25-летие «Любэ» отмечали 23 февраля, как водится. К этой дате вышел новый альбом — возможно, самый противоречивый в обильной дискографии «Любэ».
CD. ПЦ Игоря Матвиенко, 2015.
Жанр: поп-рок, русский шансон, кроссовер.
Еще до выхода релиза Игорь Матвиенко предупреждал, что половину альбома составят задушевные песни, а другую — плакатно-патриотические. Матвиенко не стал стесняться слова «плакатность», и это делает ему честь. Он честен сам с собой. Изначально «Любэ» ведь и задумывался как шуточный ура-патриотический проект с долей задушевности. Однако время внесло свои коррективы — множество военного и чиновного люда на голубом глазу принялись ставить «Любэ» рядом с Газмановым на одну полочку. Продюсер отреагировал на вкусы новой «элиты» — очень скоро Расторгуев превратился в милитари-бренд с галифе, гимнастерками, красными звездами и непременным выходом каких-нибудь голубых беретов.
«Любэ» оставалось при этом весьма симпатичной группой благодаря невероятной харизме Николая Расторгуева, нашедшего собственную исповедальную интонацию и никогда не давившего на пафос даже в этой абсурдной с точки зрения любого рокера ситуации (и Расторгуев, и Матвиенко — из генерации крепких советских ВИА). Матвиенко писал для группы как обычную лирику, так и иронические боевики, - но интонации Расторгуева все превращали в ностальгирующий, чуть усталый мейнстрим. «Конь» и вовсе стал нетленкой для всех страт общества.
«Любэ» - «За тебя, Родина-мать!»
Юбилейный альбом мог бы стать простой копией прошлогоднего концерта в «Олимпийском». Но не стал. Потому что Матвиенко решил показать статус «Любэ», а для этой цели офицеров группы «Альфа» явно маловато. Другое дело — Академический ансамбль имени Александрова, Большой хор «Мастера хорового пения», оркестр Moscow Media Orchestra и Молодежный камерный оркестр разом. Знай, дескать, наших! И именитых эстрадных звезд до кучи — Ая («Город 312»), «Корни», Шарип Умханов из шоу «Голос», «In2nation», трубач Вадим Эйленкриг, гитаристы Юрий Цалер и Николай Девлет-Кильдеев... И ди-джей на гарнир.
Получилось не очень хорошо. Оркестры и хоры мигом разрушили всю задушевность дотла. «Гимн Родине» своим сталинистским хоровым пафосом и барабанной дробью настолько задавил и Расторгуева, и присоединившегося к нему Умханова, что их недооперный вокал стал казаться откровенно издевательским и карикатурным. Такой откровенности Матвиенко явно не планировал, хотя явно подразумевал некую двусмысленность «для своих».
«Сталинград», отсылающий к аранжировкам одновременно Depeche Mode и Би-2 (тут-то Цалер и пригодился), тоже саморазрушающаяся конструкция. Чем надрывнее и суровее поют Ая и Расторгуев, тем более комический эффект от контраста с аранжировкой вырисовывается. К строчке «Не пытайтесь лезть с войной на Россию никогда, никогда!» абсурд достигает апофеоза. Чудится Dave Gahan, нахмуривший брови и грозящий лимонкой с обложки Шуре Би-2. Или наоборот.
Там же, где «Любэ» обходится старыми добрыми средствами — патентованной задушевностью Расторгуева и незамысловатым саундом музыкантов (их звания не поленились перечислить в буклете!), магия «Любэ» работает на все 100%. В треке «За тебя, Родина-мать!» рядом со скандированием «И за страну трижды ура!» в ритме вальса даже строчка «этот ветер свободы» не кажется хитро продуманной крамолой.
Трек «За бортом» доказывает, что бэк-вокалисты «Любэ» вполне справляются с необходимой вкрадчивостью и добродушным прищуром даже без самого Расторгуева, а труба джазовой звезды Вадима Эйленкрига умеет воспроизводить то же самое средствами собственно инструмента. Штатный баянист Виталий Локтев все никак не научится делать это сам.
Песня «Долго» склеена Матвиенко из вежливого парафраза заставки к старой телепередаче «В мире животных» аргентинца Рамиреса и оркестра Поля Мориа, а заодно менее деликатного автоцитирования «Рыбки» от «Фабрики», - но и тут Расторгуев вытягивает романс на должные высоты. Совсем новые «Якоря» вряд ли станут хитом, но пропитанность светло-романтичным духом 60-х дорогого стоит.
Альбом расползается на треки, уж слишком из разного теста он слеплен. Как юбилейный грандиозный альбом — это провал. А вот как новый альбом «Любэ» (выкинув из него все помпезности) — крепок и даже разносторонен.
Для юбилейного настроя вполне хватило бы бонусного mash-up от ди-джея Иванова, превратившего «Не валяй дурака, Америка» в издевательский диско-хаус сугубо американского розлива.
Татьяна Калмыкова и Сергей Старостин — представлять их не надо. Для этно-музыки в России они сделали больше, чем Madness – для британского рока, например.
Проект «Живая Земля» возник пять лет назад как некая супер-группа из весьма именитых этно-музыкантов. Генератор проекта — Татьяна Калмыкова. Она ученица Дмитрия Покровского, она стала известна в составе «Оле Лукойе», затем создала широко известный в узких кругах проект SWA, организовала несколько фестивалей, пела в саундтреках к спектаклю Любимова и фильму «Раскол» (музыка Владимира Мартынова). А с 2010 года работает проект «Живая Земля», вобравший огромное количество именитых этно-музыкантов, в том числе Сергея Старостина, Александра Жихарева, Андрея Танзю, Кирилла Ошерова и других.
«Живая Земля» - The Living Earth
Одноименный альбом, который записывался три года, получился масштабным и концептуальным, как динозавр. Такой тщательности в оттачивании малейших нюансов сейчас редко встретишь. Pink Floyd российской world-music – не меньше. Причем вся эта смесь северных славянских напевов, ведичества и язычества замешана на высочайшего класса импровизации — когда бескомпромиссный трансовый настрой Калмыковой облекается в невероятной красоты тягучие формы и вспышки инструментального эго солистов. Это интересно слушать, потому что интересно слушать.
Калмыкова подыгрывает себе на гудке с жильными или порою волосяными струнами, Старостин на жалейке и свирели ввонзается и выворачивает все к психоделии. Жихарев аккуратно оттеняет все звоном пластинчатых бил. Вадим Батура на иранском сантуре, аналоге цимбал, выстраивает футуристические (в контексте архаичного вокала) звуковые картинки, а Танзю обрамляет это многонациональной перкуссией — уводя прежде всего в индийскую традицию.
