим оркестром п/у П. Когана, с дирижёрами: Константин Орбелян, Стефан Фраас, Луи Лангри, Хуан Карлос Ломонако, Младен Тарбук, Димитрис Ботинис, Михаил Леонтьев и другие.

Участник фестивалей: «Музыкальный Олимп», «Арт-ноябрь», Ars-longa, Vivacello, в Брешии (Италия), Абердине (Шотландия), Бермудского фестиваля исполнительских искусств, летних фестивалей в Охриде (Македония) и Загребе (Хорватия) и других.

В декабре 2013 года состоялся сольный дебют Андрея Гугнина в Большом зале Московской консерватории с программой из сонат Бетховена.

Андрей много времени уделяет камерному музицированию, его партнерами по ансамблю становились многие видные молодые музыканты: Борис Андрианов, Рустам Комачков, Елена Ревич, Евгений Румянцев, Илья Гайсин, Артур Назиуллин, Гайк Казазян, Сергей Полтавский, Андрей Коробейников и другие.

В 2007 году Андрей Гугнин и Вадим Холоденко создали фортепианный дуэт под названием iDuo. В 2008 году дуэт стал обладателем II премии на конкурсе в Сан-Марино, одном из наиболее престижных конкурсов фортепианных ансамблей. В 2010 году дуэтом был записан диск на фирме Delos.

Московская государственная филармония

Страницы