И все это в семи 9-12-минутных композициях, выстроенных буквально по симфоническому принципу. Массового слушателя эти композиции явно не услышат, но для него и не предназначены. Это можно сравнить с эффектами «По морю» - большинство древнерусских сказителей моря и не видели никогда в жизни, а «Живая Земля» настаивает на реалистичности, и в композицию принципиально встраивает звук морских волн. Калмыкова лишает свой голос любой психологичности, и использует только дистилированные сказительные интонации даже в любовных песнях, - это тоже принцип. Иногда с этим почти невозможно согласиться, но - «уважать себя заставил и лучше выдумать не мог».
У «Живой Земли» есть принципиальная черта, отличающая ее от многих других проектов world-music (даже сольных проектов участников этого проекта) — тотальная вневременность. Ну, невозможно приписать этот альбом ни к одному из жанров — хоть инди-тронике, хоть этно-прогрессиву, хоть фолк-року. Не получится. И к конкретному десятилетию — тоже не получится. Скорее, это грандиозная попытка перенести симфоническое мышление в сферу широкого world. Пусть до симфонии дотянуть не вышло, но размах изобразительных средств и изобретательность музыкантов ставит The Living Earth в ряд лучших альбомов world нашего времени.
Отдельно стоит отметить редчайшую для Старостина ненавязчивость — он сумел не довлеть над своими коллегами, что дорогого стоит для мэтра. Татьяна Калмыкова сделала абсолютно цельную запись выдающегося качества, к которой в рамках концепции абсолютно невозможно найти ни единого слабого звена. Именно поэтому — абсолютно редчайшая оценка альбома.
Интереснее всего в нем сама история. В 1996 году «Старый приятель» уже выпустил альбом «Не плачь!» с суперхитами «Новый день календаря», «Не плачь» и «Московская любовь» (они по сей день визитные карточки группы). Пошли концерты, казино, пресс-конференции, внимание самой Аллы Пугачевой. А в 1997 году тот самый первый состав принялся записывать второй альбом. Писали на студии Дениса Родионова, но итоговый результат не понравился, выпускать его не стали. Разве что «Час луны» вошел в следующий альбом «Новый день календаря. The Best», по сути сборник лучших песен за период 1996-2002. Потом было забвение, громкий камбэк, феерическая «Паринама» (2013)... А в 2014 году позвонила администратор студии Родионова и сообщила, что тот умер, а на студии сохранились две многодорожечные бобины, которые почему-то не стерты.
«Старый приятель» - «Девяносто седьмой»
Стоило ли цифровать те бобины, привлекать на микширование Антона Якомульского, на мастеринг Бориса Истомина, отменных профи? Лучше задать другой вопрос: знал ли хоть один отъявленный фанат «Старого приятеля» о существовании записанного альбома 1997 года? Уверен, что нет. Сама группа не заморачивается даже с минимальным информированием о своей богатой истории. Тогда релиз не вышел, а теперь - вышел. 1997 год, напомним, это тогда, когда для битломанской общественности главным событием стал распад бит-квартета «Секрет» и приход в «Браво» бледного Ленца вместо Агузаровой и Сюткина (что не помешало выпуску гениального альбома «На перекрестках весны»).
После «Паринамы» альбом 97 года кажется музицированием отчаянной самодеятельности, влюбленной в виниловый звук синглов фирмы «Мелодии» группы Beatles под названием «ВИА, авторы песен Дж.Леннон и П.Маккартни». Даже «вечер трудного дня» мелькает в «Колыбельной». Собственно, на виниле этот альбом и должен был выйти.
Уже было фирменное многоголосие «Старого приятеля», была отменная мелодика Александра Зарецкого, - но паззлы все равно не складывались в хиты. Главный потенциальный хит альбома - «Река», но... она уже вышла в альбоме «Планета +» (2010)! И сыграна, и спета в нем гораздо лучше.
Сейчас песни «Девяносто седьмого» слушаются как документы эпохи. «Возлюбленная» остро колет гитарным соло в духе раннего Андрея Макаревича (не теряя романтичной надрывности и мелодичности, за которые любят Зарецкого). «Имя твое» отсылает к латино «Квартала», изящно выруливая к полутонам именно «Старого приятеля». «Час луны» наследует и «Браво», и собственному «Новому дню календаря», уступая разве бронебойностью. Слайдовые риффы «Города» столь оптимистичны, что сегодня кажутся почти ирреальным ретро 60-х. Есть чистый наивный рок-н-ролл «Истории нашей любви» или «С тобой или без тебя» и т. д. и т. д.
Интереснее разбирать, отчего те песни, уже звуча на концертах, не стали общенародными шлягерами а-ля «Браво». Выскажу гипотезу. Не хватило харизмы. Песни столь деликатны, столь тонки, что требуют общественной харизмы солиста — Фоменко, Сюткин, Макаревич, Шевчук, БГ далеко выходили за рамки собственно песен. Интеллигентность и скромность Зарецкого оставляла его в позиции феноменального сонграйтера, но не двигала в позицию народного героя. На сломе тысячелетий востребованнее становился общественный имидж, а красоты многоголосия или изящных гармонических фигур публика попросту не слышала.
Сегодня ситуация повторяется до болезненности зеркально, так что новому-старому альбому «Старого приятеля» тоже мало что светит. Так что альбом рекомендуется к непременному прослушиванию только ревнителям истории рока 90-х или слушателям с развитым музыкальным слухом. Возможно, их не так уж и мало...
Необычно в этой пластинке почти все. И обращение к неоконченной опере Мусоргского «Лейб-Кампанцы», и неугомонный прогрессив на диковинных инструментах.
2015. CD, ArtBeat Music
Жанр: world, прогрессив, экспериментальная
Борис Базуров давным-давно имеет право на любые эксперименты. Когда-то он солировал в ансамбле народной музыки п/у Д.Покровского, с тех пор написал много музыки для театра и кино, стал самым известным российским стикистом (стик — длинный и широкий гриф электрогитары с 8-12 струнами, позволяющий играть тэппингом сразу несколько партий одновременно), а затем изобрел собственный инструмент гуслетар, гибрид стика и русских гуслей.
Где-то в 2000 году Базуров обратился к недописанной Модестом Мусоргским опере «Лейб-Кампанцы». В архивах сохранились только нотные наброски двенадцати тем народных песен, которые Мусоргский собирался использовать в опере по мотивам пушкинской «Капитанской дочки». Лейб-кампанцы — это гренадерская рота лейб-гвардии Преображенского полка, которая разгромила пугачевский бунт. Другое название этой драмы - «Пугачевщина». Именно под таким названием вышла симфоническая увертюра Базурова, однако нигде тогда не прозвучала.
А теперь «Пугачевщина» из симфонической увертюры превратилась в этно-прогрессив, и стала опорной композицией нового альбома Базурова и Ко. Неожиданное преображение, если не вспоминать о том, насколько Мусоргский органично перерабатывается самыми разными музыкантами, от Emerson, Lake&Palmer до Tangerine Dream, от Майкла Джексона до «Сектора газа», а последней удачной реинкарнацией стала джазовая пьеса Алекса Ростоцкого.
Борис Базуров [experience] умудрился соединить вполне привычные приемы прог-рока с симфонической феерией — тут звучат оригинальные колоколы из архивов, электронная скрипка Георгия Осмоловского, электронные струнные пады, африканская перкуссия Михаила Соколова, используются вокодеры, и торжественно-надрывно звучит голос самого Базурова. Увертюра «Пугачевщина» явно встанет наравне с лучшими обработками Мусоргского, это великолепная работа.
Что касается остальных девяти треков, то они производят не столь однозначное впечатление. Русские народные песни «Не по морю» и «Торопанишка», в отличие от «Пугачевщины», оказались почти лишенными аутентичной мелодики, а их эпическая суть обесценилась из-за не до конца ясной дикции — слова зачастую просто не разобрать. Музыканты-то шикарные, они много чего накрутили вокруг, очень интересно улавливать то потрескивания перкуссии, то тяжелую поступь гуслетара а-ля King Crimson... Но народные песни все равно жалко.
Большая же часть треков — авторские композиции Бориса Базурова. Они выдержаны в чистом этно-прогрессиве, буквально эталонном. World-специфика и необычный инструментальный состав дают им порой удивительные привкусы. «Стояло солнышко», например, только во вступлении использует несколько тем, а вокальная партия стартует с дополнительной «ступеньки». Рваный ритм и почти джазовые импровизации этого альбома перекликаются порой с нынешней Инной Желанной, но куда более жизнерадостней. Ошибки, впрочем, тоже схожи — народные или псевдо-народные вокальные мелодии существуют сами по себе, а остальные музыканты играют сами по себе. Это великий грех для композиции, скажет любой педагог или композитор. Мелодия требует развития, и это знают даже бабушки в деревнях, поющие аутентично. В свое время прогрессив потерял много слушателей из-за нежелания или неумения музыкантов работать с мелодией и композицией. Потому есть подозрение, что и этот альбом не всякий дослушает до конца.
И все же мы имеем прекрасный образец современного этно-прогрессива высочайшего класса. Пусть авторские треки проигрывают безупречно выстроенной композиционно «Пугачевщине» (это заслуга не Мусоргского, а именно Базурова!). Но Мусоргскому проигрывать не зазорно. Битва интереснее результата. «Пугачевщина» как альбом состоялась, и будет интересна широкому кругу ценителей прог-рока, world-music и джаза.
Billy's Band, оказывается, не считал себя рок-группой. Это следует из пресс-релиза: «За более чем 10 лет существования нас периодически накрывала рок-волна, но многие песни, попавшие под эту волну, так и не были реализованы».
Что и говорить, многие записи у Billy's Band на разных сайтах проходят по разделу джаза, по тому же принципу периодического «накрывания джаз-волной». А еще и по разделу шансона...
Как ни называй то, что делает Билли Новик сотоварищи, факт остается фактом — начав с каверов Тома Уэйтса, Billy's Band превратился в самобытный феномен — на контрабас с гармошкой ходят и те, кто в машине не выключает Михаила Круга, и те, кто не выключает Radiohead. Невероятное обаяние Новика и тщательное дистанцирование от любых сообществ и кружков позволяют группе собирать аншлаги на площадках с абсолютно любой аудиторией.
Billy's Band - In Rock
Запись «рокового» альбома из той же степи. Игра в бисер. Что можно было бы предположить, не слушая альбом, о его содержании? Да, игру в названия — перпловский классический альбом 1970 года Deep Purple in Rock, журнал о рок-прогрессиве. Но в первую очередь — гитарный тяжелый блюз-рок, который только и может ассоциироваться с Billy's Band. Так все и случилось, никакой интриги.
11 треков альбома In Rock — блюз-рок разной степени тяжести, наполненный хриплыми тембрами Билли Новика и игривыми гитарами. До бескомпромиссности Led Zeppelin или того же Deep Purple музыканты и не думают утяжеляться. Им хватает кнопки на гитарной «примочке» и смены контрабаса на бас-гитару. В сухом остатке получается симпатичный минималистичный блюз, слегка утяжеленный. В Америке десятки тысяч групп играют каждый день примерно то же, разве что некоторые делают это гораздо техничнее Billy's Band. Ну и что? Это же игры в бисер, не так ли.
Некоторые песни весьма известны, а некоторые неизвестны вовсе. Это неважно. Игры в блюз-рок нужны как раз для того, чтобы отстраниться от многократно сыгранного, освежить взор, разгладить морщинки, покричать «Йе-йе-йе!» и сбацать жесткий рифф. Получилось? Получилось.
Billy's Band записал этот шуточный альбом для себя и поклонников с чувством юмора. Не все же играть в Тома Уэйтса, можно сыграть и в Deep Purple. Все равно за всеми игрушками считывается тот Billy's Band, который отлично слушать за барной стойкой, сжимая бутыль виски и лениво помахивая головой в такт.
Будет отчаянно жаль, если этот альбом Арефьевой пройдет мимо многочисленных поклонников женского рока в России. Земфира, Арбенина, Сурганова, Мара — их фэны найдут много интересного для себя в нем, даже если раньше никогда не слушали Арефьеву.
Сама Арефьева, наверное, будет даже обижена этой фразой. Всю дорогу Арефьева старательно дистанцируется от массовой рок-публики, от «Нашествий» и стадионных сборных солянок. А между тем, на нынешнем этапе Ольга Арефьева — вполне себе потенциальная стадионная рок-звезда. Виноваты во всем музыканты и звукорежиссер.
Ольга Арефьева и «Ковчег» - «Время назад»
Электрический состав «Ковчега» - прежде всего крепкие профи. Петр Акимов, которого представлять не нужно, на клавишах, Сергей Индюков - гитара, Сергей Суворов - бас, а для записи барабанов привлекались сразу два барабанщика, старый и новый (Антон Лукьянчук и Андрей Чарупа). Звукорежиссером альбома впервые стал Анатолий Жемир (его версия «Асимметрии» высоко была оценена аудиторией «Нашего Радио»). Все это возымело эффект виагры — звук «Ковчега» стал собранным, жестким, мощным.
Альбом «Время назад» обращен к временам Led Zeppelin, всем этим сочным блюз-роковым пассажам с ввинчивающимся в уши пронзительным вокалом. Да и сама Арефьева стала гораздо менее герметичной, углубленной только в свой богатый внутренний мир — ее вокализы вполне соотносятся с мировой хард-роковой традицией, а музыканты создают стройную традиционную конструкцию вокруг этого магического голоса. Разница с любым из предыдущих альбомов по звуку разительна.
Отдельно стоит сказать о балладах в том самом блюз-роковом смысле. «Любимый» начинается с перебора гитары, два куплета идут на нем, затем вдруг клавишная каденция Акимова с ритм-секцией, затем модуляция на тон вверх, - и вдруг брейк, стадионный распев с неожиданным разрешением и хаммондообразные клавишные пассажи. На коде — снова гитарный перебор. Да это же классическая рок-баллада! Или «Ночное вино», почти по той же схеме, только с тягучей сменой двух гармоний и посвистывающим клавишным тембром из 70-х. Попробую высказать крамолу: возврат к классике рок-н-ролла давно был ожидаем, и способен прибавить аудитории за счет тех, кто ценит качественный блюз-рок. А их немало.
На фоне отлично сделанного традиционного саунда более выигрышно слушается и текстовый месседж Арефьевой. «Я не отвечаю на выстрел ударом! Шекспир был героем — ты тоже поэт, Но я буду «да», даже если ты - «нет»» («Мыловар»), - строчки бьют на разрыв, это не просто высочайший поэтический класс. Здесь нет лесби-контекстов (и слава Богу!), зато вырисовывается мятущийся и принципиально независимый женский образ, нонконформистский и придирчивый. «Остаться живым — кино не для всех, Не ешь меня, серый ветер, Стучи в меня — это дверь! («Оборотень»). Такие песни могли бы петь Земфира или Арбенина, но их уже поет Ольга Арефьева — и это надо слышать!
Кормухина записала в качестве live-альбома концерт в Крокусе, который нельзя было не записать.
«Территория любви» - новая программа, восемь новых песен и три прошлогодних, плюс The Best. Тьма гостей, прежде всего участников телешоу «Голос. Дети», и серьезное усиление привычной группы — добавились струнный квинтет под руководством Ильи Ефимова и вокальная группа Екатерины Фармаковской из шести бэк-вокалистов.
Ольга Кормухина
Начала Кормухина с «Пилигримов» на стихи Иосифа Бродского, предварив песню страстным вокализом, а затем обрушив на слушателей сходу лавину хард-рока в духе 80-х. А потом и в духе 90-х - «Нас учили быть птицами» - с характерными запевами ого-эге... Звук в «Крокусе» не подвел, и рок-шоу ощущалось именно так, как и должно быть.
Тут же вереницей к сцене потянулись поклонники с цветами. Увидев это, Ольга всплеснула руками:
- Давайте не устраивать процессии, это не похороны!
Поклонники (скорее поклонницы) подготовились к большому концерту основательно. Перед началом умудрились раздать едва ли не всем зрителям партера вручную (!) вырезанные сердечки из белой и красной бумаги. А затем подготовленные девушки встали в проходах, и взмахами рук показывали, когда и в каком ритме махать этими сердечками. Поскольку концерт записывался не только на аудио, но и на видео — все это не казалось избыточным.
«Я знаю все» на стихи Франсуа Вийона, обращенный в полноценный рок-хит, стал полноценным контрапунктом концерта — вновь потянулись к сцене с цветами, и несмотря на благостные увещевания Кормухиной, этот поток так и не иссяк до самого финала.
Ольга Кормухина
Спев «Группу крови» Цоя, Кормухина довольно улыбнулась:
- Ну что, я вас зарядила? Мою программу обычно называют антидепрессантом. А теперь стали называть — антикризисной программой!
Сказала, - и пошла в зал. Петь «Сердце не отель». Прошлась по первому ряду, по проходу, посидела на поручнях кресел, кинула воздушный поцелуй знакомым, набрала охапку новых цветов... Вновь поднялась на сцену, - и зазвучала надрывная «Лети». То, что Кормухина — одна из лучших (если не лучшая) рок-вокалистка в стране, сомнений нет. Но в первой половине концерта Кормухина продемонстрировала, что она — прекрасная харизматичная фронтвумен, умеющая и со зрителями пообщаться, и эффектный жест вовремя подать, и с дыхания не сбиться. «Падаю в небо» прозвучало мощно, надрывно и пластично. На том и ушла, оставив музыкантов играть тяжелый инструментал и демонстрировать виртуозность (с этим оказалось напряженно).
И — вышла в красном. «Выйду в красном», главный хит Кормухиной после приснопамятного камбэка. Отгремев, певица попросила зал успокоиться, и произнесла речь о Елене Образцовой.
- Я услышала ее голос, когда мне было пять лет, я тогда жила в Нижнем Новгороде. Он меня потряс. Не хочу сказать, что сразу я захотела стать певицей, но в душу мне запал этот красивый мощный голос Образцовой. Ее смерть стала огромной потерей. Но сейчас я попробую спеть с ней.
Ольга Кормухина
На видеоэкране появились кадры общения Образцовой и Кормухиной — в последние годы жизни великой оперной певицы они тесно дружили. И зазвучала ария Кармен, визитная карточка Образцовой. Но как! Ария «Кармен» прозвучала в симфо-рок обработке, часть фраз пела Кормухина, а часть — звучала с фонограммы Елены Образцовой. Иногда голоса сливались в дуэте. Этот, казалось бы, уже привычный прием (так поминали Меркьюри, Магомаева — именно в этом же зале) был освежен именно рок-аранжировкой бессмертной музыки Бизе. Получилось трогательно. «Ля-а-а-муррр...» - по страстности Кормухина могла заткнуть в этот вечер за пояс любую исполнительницу Кармен.
- Когда мы сидели с руководительницей фонда Образцовой, поминали Елену, почти плакали, - позвонил Валентин Гафт. Почувствовав наше настроение, он почти час по телефону читал нам свои стихи. Одно из них настолько мне понравилось, что я тут же попросила у Гафта разрешения положить его на музыку. Обычно Гафт запрещает публиковать или исполнять свои стихи и эпиграммы. Но тут неожиданно взял и разрешил...
Ольга Кормухина
Романс на стихи Гафта «Рояль Рахманинова» сочинила Марина Макарова, молодой композитор. Она же сама и сыграла его на рояле в этот вечер, - Кормухина пела негромко и чувственно.
С появлением на сцене детей из «Голоса» вечер немного стал напоминать детский утренник или детскую «Новую волну». Волнующиеся дети выходили на сцену, и заученными «эстрадными» жестами иллюстрировали песни, «как взрослые». Кормухина не первый год зовет «голосят» на свои концерты, и считает их поддержку важной и нужной частью своей жизни.
И вновь на сцене одна Кормухина, «Высоко». А затем великолепный «Путь», который хором пел уже весь зал.
Ольга Кормухина
Струнный квинтет, который почти весь концерт сидел молчаливой галлюцинацией на сцене — формально он что-то играл, но расслышать ни одной ноты было невозможно при всем желании — наконец-то на попурри из западных рок-хитов ожил, и как минимум солирующую скрипку на миг стало слышно.
- Мы росли на этой музыке, как же ее не спеть? - пояснила Кормухина свой выбор.
А дальше последовал самый сложный номер программы - «Богемская Рапсодия» Queen. Собственно, именно ради нее был приглашен вокальный секстет. Увы, в этот раз не задалось — ближе к финалу концерта голос у Кормухиной начал садиться и предательски подводить, не все ладилось и у вокальной группы, и у инструменталистов. Так бывает, ничего не попишешь...
Впрочем, на помощь Кормухиной вскоре выдвинулся Алексей Белов собственной персоной. Хит «Парка Горького» Moscow Calling оказался весьма кстати. Гитаристы дружно включили свои «примочки», хриплый голос Белова поддал жару, и стало очевидно, что концерт близится к концу. В этот момент из зала на сцену потянулось доброго полтора десятка человек.
- Это студенты Института Современного Искусства, они будут помогать мне петь.
Относительно новую песню «Я такой же, как ты» студенты действительно спели хором, а Кормухина не только запевала, но и отчаянно дирижировала сводным хором ИСИ. Вышли уже все участники концерта, и зазвучала заглавная «Территория любви» (Кормухина не отказала себе в удовольствии произнести пару пафосных слов на соответствующую тему). После чего резюмировала:
- Если вы уйдете после концерта без желания сделать свою жизнь в чем-то лучше, то я зря сегодня вышла на эту сцену!
Ольга Кормухина
В финале прозвучали цоевская «Кукушка» и Simply The Best Тины Тернер. А наша, русская Тина Тернер — Ольга Кормухина — достойно завершила этот чрезвычайно важный для нее концерт.
Если с технической точки зрения выйдет приемлемо, слушатель получит первоклассный «живой» альбом Кормухиной. Именно его отчаянно не хватало в новейшей дискографии певицы, - и этот концерт в «Крокусе» точно стоило бы записать.
Дмитрий Маликов не устает записывать нежные прекраснодушные альбомы инструментальной музыки, которые приятно слушать, но решительно не знаешь, как их использовать.
malikov.ru, 2015
Жанр: кроссовер, этника, relax
Так уже получилось, что дипломированный пианист Дмитрий Маликов из хорошей музыкальной семьи (папа — руководитель гремевших по стране «Самоцветов») взял за правило регулярно записывать альбомы кроссовер-музыки. Это случилось задолго до нашумевшей «Пианомании». Еще за 10 лет до нее Маликов записал первый кроссовер «Страх полета» (1997), в конце концов.
Дмитрий Маликов - Cafe Safari
Поп-карьера у Маликова складывается более чем благополучно, так что времени на явно бескорыстные и некоммерческие альбомы с очень приличными музыкантами у него остается. Вот и в Cafe Safari мы слышим на духовых великолепного Сергея Клевенского, на вокале - певица Eshu и участница «Битвы хоров» Ляйсан Мингазова. Звучит Quattrosound string quartet, а концепцию разрабатывал сам Владимир Матецкий.
Жанр кроссовера подразумевает изначальное опрощение — дескать, простой народ ваших бахов и шнитке не поймет, им надо бы с барабанами и помелодичнее все. Маликов держит на уме еще и имидж романтичного артиста. В результате все как минимум семь кроссовер-альбомов Дмитрия (с Cafe Safari) удивительно мало чем отличаются друг от друга. Это романтичная фоновая музыка с фортепианными арпеджио и скупыми гармониями, обрамленная ненавязчивыми ударными и этническими намеками.
На Cafe Safari Маликов в курортном, как следует из названия, стиле перепробовал тьму разных устоявшихся стилистик: тут и Крутой-стайл (на самом деле Клайдерман-дискография), андские сику, греческие сиртаки, испанское фламенко, ирландская джига, и помесь всего европейского кроссовера. За одним исключением — кроме классики. Ее Маликов ни играть, ни цитировать, ни даже намекать на нее не стал.
Разница с Клайдерманом (с которым Маликов уже играл) или нашим Кондаковым для Маликова ощутима прежде всего в том, что когда слушаешь их записи или концерты, то слышно, что пианисты умеют играть. Не то, чтобы они бравировали виртуозными пассажами, но это органически слышно. Маликов же в который раз перебарщивает со стерильностью: его фортепианные пассажи смог бы сыграть ученик музыкальной школы. Но мотивация такого фундаментального упрощения до конца не ясна, потому что мелодий-то у Маликова нет. Все на уровне темок. Когда нет ни мелодий, ни виртуозности, ни необычных аранжировок — оценка качественности музыки неизбежно падает, ибо что же слушать?
Cafe Safari как раз пример недоверия музыкантов к своим слушателям, когда хочется даже кашку разжевать и положить в рот. Иногда это нужно. Но для некоммерческого альбома «на любителя» - кажется все же чрезмерным. Было бы гораздо ценнее, если бы Маликов из шаблонных «этнических» тем сделал феерическое фортепианное пиршество для ушей, которое не стыдно было бы показать на Mezzo или арт-фестивале Башмета. Пока — не так.
И все же Cafe Safari тот альбом, который можно и нужно слушать. Со всеми ошибками и находками он — атмосферное романтическое шоу для фонового прослушивания, и с этой задачей как раз прекрасно справляется.
В преддверии презентации нового альбома «Время, назад!» Ольга Арефьева рассказала об истории создания некоторых песен, своих ощущениях о происходящем в искусстве и собственных театральных экспериментах.
Новый альбом Ольги Арефьевой и группы «Ковчег» впервые можно будет услышать 27 февраля в ЦДХ, с 7 по 20 марта в гастрольном туре по России, и 5 апреля в питерском клубе «Зал ожидания».
Альбом производит весьма сильное впечатление, так что поговорить с Ольгой было о чем.
Ольга Арефьева
- Заглавная песня альбома «Время назад» была записана еще в 1992 году, но я ее тогда не услышал. А теперь она звучит чрезвычайно актуально. Как так случилось?
- … А написана в 91-м. Да, видимо, неспроста... Когда я пишу песню, как правило, не планирую сообщить какую-то идею, это идея говорит через меня. Моего специального намерения в этом нет, я только наблюдаю, как сюжет развивается. Да, почему-то получилось так.
- Но ведь таков был замысел? Взять старую песню и сыграть ее мощно, по-сегодняшнему, злободневно?
- Обычный творческий процесс. Захотелось! Я предложила ребятам сыграть «Время назад» - и покатило! Почувствовали, что волна очень сильная несет.
Я периодически пересматриваю свои песни, в архивах их очень много. И далеко не все как-то исполняются. А много удачных, ценных, только должно произойти совпадение с волнами мира. У нас всегда много материала в работе - и песни, не вошедшие в рабочий круг, довольно трудно вытащить из периферии внимания. Мелодия, текст, форма, гитарная партия - это еще только зародыш. Надо довольно мощно вложиться многим людям, чтобы сделать из заготовки что-то внятное. А ребят сначала надо убедить, заинтересовать. Я даже стала специально делать концерты редких и новых песен. И в процессе подготовки набредаю на ту или другую находку. Первые показы нового на публику тоже происходят именно на таких вечерах. Так произведения набирают энергию, проходят первую обкатку, огранку.
Бывает, некие забытые песни оказываются своевременными, попадают в точку. Это связано не со мной - важнее какова воля мира, как хочет песня. Бывает, попробуешь спеть - и на полпути откладываешь гитару: не идет. А бывает - слова стучат в висках и так хочется их выплеснуть. Не обязательно вместо живых жестов тормозиться и раздумывать, почему да зачем. Чувствовать - это правильнее, здесь и сейчас, пока волна идет. Понимания, трактовки - это постфактум, работа для аналитиков и историков.
- Альбом гитарный, ледзеппелиновский, при этом есть и регги. И на последних концертах слышно, как важен для вас рок 60-70-х. Вы чувствуете, что рок 60-х актуален сегодня?
- Из моей бочки Диогена все выглядит немного иначе. Меньше всего я думаю об актуальности, таких-то годах и стилях. Собственно, что происходило в те замечательные годы? Люди творчески выражали энергию, которая шла через них и всю Землю. Сейчас со мной происходит примерно такой же процесс. Люди - в какой-то степени сосуды, проводники, а мир можно сравнить с фонтаном. Он как будто имеет форму, движется в пространстве, развивается во времени, но это просто бьющие струи энергии. И вот они и определяют, какое все. Мы, как группа, находимся в настоящем моменте - берем то, что нравится и играем так, как чувствуем. Абсолютно не оглядываясь, не копируя какие-то образцы. Но раз такая энергия сейчас пришла к нам - возможно, тогда о чем-то недоговорили. То, что эти волокна совпали с эпохой 60-70-х - это хорошо и здорово, времена были яркие, творческие. Но мне нравятся не только они.
Скажем, недавно я пересматривала фильмы Чарли Чаплина, и поняла, что нет для меня более актуального артиста, чем он. Кто говорит, что мир развивается? Что время движется вперед или назад? Кто после Чаплина сделал что-то близкое по уровню, волшебству? Гениально же все, от первой до последней секунды, от первого до последнего жеста. И когда я на это смотрю - не измеряю, в каком времени нахожусь. Это удивительным образом мне более актуально, чем нечто современное! Вот и поговорили.
- Возможно, «Время назад» - это самый нонконформистский альбом у вас за последние годы. Буквально в каждой песне - не в ногу с массами. Какие причины подтолкнули к столь протестному альбому?
- Ваш взгляд - со стороны. Изнутри я такого не вижу. Как диалог с психоаналитиком: он подмечает то и это - а я живу как живу, и ничего такого специального сказать не хочу. Существую в своем почерке и походке. Нонконформизм? Понятия не имею! Вам виднее. Перебираю сейчас в голове - ну, там про любовь есть песни...
- Песня «Сион» наверняка вызовет немало дискуссий. Как вы ее воспринимаете?
- Это известный образ - Сион, и он расшифрован перед началом песни. Сион, Синай - очень знаковые символические имена, как и Вавилон. В церкви на Пасху поют «Святися, Новый Иерусалиме, и веселися, Сионе!». Это слова, которые не относятся к странам, нациям. Это про небесные и земные пути, внутренние для каждого человека.
- Но вы, кажется, весьма ироничны по отношению к герою этой песни.
- При этом я его люблю и себя с ним вполне ассоциирую.
- Песня «Дедушка Фред» явно провоцирует на фрейдистские ассоциации. Так было задумано?
- Там даже прямым текстом говорится в припеве - «дедушка Фрейд». Это про вполне типичную историю, когда человек в тебя влюблен, а ты пытаешься с ним дружить. Его кидает в жар и холод, в навязчивость и в отторжение, а тебе от этого только беспокойство и морока. И отношения в итоге не складываются, рвутся. А если бы горе-влюбленный мог совладать с этой стихией, могло бы все пойти по-другому. Существуют же еще творчество, дружба и сотрудничество. В общем, «если ты мне друг - то давай без рук»!
Ольга Арефьева
- Презентация пройдет в полном электрическом варианте? Будут ли гости?
- Да, играем полным составом. О гостях я как-то не думала. Я всегда исхожу из творческой необходимости. Ради престижа кого-то приглашать как-то в голову не приходит. А творческая необходимость вполне воплощается теми музыкантами, которые есть. Альбом действительно гитарный, как вы подметили, и инструментов там много и не требуется. Если расширять гитарную музыку, она превратится во что-то другое, - а это не входит в нашу задачу. В саунде есть определенное стилевое единство. Если кто-то вдруг понадобится - конечно, позовем. Будет, как обычно, труппа Kalimba - придумаем визуальное сопровождение к каким-то номерам.
- Раз заговорили о театре. У вас сейчас интересный совместный проект с артистом из театра Derevo. В чем суть этого проекта, я его еще не видел?
- Еще почти никто не видел. Мы выступали только в Новосибирске, в небольшом зале театра La Pushkin. Очень чистый, честный, настоящий такой небольшой театр создал Олег Жуковский, чтобы воплощать свои задумки. В Москве и Питере все это произойдет впервые, причем в очень разных по размеру залах, к каждому надо будет ощутимо адаптировать сценографию.
- Это будет привычный для Kalimba и Derevo пластический перформанс, или песни тоже будут?
- Мы не шли по канонам. Но и не ставили задачи и какое-то авангардное искусство выдумывать. Делали так, как хотелось, использовали лучшее, что умеем. И я и Олег много лет занимались движением, исследовали его магию. Визуальное и кинестетическое переживание для меня не менее важно, чем словесное и музыкальное, поэтому там есть и некий оттенок физического театра, и визуального. Пение тоже есть, но немного, в качестве краски вплелось кое-где. И это однозначно не драмтеатр, никто не читает по ролям, хотя у нас есть пара диалогов на весь спектакль. Чаще же текст «Ефросиньи» мы используем как музыку - главы там афористичны, самодостаточны как стихотворения в прозе. Мы записали текстовые отрывки своими голосами, а сами танцуем, дурачимся. Там много юмора, гэгов, шуток. Олег - блистательный комик, вот этому я у него прямо учусь каждую секунду. И пронзительные, высокие моменты, конечно, тоже там есть. О том, что находится за границей бытового восприятия, так запросто не поговоришь, в эти состояния надо погружаться. Те, кто читали книгу «Смерть и приключения Ефросиньи Прекрасной», знают, что в нее надо именно заходить, это коридор в некий мир. Вот этот баланс созерцательной магии и юмора Олегу оказался настолько близким моему, что это даже удивительно.
Сцена из спектакля «Приключения в романе» по книге Ольги Арефьевой «Смерть и приключения Ефросиньи Прекрасной»
- А как вы встретились?
- Мы и знакомы близко не были. Хотя кое-что друг о друге знали, с театром Derevo я много лет общалась. И вот встретились - и оказалось, что мы если не брат и сестра, то точно соратники в очень высокой степени совпадения. И нам есть, что сказать вместе. Каждый из нас долго шел своей дорогой, а оказалось, что эти дороги при всей своей внешней несхожести и, казалось бы, проходящие в разных плоскостях - на одну гору. Мы с Олегом Жуковским искали одно и то же - чтобы чудо происходило в первую очередь для себя, а потом уже можно было делиться им со зрителем. А чудо - оно же такое безжалостное, капризное, все время ускользает, и надо с ним мчаться на одной скорости. Все время - «себя не жалей», как в песне альбома. Постоянно учишься, с себя спрашиваешь, себя обдираешь и шлифуешь. Это бескомпромиссное служение, религия. Не выйдет - номер отработать и домой пойти отдыхать.
Олег такой же. У меня в общении с ним возникло огромное чувство узнавания того, что я думала и проживала все эти годы. Это еще и детскость, готовность за чудом бежать, ползти и ломать стены. Ворочать невероятные пласты материй, чтобы пережить волшебство. Я написала об этом много песен. Если послушать, я постоянно об этом с разных сторон рассказываю. Штука неуловимая, но очень настоящая. И здесь получилось про то же, только другим языком.
- У вас запланировано много концертов в афише. Кризис не ощущается никак?
- Да не знаю, месяц у меня не было концертов, уезжала на каникулы. А сейчас посмотрим, как придет зритель. Но мы же занимаемся своим делом не ради денег. Возможно, даже вкладываем больше, чем получаем. Точнее, получаем нечто другое, более ценное, чем земные деньги. И зрителей ждем таких же. Думаю, они, конечно, придут. На нас всегда ходили те, для кого это было важным. Случайные люди пойдут в другие места, там перед ними спляшут в блестках.
Кстати, насчет блесток. Будет еще одно представление. У Олега Жуковского есть спектакль «Люби меня», который в какой-то степени рождался на моих глазах. Это жесткое кабаре, очень смешное и интенсивное - и блестки в нем тоже есть, и шампанское, и пельмени, так что случайные зрители - тоже приходите! Когда я на этот спектакль попала, шла с недоверием, а вернулась просто в невероятном восторге. Со мной такое крайне редко бывает. Наутро написала восторженную рецензию в самых превосходных выражениях. И сейчас вдруг Олег пригласил меня сыграть там одну из двух женских ролей. Я с удовольствием согласилась рискнуть. Жанр этот, кстати, один из самых непростых - клоунада, пантомима, стэнд-ап комеди. Вспоминается анекдот про мужчину, которому в качестве последнего средства от депрессии врач посоветовал пойти на представление Великого Гарика. Мол, это великий комик, вы будете так хохотать, что позабудете все печали. И тут он отвечает: «Доктор, если это последнее средство, то мне конец. Великий Гарик - это я».
- Еще одновременно со спектаклями вы будете выступать с сольными концертами - творческими встречами. Это что-то новое для вас?
- Да, жанр, который только недавно стала осваивать. На сцене только певица, гитара и луч света. Когда постоянно выходишь на сцену с рок-группой - все же находишься в сильной позиции, на шоу работают и общий эмоциональный подъем, и мужской драйв группы, и динамический свет. Руки свободны - можно не только петь, но и двигаться, танцевать. Это здорово, но что останется, если убрать все эти подпорки? В одиночку совсем другой спрос и другая отдача: сильнейшая концентрация, фокусировка на подробностях, смысле, на поле, которое создаешь. Выступая с группой, я почти перестала играть на гитаре. А тут - замечательный стимул держать форму, да и по-новому взглядывать на свои же песни. Кстати, при таком аскетичном исполнении открывается много новых нюансов, и мне, и зрителям. Я хочу и могу выразить то, о чем недоговорила в больших концертах с группой. А еще на таких встречах я обязательно разговариваю с публикой. Обо всем они спрашивают - о любви, о смерти, о бытовых вещах. Вопросы никогда не повторяются, в отличие от вопросов журналистов (смеется).
Правда, уже опять получилось, что я не одна на сцене. Лена Калагина, которая много лет участвует в Kalimba, теперь со мной играет на перкуссии, и поет, когда требуется двухголосие. А когда рядом непредсказуемый Олег Жуковский - он тоже может вторгнуться в происходящее...
Презентация альбома «Время, назад!» в Москве пройдет 27 февраля в ЦДХ, начало в 19 часов.
Диана Арбенина сыграла, возможно, лучший свой концерт с оркестром.
Перед концертом Диана сильно переживала, не скрывая своего мандража перед выходом на сцену с маэстро Юрием Башметом. И это волнение чувствовалось в начале концерта в Зимнем театре Сочи, который прошел в рамках VIII Зимнего международного фестиваля искусств Юрия Башмета.
Немного дрожал голос. Диана судорожно вслушивалась во все инструментальные интродукции, боясь перепутать такты для своего вступления. Однако с самого начала концерт пошел на удивление слаженно. Огромная заслуга в этом — у оркестровщика песен Арбениной (и пианиста на самом концерте) Дмитрия Рябцева.
Рябцев создал партитуру, в которой изысканные оркестровые партии гармонично вписались в жесткую структуру «Ночных Снайперов», не «приукрашивая» песни и не звуча как большой синтезатор, а облагораживая и заменяя всю полифонию аранжировки. Оркестр Башмета звучит полновесно, мощно, массивно. Сохранены все основные мелодические ходы, и при этом Рябцев добавил немало ярких своих находок — многим песням Арбениной неожиданно очень к лицу оказались барочные мотивы, например. Вообще Рябцев извлек из песен Арбениной их исходную романсовую мелодику, и преобразил ее оркестровыми возможностями в невероятные доселе аранжировки — живые, изысканные и с юморком (кстати пригодились множественные цитаты из классиков). Голос Арбениной «утопили» в оркестре, и получился именно концерт с оркестром, а не что-либо иное.
Возможно, излишни были барабаны — по крайней мере, в первой части концерта. Барабаны выполняли роль метронома, что сильно сковывало и оркестр, и Башмета как дирижера. «Новая Россия» под рок-барабаны звучала более механистично, менее живо — а стоило им смолкнуть, вновь раскрывалась широким дыханием.
Диана Арбенина уже к третьей песне почувствовала себя гораздо более свободно, и шоу состоялось. Именно такого качества, которого ждешь от «Ночных Снайперов», Юрия Башмета и оркестра «Новая Россия». Свободнее полился голос, сконцентрированнее стала знаменитая энергетика Дианы, даже жестикуляция обрела скупость и выразительность.
Не обошлось без сюрпризов. После семи песен Диана ушла, Башмет взял свой альт, и принялся играть фрагмент... из комической оперы Игоря Стравинского «Мавра». Ту самую «Русскую песню», где пьяный гусар оказывается перед выбором. Возможно, это было не лучшее исполнение для самого Башмета, но очень в точку! «Мавра» - не просто комическая опера, она целиком написана на ироническом переосмыслении городского романса, того самого, чем занимается по сути дела Арбенина.
После «Гугла» и «Лети, моя душа» - снова сюрприз. Рок-музыканты уходят, а Диана Арбенина поет «Пусть нам повезет» одна, под акустическую гитару. И это снова городской романс...
Многие переживали, полетят ли бумажные самолетики на «Столице». Это незыблемая традиция всех «снайперовских» концертов, но на кроссовер-концерте могло такого и не случиться... Случилось! В нужный момент на припеве в зале взмыли десятки бумажных самолетиков. Стоит отметить, что на сочинский концерт приехало множество фанатов из самых разных городов. На балконе повесили баннер «Чита вместе с вами», в зале были поклонники «Снайперов» из Твери, Краснодара, Калуги, Москвы, Петербурга и других городов. Из-за нелепых запретов концертов Арбениной публика истосковалась по ее выступлениям, зато благодаря Юрию Башмету получила, кажется, даже намного больше, чем ожидала.
Самыми яркими, наверное, номерами программы стали «Бонни и Клайд», которым к лицу оказались напряженные струнные пассажи в духе Вивальди, и романс «Ты дарила мне розы», сделанный в иронической русско-шансонной подаче.
После «31 весны» - бисы. И это были особенные бисы. Арбенина села за рояль, к ней подошел с альтом Башмет — и полился «Московский военный вальс», одна из недавних песен «Снайперов». Звучало удивительно — тягучий вечно-грустный альт Башмета и безыскусные грубовато-задумчивые три четверти на рояле, насыщенные страстным и горьким голосом Арбениной. На коде она позволила себе поменять слова: «Пора писать песню, новую песню для «Новой России»»...
А окончательную точку поставила песня «На границе». Зал встал. И долго приветствовал и Арбенину, и ее музыкантов, и Башмета, и его музыкантов, и Дмитрия Рябцева.
Какой же можно сделать вывод? Сомнений в том, что Арбенина — исключительно талантлива, нет никаких. Запреты ее концертов — по сути, преступление. Будем надеяться, когда-нибудь эти преступники будут наказаны по заслугам.
Башмет подчеркивал, что приглашение Арбениной на престижный фестиваль в Сочи — отнюдь не политический жест в поддержку. Это признание таланта Арбениной. Башмету интересно играть с талантливыми людьми. Поэтому — и Арбенина.
Концерт случился феноменальный. Это был лучший кроссовер-концерт за последние годы на этом фестивале, а кроссоверов тут было немало — только что уехал цыганский гений скрипки Роби Лакатош и «Терем-Квартет», были и другие звезды. Но такой отчаянной страсти, такого изысканного звучания — тут не было давно. А для «Ночных Снайперов» - это поразительный опыт жизни на сцене с выдающимися музыкантами (напомним, что многие музыканты «Новой России» - это еще и солисты обладателя Grammy ансамбля «Солисты Москвы»).
И последнее. Очень часто рок-музыканты играют с оркестрами. Каждый раз делается специальная аранжировка, иногда очень удачная. Иногда сверхудачная, гораздо талантливее, чем было у рок-музыкантов изначально. И вот проходят те концерты, и чу — куда же делось то волшебство? Опять рокеры играют привычное им. Это нелепо и бессмысленно. Рок-музыкантам просто необходимо впитывать то лучшее, что родилось в сотрудничестве с академическими профи. Внедрять в свои аранжировки. Только так артист развивается, двигается вперед к совершенству. Хочется верить, что Арбенина не выбросит партитуру Рябцева в корзину, но внесет лучшее из его предложений в свои обычные концертные аранжировки.
Шоу-бизнес сегодня - главная сфера интересов издания
"Новости шоу-бизнеса" NEWSmuz.com (экс - NEWSmusic.ru).
Последние новости шоу бизнеса и классической музыки обновляются круглосуточно. Российский шоу-бизнес
и артисты шоу-бизнеса - вы можете читать новости шоу-бизнеса России сегодня на сайте, или
подписаться на рассылки новостей
шоу-бизнеса. Сообщить о новостях сегодня - наша работа.
Комменты